Citations

« Le goût de la vérité n’empêche pas la prise de parti. » (Albert Camus)
« La lucidité est la blessure la plus rapprochée du Soleil. » (René Char).
« Il faut commencer par le commencement, et le commencement de tout est le courage. » (Vladimir Jankélévitch)
« Notre métier n’est pas de faire plaisir, non plus de faire du tort. Il est de porter la plume dans la plaie. » (Albert Londres)
« Le plus difficile n'est pas de dire ce que l'on voit, mais d'accepter de voir ce que l'on voit. » (Charles Péguy)

mercredi 29 août 2018

Ori Gersht et Zadok Ben-David


Le musée de la Chasse et de la Nature présente, dans le cadre de la Saison France-Israël 2018, l’exposition collective d’œuvres des deux artistes israéliens Ori Gersht, créateur d'une vidéo numérique emblématique de la violence, et Zadok Ben-David, auteur d'une installation composée de fleurs métalliques colorées et implantées dans du sable. Des réflexions artistiques inspirées d'oeuvres du XVIIIe siècle européen et rendant sensible la fragilité de la vie.
A Paris, le musée de la Chasse et de la Nature participe à la Saison France-Israël 2018, en présentant les oeuvres de deux artistes israéliens.

« Avec des œuvres abordant les relations multi-facettes entre la nature et la culture et approfondissant les questions de lieu, de mémoire et d’identité, l’ensemble du programme favorisera la réflexion et le débat sur les questions esthétiques et politiques », a écrit Hadas Maor, commissaire et artiste israélienne.

Ori Gersht
Ori Gersht est né à Tel Aviv, en Israël, en 1967. En 1995, il a obtenu un MA en Photographie au Royal College of Art de Londres et en 1992 un BA en Photographie, Film et Vidée de l’université de Westminster de Londres. Il vit et travaille à Londres (Grande-Bretagne). Il enseigne la photographie au Kent Institute of Art & Design. Il expose dans des musées et galeries aux Etats-Unis, en Europe, en Nouvelle-Zélande, en Israël…

La vidéo « Grenade commence par une nature morte sereine d’un chou, d’une citrouille, d’une courge et d’une grenade, disposés dans un cadre de fenêtre d’une manière traditionnelle et picturale. Soudain, une balle à grande vitesse oblitère la grenade suspendue, l’éclatant comme une bouche pulvérisant des graines. L’œuvre établit ainsi un dialogue entre la paix et la violence, l’immobilité et le mouvement, la peinture et le film. » Le calme, l'harmonie sont rompus brutalement. Le ralenti en souligne la violence.

Falling bird de l’artiste Ori Gersht « s’inspire de la nature morte du peintre du XVIIIe siècle Jean Siméon Chardin, intitulée Un canard col-vert attaché à la muraille et une bigarade (collection du musée). Le film révèle un canard suspendu, fendant soudainement une surface noire miroitante, qui s’effondre dans son propre reflet. L’impact de l’oiseau qui pénètre la surface liquide ainsi que le déclenchement d’une formidable réaction en chaîne, évoque l’idée d’un désastre écologique. Ori Gersht explore les relations entre la photographie et la technologie ».

Zadock Ben-David
Zadock Ben-David est né à Bayhan, au Yémen en 1949 et a fait son aliyah la même année. Il est diplômé de St. Martin’s School of Art à Londres et y a enseigné de 1977 à 1982. Il a exposé ses œuvres en Europe, aux Etats-Unis, en Israël et en Asie, notamment au Japon. En 2008, il a reçu la commande d’une sculpture pour les Jeux Olympiques de Beijing. Il a participé à de prestigieuses biennales et a été distingué notamment par le premier prix à celle de Vila Nova de Cerveira au Portugal (2007) et celui en sculpture du musée de Tel Aviv (2005).

Blackfield de Zadock Ben-David « est une installation composée de centaines de fleurs de métal découpées et plantées dans une fine couche de sable. Provenant d’encyclopédies victoriennes du XIXe siècle, ces plantes composent une sorte d’immense toile de Jouy ou de Liberty en trois dimensions. Le travail de l’artiste joue avec la perception et la perspective, tandis qu’avers et revers de l’œuvre questionnent la vie et la mort ».


Du 5 juin au 2 septembre 2018
62, rue des Archives 75003 Paris
Du mardi à dimanche de 11 h à 18 h. Mercredi de 11 h à 21 h 30, sauf au mois d’août. Fermé le lundi et les jours fériés.

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Les citations proviennent du musée.

Theo Tobiasse (1927-2012)


Theo Tobiasse (1927-2012) était un peintre juif né à Jaffa, en Eretz Israël. Graphiste pour la publicité, il survit en France à la Shoah. Établi après guerre à Saint-Paul de Vence, en Provence, il y produit une oeuvre tramée sur des thèmes privilégiés : l’exil, la Bible, des femmes aux courbes sensuelles, corps aériens, la Shoah, le désir, l’amour fou, l’enfance, les baladins, les jeux de la représentation, la Lituanie de son enfance  et le bonheur familial. Le château de Vascoeuil propose une exposition de Théo Tobiasse.


Né en 1927 à Jaffa, en Palestine sous mandat britannique (Eretz Israël) dans une famille originaire de Lituanie.

Quittant cette Terre promise, la famille Tobiasse retourne en Lituanie. Le jeune Theo Tobiasse y reste jusqu’à ses cinq ans, puis sa famille s’installe en France en 1931.

Sous l’Occupation, la famille Tobiasse subit les persécutions antisémites, se cache, mais une partie des membres est décimée par la Shoah.

A la Libération (1944), Theo Tobiasse recherche la lumière, le soleil, le ciel vaste.

Il emménage à Nice, puis à Saint-Paul de Vence où il vit et travaille.

Ce village provençal, c’est son lieu d’élection. Là, découvrant le paysage lunaire du plateau de Saint-Barnabé, au col de Vence, Theo Tobiasse peint sa première toile.

Le « Rijksmuseum d’Amsterdam lui procure une seconde révélation : la Fiancée Juive de Rembrandt lui fait découvrir le mystère de la matière et de la couleur. Il comprend alors tout des glacis, des jus et des clairs-obscurs ».

Theo Tobiasse travaille comme graphiste dans la publicité.

Il est distingué en 1961 par le Prix de la jeune peinture méditerranéenne en 1961.


Au fil d’une carrière qui le mène en Amérique du Nord, en Europe, au Japon, cet artiste sculpte, crée des vitraux, des poteries, des gravures. Parmi ses œuvres monumentales : le Palais des Congrès de Nice, la Chapelle Saint-Sauveur-Le Cannet et le Centre communautaire israélite de Strasbourg.

De New York à Jérusalem, via Saint-Paul de Vence et Venise, Theo Tobiasse tient un « journal intime artistique » composé de cinq Carnets qui couvrent huit ans, de 1993 à 2001.

Des inédits - écrits, gouaches, pastels et dessins, natures mortes (« Festin bleu ») et portraits (« Reine de théâtre aux désirs errants ») - y traduisent les impressions et préoccupations de l’artiste qui a signé et daté chaque page.

On y retrouve ses thèmes d’inspiration : l’exil, la Bible, des femmes aux courbes sensuelles, corps aériens, la Shoah (« Le ciel le plus noir à la lumière des brasiers »), le désir, l’amour fou, l’enfance, les baladins disproportionnés souriants, les jeux de la représentation (« Les Ménines » inspirées de Velasquez), la Lituanie de son enfance – « la datcha dans la verdoyante campagne de Kaletova, les lumières des bateaux à roue pavoisés sur le Niémen, les traîneaux dans les rues enneigées de Kovno, mais aussi les théières rondes et les samovars ventrus, symboles de la chaleur familiale » - et les scènes de bonheur familial en couleurs sépia.


Privilégiant les rouges et bleus, Theo Tobiasse y exprime la détresse et l’espoir - « Il faut courir pour écarter les parois des ténèbres, attendre que le jour se lève pour imaginer une autre vie » -, ainsi que l’humour par la présence d’animaux improbables entre les barreaux d’une échelle (« L’amour au temps du Sinaï»).

Il décède le 3 novembre 2012

Hommages
Au printemps 2013, la Chapelle Saint-Elme au cœur de la Citadelle de Villefranche-sur-Mer a présenté l'exposition Intime/Ultime de Theo Tobiasse (1927-2012). "Une plongée en plein cœur de l’univers créatif de l’artiste qui a permis aux amateurs et aux collectionneurs de découvrir dessins, tableaux, poteries, bronzes, carnets, sculptures".

En 2013, la galerie  Ada Loumani à Valbonne a présenté l’exposition Tobiasse, Moments d’Atelier éponyme qui révèlait "les moments inédits de création et d’inspiration" de Theo Tobiasse (1927-2012). Sa fille, Catherine Faust-Tobiasse "nous invite à découvrir une facette plus personnelle de son œuvre en entrouvrant la porte de son atelier… Au cœur même de son expression pure et libre, céramiques, dessins, sculptures, écrits se dévoilent au fil de l’univers intime de l’artiste récemment disparu".

La ville de Mougins et le Musée d'Art classique de Mougins ( MACM) ont présenté l'exposition Mougins monumental (4 avril-30 juin 2015)avec notamment une sculpture de Theo Tobiasse (1927-2012). Une "exposition à ciel ouvert : sur terre, dans les jardins, dans les airs, à travers les ruelles ! Cette agréable balade vous invitait à voyager dans le temps pour mieux comprendre les évolutions du monde artistique. Des années 60 avec les Nouveaux Réalistes, à la relève contemporaine, Mougins Monumental est un parcours initiatique original".

La galerie Perahia présenta "Tobiasse intime" (12-27 Juin 2015). "Bien plus qu'une exposition, une incursion dans l'atelier de l'artiste, au cœur de son domaine réservé !  Près de cent cinquante œuvres - huiles sur toiles, gouaches, pastels dessins, gravures, céramiques, sculptures - inédites sortiront du silence de l'atelier de Théo Tobiasse, à Saint-Paul de Vence. Pour la première fois, à Paris, C'est à la galerie Perahia que Catherine Faust-Tobiasse, fille de l'artiste, confie le privilège de présenter ces travaux de Tobiasse dont la planète des arts, elle-même, ignorait en partie l'existence ! L'événement devrait diffuser bien de nouvelles lumières sur l'ensemble d'une oeuvre mondialement reconnue. La Lituanie, l'errance, Paris, Saint-Paul de Vence, les vibrations de New-York, l'envoûtement pour Venise, la sensualité des femmes, des amantes de passage, certes, mais aussi de l'incontournable, de la femme-mère, mère de l'Humanité ! De tendres confidences sur l'essence d'une oeuvre. A mille lieux de toute indiscrétion mais comme autant de tendres confidences sur l'essence même du travail de son père, Catherine ouvre de nouvelles voies d'entrée dans l'épopée onirique de Théo.

"Tobiasse, qui vouait un amour éternel à Jérusalem, cette terre qu'on lui avait promise mais qu'il dut quitter pour l'Europe centrale, avec sa famille, aux toutes premières lueurs de ses jours ! Depuis les ténèbres de l'exil jusqu'à l'ancrage éblouissant dans les lumières de la Méditerranée, le flux de ses multiples vies, nourri des sédiments de la mémoire, a ciselé un art aux infinies facettes. Théo Tobiasse, le peintre-sculpteur, le passionné de dessin, l'émouvant créateur de correspondances poétiques entre les visuels et les mots, entre les formes et les couleurs. Tobiasse le luxuriant, dont la toile côtoie les étoiles, le céramiste-conteur, l'artiste  qui ne cesse de nous faire voyager dans l'imaginaire chatoyant de son parcours en lignes courbes. Tobiasse, foisonnant de sensibilité, dont tant d'émotions ou de drames, tant de passions, aussi, ont abreuvé la palette et la glaise, la plume, le crayon, le ciseau !"

Vallauris, Le Cannet et Saint-Paul de Vence rendaient hommage à Tobiasse par des expositions (24 juin-30 octobre 2017) sous l'enseigne Tobiasse, trois terres d'inspirationExpositions à facettes, voyage artistique et initiatique… Une découverte hors cadre proposée par trois villes d’art du Sud de la France : Vallauris, Saint-Paul de Vence et Le Cannet.

Le Musée Magnelli, musée de la céramique de Vallauris proposait Les Lumières de l'espoir. Il "invite le visiteur à pénétrer dans l'univers de l'artiste en suivant son chemin de vie entre rires et larmes, soleil et ténèbres, intimité familiale et déchirement de l'exil. On y retrouve ses thèmes favoris : la femme - mère, épouse, amante -, la mythologie, le cirque, les musiciens, les saltimbanques. Ces principaux thèmes sont déclinés par autant de techniques différentes, employées seules ou en association. Tobiasse exprime ses sentiments en deux ou trois dimensions, du plus léger collage à la sculpture monumentale de bronze ou de béton, de la délicatesse d’un glacis jeté sur une feuille, à la vigoureuse pleine pâte d’une toile saturée de couleurs, jusqu’à sa palette, devenue montagne, sorte de paysage fantastique dont seul l’artiste connaît les secrets. Au total, ce sont plus de 150 oeuvres toutes techniques confondues qui illustrent l’immense créativité et la singularité d’un artiste qui a traversé le siècle en conservant au plus profond de lui-même : Les lumières de l’espoir aux heures les plus sombres de l’histoire du XX° siècle".

"La Maison des quartiers exposait des céramiques d'édition, réalisées dans l’atelier de Gérard Crociani, d'après des originaux de Tobiasse. Le public pourra également découvrir dans les salles d’exposition la technique d’édition céramique. Des projections de films où apparaît l’artiste seront projetées en continu : L’âge d’or de la céramique Azuréenne 1950 - 1970 (2009) de Roland Kelberg produit par Vidéo Film Biot et Les éditions céramiques de Tobiasse, film HD couleur 20 min 30s de Maxime Martins. Vallauris 2017.Au port de Golfe-Juan une présentation de l’exposition dans un espace proche de la capitainerie et sur la promenade offre aux estivants un aperçu de l’événement". 


"Au Cannet, dans la Chapelle Tobiasse (rue Saint Sauveur) décorée par Théo Tobiasse en 1989, l’exposition La Vie est une Fête présentait les maquettes, les dessins et les calques préparatoires qui ont servi à la réalisation du décor de la chapelle. On ignore la date de construction de la chapelle Saint-Sauveurcet ancien beffroi qui marque l’entrée du quartier des Ardissons. Son clocher sonnait pour signaler les appels aux armes ou l’approche d’un danger".

"Sauvée d’une ruine probable, cette chapelle a été restaurée en 1989. Respecter son histoire tout en lui rendant sa vocation spirituelle, telle fut la préoccupation de Tobiasse, artiste contemporain de renommée mondiale qui a ouvert ce lieu à l’œcuménisme et choisit pour thème : « La vie est une fête ».  Cette fresque monumentale, vive et poétique narre une histoire universelle où le chœur de l’édifice rayonne à partir d’une colombe, symbole de la paix. Sur le parvis extérieur, « L’oiseau de lumière », sculpture de l’artiste, invite le visiteur à découvrir cet univers".

"Saint-Paul de Vence a proposé Portraits de Mon Village, une déambulation dans les rues et les places à la découverte d’oeuvres monumentales, en bronze ou en acier découpé, ainsi que des photographies en noir et blanc de l’artiste, faites par André Villers dans les années 80 à Saint-Paul, et présentées sur le lieu même où elles ont été prises. L’Espace Verdet dévoile des Fragments de vie à travers des films, des vidéos, une librairie éphémère, permettant de consulter des ouvrages consacrés à Tobiasse". "«Sculpter la peinture, peindre la sculpture, colorer la lumière de manière à exprimer la métamorphose perpétuelle des formes », visait Tobiasse. 


Théo Tobiasse "aurait eu 90 ans en 2017. Né en Israël de parents lituaniens, la famille s’exile à Paris alors que Théo n’a que 5 ans. Attiré par la lumière, il s’installe sur la Côte d’Azur en 1950 et acquiert une maison en 1975 à Saint-Paul de Vence, qu’il affectionne particulièrement et qu’il ne quittera plus".

"Dans sa maison-atelier face aux remparts, Il avait trouvé là un bonheur de lumière et de ciel immense mais également le regard des peintres et des artistes qui y avaient traversé les siècles et ensoleillé cette terre de bergers".

"L’exposition à découvrir aux détours des ruelles de Saint-Paul de Vence, présente des sculptures monumentales, en bronze et en acier découpé, ainsi qu’un parcours de photographies en noir et blanc prises par son ami le photographe André Villers dans les années 80 et présentées sur le lieu même où l’artiste a été photographié".

L’Espace Verdet "dévoilait des «fragments de vie» à travers des films, des vidéos, une librairie éphémère permettant de consulter des monographies, catalogues et carnets de voyages… Une invitation à s’imprégner de l’univers créatif de l’artiste".

« C’est très certainement la guerre et les deux années sombres qu’il a passé tapi dans un appartement qui marqueront à tout jamais son travail. Il sort de sa cachette avec une unique envie : exploser, crier et profiter de la vie. Il refuse de vivre dans le regret ou le souvenir et prend ses pinceaux et ses crayons avec pour objectif de faire enfin ce qu’il aime : peindre ».

En cet été 2018, deux expositions offrent la possibilité de revoir des oeuvres de Tobiasse. "A l’occasion de la sortie de sa cuvée millésimée TOBIASSE, le vignoble du Clos des Roses propose l'exposition In Vino Vertias de Tobiasse organisée en collaboration avec l’événement Art & Vin. Vernissage, jeudi 5 juillet 2018 dès 18 h en présence de la fille de l’artiste, Catherine Faust-Tobiasse. Du 5 juillet au 31 août 2018, le Clos des Roses invite les visiteurs à venir admirer, certaines des nombreuses oeuvres de Théo Tobiasse, originaire de Saint-Paul-de-Vence. Des oeuvres qui viendront s’ajouter à la collection du domaine, déjà muni du Triptyque « Poème à Trois voix au Pied de la Montagne » exposé au restaurant La Bastide du Clos des Roses depuis 2008".

"Pour la deuxième année consécutive, le Clos des Roses collabore avec l’événement Art & Vin organisé sous l’initiative des Vignerons Indépendants du Var®, et qui chaque année depuis 1998, accordent vignerons et artistes le temps d’un été.  Pour l’occasion, le Clos des Roses célèbre sa 10e vinification (2007-2016), en rendant hommage au très célèbre artiste Théo Tobiasse, et à le plaisir d’annoncer le lancement d’une nouvelle cuvée limitée en son honneur."

"La peinture In Vino Veritas, qui sera représentée sur les étiquettes de la nouvelle cuvée a vu le jour en 2004 lors d’un déjeuner à Paris dans le célèbre restaurant Le Café Voltaire face au Louvre sur les bords de la Seine. Au cours du repas, dégustant un bon vin devants son petit-fils Arthur, alors âgé de 12 ans, Théo Tobiasse se mit à dessiner sur la nappe en papier ce dessin accompagné de la citation latine «In Vino Veritas» dans un moment d’humour et de fantaisie. On y retrouve toute l’inspiration de la «mythologie Tobiasse», de l’exultation des sens : le verre, la bouteille, la lumière du candélabre, l’oiseau couronné, la grappe de raisin, la pomme symbole d’abondance, les fleurs miraculeuses que l’on rencontre dans toute son oeuvre, et aussi, bien sûr, la femme tentatrice et sensuelle. Pour l’occasion, un rouge Côtes de Provence 2016 a été spécialement élaboré et pensé pour donner vie à cette peinture. Avec un assemblage de Grenache (50%) et de Syrah (50%), ses notes épicées et ses arômes de tabac promettent complexité et robustesse, des traits de caractère qui qualifiaient également l’artiste. D’un beau potentiel de garde, il est à apprécier jeune ou à laisser en cave quelques années, à l’image de l’oeuvre, qui perdure dans le temps. Cette édition limitée sera présentée en 3 200 unités et 500 coffrets personnalisés, comprenant une reproduction numérotée de l’oeuvre originale." 

Le château de Vascoeuil propose une exposition de Théo Tobiasse. "Né à Jaffa en Israël, il arrive en 1931 à Paris où il échappe à la Shoah, puis à Nice et établira son atelier principal à St Paul de Vence en 1975. L’œuvre de cet artiste protéiforme, véritable hymne à la vie, est imprégnée des images de la Bible, des souvenirs de l’exil, de la femme mère ou amante, des réminiscences de l’enfance en Lituanie, de la culture juive et de ses multiples voyages et des villes qui lui sont chères et dans lesquelles il séjourne ou travaille (Jérusalem, Paris, New York, Venise) Peintures, gravures, sculptures, pastels, dessins, poteries sont les outils qui redonnent vie dans un tourbillon de couleurs à ses émotions englouties et l’exposition donnera à voir les différentes facettes de cet immense talent du XX° siècle dont les œuvres figurent dans de nombreux Musées et collections publiques. Importante exposition avec plus d’une centaine d’oeuvres diverses au Château (sur trois étages) au Colombier et à la Galerie."


Theo Tobiasse, Les carnets de Saint-Paul de Vence. Biro Editeur, 2007. Coffret 25x17 cm de 5 volumes facsimilé, relié toile, 40 pages couleurs chacun, édition de tête : 140 ex. avec une gravure originale signée et numérotée par l'artiste, en vente chez Biro éditeur au prix de 580 €, édition courante en vente chez Biro éditeur au prix de 200 €. ISBN : 978-2351190227


Du 5 juillet au 31 août 2018. Vernissage le 5 juillet 2018 dès 18 h
Au Clos des Roses 
1609 route de Malpasset - Fréjus
Tél. : 04 94 52 80 51

Du 8 juillet au 21 octobre 2018
Au château de Vascoeuil
8 Rue Jules Michelet - Vascœuil
Tél.: 0 235-236-235

Du 24 juin au 30 octobre 2017
Vallauris
Tobiasse, Les Lumières de l'Espoir
Au Musée Magnelli, musée de la céramique
Place de la Libération
T. 04 93 64 16 05
Juillet – août : 10h - 12h45 | 14h15 – 18h, tous les jours
septembre – juin : 10h – 12h15 | 14h00 – 17h00
tous les jours sauf le mardi

Les Éditions Céramiques de Tobiasse
Maison des Quartiers

Le Cannet
La Vie Est Une Fête
Chapelle Tobiasse
Rue Saint Sauveur
Office de Tourisme :
T. 04 93 45 34 27
Tous les jours sauf le lundi de 10h à 13h et de 15h à 19h
Entrée libre

Saint-Paul de Vence
Portraits de Mon Village
Parcours dans le village
Espace Verdet
Place de l’Hospice, rempart ouest
Office de Tourisme : T. 04 93 32 86 95
Du mardi au samedi de 10 h à 13 h et de 14h30 à 18h30. Entrée libre

Du 12 au 27 juin 2015
A la Galerie Perahia
24 rue Dauphine. 75006 Paris
Tel : 01 43 26 56 21
Du mardi au samedi de 10 h à 13 h et de 14 h à 18 h 30. Vernissage le 11 juin 2015 à 18 h.

Du 12 juillet au 30 septembre 2013
A la Galerie Ada Loumani
Place de l’Eglise, 06500 Valbonne
Tél. : 04 93 12 97 04
Tous les jours de 10 h à 13 h et de 15 h 30 à 20 h

Du 8 avril au 2 juin 2013
A la Chapelle Saint-Elme au coeur de la Citadelle de Villefranche-sur-mer
Du lundi au vendredi de 9 h 30 à 16 h., et le week-end pour groupes sur réservation. Entrée libre
Vernissage le 11 avril 2013 à 18 h

Visuels :
Théo Tobiasse
Portrait sous le tilleul

Théo Tobiasse, Une fleur sur un bateau.

Théo Tobiasse, Papillons de velours noir venus de l’épaisseur des siècles. 2 mai 1992

Theo Tobiasse
La colombe de Noé
Sculpture en métal polychrome- découpé- Strates 

Théo Tobiasse
C'est tout un peuple arraché à sa terre
1986
technique mixte, pastel, lavis, acrylique sur papier

70 X 50

Théo Tobiasse
L’œil dans l'oiseau
Plat en terre cuite
1993
diamètre 46 cm

Chapelle Saint-Sauveur

1989

André-Villers
Théo Tobiasse
Vue Saint-Paul panoramique, Remparts ouest

Théo Tobiasse
Dame à la bougie
1998
huile sur papier
102 x 70 cm

Théo Tobiasse
Huit lumières pour des temps magiques
1988
Pastel sur panneau bois stratifié
151 x 160 cm

Théo Tobiasse
Danseuse folle
1985
Bronze gravé
hauteur 25 cm

Articles sur ce blog concernant :

Cet article a été publié en une version concise par L'Arche en 2007, et sur ce blog le 6 novembre 2012, puis les 11 avril, 19 mai, 27 juillet et 24 septembre 2013, 2 avril et 9 juin 2015, 28 octobre 2017, 6 juillet et 28 août 2018.

mardi 28 août 2018

Harold Feinstein (1931-2015), photographe


Harold Feinstein (1931-2015) était un photographe juif américain. Représentant la New York School of Photography, cet artiste humaniste et professeur, méconnu en France, a saisi la vitalité, l’exubérance ainsi que la diversité ethnique et culturelle de la Big Apple d’après guerre. En 2018, la galerie Thierry Bigaignon présente l’exposition "Harold Feinstein • Gracieusement vôtre".


« La clé de mon travail, c’est que je ne suis jamais arrivé au bout : il y aura toujours un premier baiser, une première femme… », a confié  Harold Feinstein (1931-2015).

Harold Feinstein est un photographe juif américain. Représentant la New York School of Photography, cet artiste humaniste et professeur, méconnu en France, a saisi la vitalité, l’exubérance ainsi que la diversité ethnique et culturelle de la Big Apple d’après guerre.

« Prodige de la photographie »
Harold Feinstein (1931-2015) nait dans une famille de Juifs immigrés : son père Louis, grossiste en viande, venait d’Odessa, et sa mère Sophie d’Autriche.

Harold Feinstein  débute sa carrière en 1946, à l’âge de 15 ans, avec le Rolleiflex d’un voisin.

L’année suivante, il interrompt sa scolarité pour se consacrer entièrement à son activité de photographe.

En quatre ans, il acquiert une notoriété telle qu’Edward Steichen (1879-1973), conservateur et directeur du département de la photographie du Museum of Modern Art (MoMA), lui achète  des photographies pour la collection permanente du MoMA.

Harold Feinstein  adhère à la Photo League  à l’âge de 17 ans, et y côtoie notamment Sid Grossman.

Il devient une figure importante de l’avant-garde de la street photography (Photographie de rue) new-yorkaise. Helen Gee expose ses œuvres à la Limelight Gallery.

Harold Feinstein collabore au label discographique Blue Note Records.

En 1952, mobilisé dans l’infanterie, il saisit aussi la vie quotidienne des soldats pendant la Guerre de Corée, entre entrainement, combats et cérémonies officielles, ainsi que celle de villageois.

Harold Feinstein est l’un des habitants originels du Jazz Loft où il fait la connaissance de W. Eugene Smith, et collabore à la maquette du Pittsburg Project de Smith.

En 1954, le Whitney Museum of American Art lui consacre une exposition, et en 1957 le Museum of Modern Arte présente ses œuvres. Dans The New York Times, Jacob Deschin qualifie le travail de Feinstein de « nouveau pictorialisme ».

Vingtenaire, Harold Feinstein enseigne à New York, à la Annenberg School of Communications de l’Université de Pennsylvanie, à l’université de Massachusetts, au Maryland Institute of Art...

Il est célèbre pour son activité pendant 60 ans à Coney Island.

Il s’exerce aussi dans divers genres : nus, portraits, natures mortes.

Au milieu des années 1980, il explore la couleur en photographiant, en 35 mm, des fleurs et des coquillages sur un fond de ciel. Ses clichés sont publiés par LIFE. Feinstein utilise des lentilles kaléidoscopiques, produisant un portfolio d’images abstraites de l’architecture de la Big Apple, notamment des immeubles conçus par les architectes Louis Kahn et Frank Lloyd Wright.

En 1998, Feinstein recourt en pionnier à la scanographie, en usant d’un scanner comme d’une caméra. En 2000, le Computerworld Smithsonian Award couronne son travail photographique numérique.

Les photographies de Feinstein figurent au sein des collections permanentes de célèbres musées : Museum of Modern Art, International Center of Photography (ICP), George Eastman House, Museum of Photographic Arts, Center for Creative Photography, Musée d’Art Moderne, the Jewish Museum, and the Museum of the City of New York.

Ses portfolios et articles ont été publiés par de célèbres magazines LIFE, Aperture, Black and White, Camera Arts, The New York Times Magazine, American Photo, Oprah Magazine, Evergreen Review, Photography Annual, Modern Photography et Popular Photography.

En 2011, âgé de 80 ans, Harold Feinstein reçoit The Living Legend Award remis par le Griffin Museum of Photography.

Il décède en 2015.

Galerie Thierry Bigaignon 
En 2017, la galerie Thierry Bigaignon a présenté l’exposition La Rétrospective Harold Feinstein, 1ère partie : Les années 40 et 50 : L'Optimisme Contagieux (Retrospective Part 1: The Early Years - Contagious Optimism!).

Un hommage, dans le cadre du Mois de la photo Grand Palais, à Harold Feinstein (1931-2015). Une sélection de photographies humanistes, inédites, en noir et blanc. Une invitation à la découverte d'un photographe américain méconnu, mais majeur du XXe siècle.

En 2018, cette galerie propose l'exposition "Harold Feinstein • Gracieusement vôtre". "Après une première exposition en 2017 qui mettait à l’honneur l'optimisme contagieux du photographe américain alors qu’il dépeignait la jeunesse et l'insouciance de l'après-guerre, la Galerie Thierry Bigaignon présente la deuxième partie de la rétrospective consacrée à Harold Feinstein, avec une série de photographies prises entre 1964 et 1988."

"La renaissance de ce prodige de la photographie, le plus jeune membre de la Photo League et dont la précocité fût très tôt confirmée par son entrée dans la collection permanente du Museum of Modern Art de New York (MOMA) alors qu’il était âgé d’à peine 19 ans, franchit une deuxième étape. Après avoir couvert les années 40 et 50 lors de la première partie de cette rétrospective, la Galerie Thierry Bigaignon a cette fois sélectionné 21 photographies couvrant la période des années 60 à 80, illustrant une fois de plus le formidable talent de cet artiste américain décédé en 2015."

"Bien que sa muse ait toujours été Coney Island, où il est né en 1931, l’objectif d’Harold Feinstein s’est tourné dès les années 60 vers les rues, les commerces et les restaurants de Manhattan, faisant de ses œuvres l'un des témoignages les plus prégnants de cette Amérique en pleine effervescence. Mais plus encore, ce qui frappe dans cette nouvelle sélection du galeriste parisien c’est l’omniprésence des corps et la remarquable captation du mouvement, comme si Feinstein voyait dans la rue un ballet de grâce et de beauté."

"Ses photographies immortalisent en noir et blanc des moments particuliers de la vie des New-Yorkais, s’immisçant dans leur quotidien pour mieux mettre en lumière l’humanité de ces personnages. Harold Feinstein décrivait lui-même ces images comme « un petit échantillon de [son] voyage photographique témoignant de la beauté et du mystère de cette vie humaine ».

"Explorant sous tous les angles le Times Square scintillant ou les rues tourbillonnantes de Harlem, il photographie cafés enfumés, rames de métro et vitrines de magasins et révèle toute la poésie et la grâce d'une ville en pleine évolution, à travers des images à la fois engageantes et magnétiques. Pour François Cheval, qui prépare avec Audrey Hoareau une rétrospective de l’oeuvre, « Harold Feinstein fait comme si le réel devait se conformer à l’idée qu’il se fait du monde. Mettre en valeur, avec méthode, la beauté latente du quotidien, la tâche ne l’a pas effrayé, et pourtant, quelle ambition, doter la photographie d’une morale ! »

A l’occasion de cette exposition-événement, la galerie a mis en vente le 22 mai 2018 sur le site COLLECTORS CONFIDENTIAL une photographie rare de Harold Feinstein : "Lovers Recline". une photo vintage de 1965.

"The photograph is particularly rare, not only because it has almost never been shown, but also because it stands out form the rest of Harold Feinstein's lifetime body of work. We present it as a special bonus print to complement the gallery's current exhibition "Graciously Yours". It was taken in 1965 in Philadelphia, Pennsylvania. The subjects are a couple who were friends of Harold Feinstein’s as he was teaching at the Philadelphia Museum School at the time."

"This is a rare and real vintage print, made by Harold Feinstein in 1965 when the shot was taken. It is 11”x14”, with an image size of 8.625” x 13” with a black border (not included in the image measurement). As far as we know, only three prints were made then and none have been made afterwards."
"Lovers Recline (1965)
Vintage silver gelatin print made by the artist (1965)
Paper size: 11 x 14 in - Image size: 8.625 x 13 in
Signed and dated at recto
Unframed print
Availability : now
Free worldwide shipping
© Harold Feinstein, Lovers Recline, 1965"

"Harold Feinstein (1931-2015) began his career in photography in 1946 at the age of 15 and within four short years, Edward Steichen, an early supporter, had purchased his work for the permanent collection of the Museum of Modern Art (MoMA). He joined the Photo League at 17 and became a prominent figure in the vanguard of the early New York City street photography scene. He was one of the original inhabitants of the legendary « Jazz Loft » which he later turned over to his long-time collaborator and colleague W. Eugene Smith. Feinstein had his first exhibition at the Whitney Museum of American Art in 1954 and his first exhibition at the Museum of Modern Art in 1957. While his Coney Island work has been much celebrated, Feinstein’s breadth and exposure are far greater. He has a large collection of classic street photography, nudes, portraits and still life. His first black and white monograph, « Harold Feinstein, A Retrospective », was published in 2012 by Nazraeli Press and won a Photo District News 2013 award in the Best Photo Books category. Feinstein’s photographs have been exhibited in and are represented in the permanent collections of major museums around the globe including the Museum of Modern Art, International Center of Photography, George Eastman House, Museum of Photographic Arts, Center for Creative Photography, Musée d’Art Moderne, the Jewish Museum, and the Museum of the City of New York. His portfolios, photo essays, and articles have been published in major periodicals including, LIFE, Aperture, Black and White, Camera Arts, The New York Times Magazine, American Photo, Oprah Magazine, Evergreen Review, Photography Annual, Modern Photography and Popular Photography. In 2011 at the age of 80, he was given « The Living Legend Award » by the Griffin Museum of Photography."


CITATIONS

« Coney Island était mon île au trésor. Le temps était beau, plein de vacarme et de cris. J'aimais les montagnes russes, les spectacles... Il y avait pléthore d'images, et les jeunes qui traînaient là en bande réclamaient qu'on les prenne en photo. Je travaillais souvent si vite qu'il me fallait attendre l'impression pour découvrir certains détails de l'image  ».

« Si je devais nommer les cinq personnes les plus importantes dans ma carrière de photographie, Edward Steichen devrait être sur cette liste. J’avais juste seize ans en 1947 lorsque Steichen, qui avait 68 ans, est devenu le Directeur de la Photographie au Museum of Modern Art. Trois ans plus tard, en 1950, je pénétrais dans le musée sans prévenir et demandait à le rencontrer. J’avais auparavant reçu des encouragements de Dorothy Norman de me lancer dans ma carrière photographique. Norman, une femme riche qui était à la fois artiste et mécène, de même que l’amante de Stieglitz jusqu’à sa mort, m’a gracieusement dit : « Tu es jeune mais tu iras loin car tu peux ressentir de l’émerveillement mêlé d’admiration. C’est le mot de passe pour la sagesse ». Ma visite au musée en tant que jeune homme de 19 ans a été en partie incitée par ses encouragements.
L’homme à la réception a appelé Steichen et j’ai été invité à son bureau pour le rencontrer. Ce jour-là, il a acheté deux de mes photographies, ce qui était assez grisant pour un photographe de rue de 19 ans (et ça l’est toujours même à 84 ans). C’étaient les premières que j’ai jamais vendues.
J’ai appris plus tard que Steichen lui-même avait reçu des encouragements de la même manière. Lorsqu’il avait 21 ans, Steichen, qui n’avait jamais encore rencontré Alfred Stieglitz – alors considéré comme le baromètre dans le monde de la photographie – s’est arrêté à New York pour le rencontrer alors qu’il se rendait à Paris pour étudier la peinture. Stieglitz a été impressionné et a acheté trois des photographies de Steichen pour la somme de cinq dollars chacune. Steichen était sur un petit nuage, déclarant qu’il n’en avait jamais vendu une pour plus de 50¢ ! Peu après son arrivée à Paris, il a abandonné la peinture et s’est dédié à la photographie. Je devine que cet incident doit avoir influencé Steichen pour qu’il adopte la tradition d’encourager les jeunes photographes prometteurs en achetant leurs œuvres pour la collection du MOMA. J’ai eu la chance d’être l’un des bénéficiaires…
Plusieurs années plus tard, Steichen m’a demandé de contribuer par mes photographies à l’exposition Family of Man. J’ai décliné sa proposition. C’est probablement la décision la plus folle de ma carrière.
Je n’étais pas le seul photographe à décliner son offre, et je suis sûr de n’être pas le seul à le regretter. L’exposition est généralement considérée comme Evènement le plus important dans l’histoire de la photographie. Et le catalogue, qui a été vendu à plus de quatre millions d’exemplaires, est probablement le livre de photographies le plus lu jamais publié. Il n’est pas surprenant que Steichen ait considéré cette exposition comme sa réalisation la plus grande.
Mon regret n’est pas seulement à propos de la perte de visibilité pour mon travail. Mais, mon purisme à l’époque était vraiment en contradiction avec l’approfondissement des graines de rébellion et de populisme en moi ».

Du 24 mai au 31 août 2018. Vernissage le 24 mai 2018 de 18 h à 21 h
Du 2 février au 30 avril 2017
Hôtel de Retz
Bâtiment A
9, rue Charlot, 75003 Paris
Tel. : +33 (0)1 83 56 05 82
Du mardi au samedi de 12 h à 19 h

Visuels 
Couverture du catalogue
© Harold Feinstein, Coney Island Teenagers, 1949. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon

© Harold Feinstein, 125th Street from Elevated Train, 1950. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon.

© Harold Feinstein. Bidding Farewell, 1952. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon.

© Harold Feinstein, Boy with Chalk Numbers, 1955. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon.

© Harold Feinstein. Coke Sign on the Boardwalk,1949. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon.

© Harold Feinstein, Two Men and a Boy Contemplate, 1950. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon.

Affiche : Harold Feinstein, Black Hands and Back, 1974. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon
Harold Feinstein, Man Smoking in Diner, 1974. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon
Harold Feinstein, Take Your Own Photos, 1978. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon
Harold Feinstein, Window Washer, 1974. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon
Harold Feinstein, Dancers Arms, 1970. Courtesy Galerie Thierry Bigaignon
© Harold Feinstein, Lovers Recline, 1965

A lire sur ce blog :
Cet article a été publié le 2 avril 2017. Les citations proviennent notamment des communiqués de presse.

lundi 27 août 2018

« Starbucks sans filtre » par Luc Hermann et Gilles Bovon


Arte diffusera le 28 août 2018 à 20 h 50 « Starbucks sans filtre » (Starbucks ungefiltert), documentaire réalisé par Luc Hermann et Gilles Bovon. « Comment la chaîne américaine de cafés, désormais planétaire, a conquis les classes moyennes urbaines. Cette investigation sur trois continents dévoile la face soigneusement cachée de la marque à la sirène. »
   

« Starbucks a imprimé sa marque verte et blanche aux rues des principales villes du monde, de Seattle, son berceau d'origine, à la côte Est, l'Europe et aujourd'hui la Chine, où une nouvelle enseigne ouvre toutes les quinze heures en moyenne – toutes les deux semaines à New York, dont les quartiers les plus centraux semblent pourtant saturés par le logo à la sirène ».

« Avec ses quelque 28 000 enseignes dans plus de 75 pays et ses quelque 350 000 employés, la chaîne américaine de cafés se défend pourtant d'être une multinationale comme les autres ».

"L'expérience Starbucks"
Une enseigne qui vent des "produits de fast food comme du haut de gamme". La marque véhicule un "imaginaire très fort". Ce qui explique l'engouement des clients attendant l'ouverture de l'enseigne. "Les gens veulent montrer qu'ils font partie de l'univers Starbucks", explique un de ses dirigeants. Les "clients achètent une certaine reconnaissance sociale". Du "fast drink" avec l'impression d'un rapport avec quelqu'un". "C'est une multinationale qui s'adresse individuellement à chacun. C'est très malin... Vous vous identifiez à la marque", observe un expert.

La "firme ne fait pratiquement pas de publicité". Le client se déplaçant avec son gobelet frappé du logo de Starbucks assure sa renommée.

Chacun des salons de Starbucks est appelé le "troisième lieu", entre "chez vous et le travail". Cette notion "est née dans les années 1980 comme espace de rencontre politique rassemblant des citoyens de tous horizons". "Tout compte, pas seulement la boisson, les toilettes... C'est l'approche globale," explique Scott Bedbury, directeur du marketing. Les tables sont rondes, donc sans sensation de solitude, les fauteuils confortables. On peut rester aussi longtemps qu'on le souhaite. Le "troisième lieu" est propre : un tiers du temps des employés est consacré à nettoyer.

« Les produits y sont présentés comme issus à 99 % du commerce équitable, les salariés, comme des « partenaires ». Et dans l'Amérique de Trump, elle affiche comme valeurs cardinales la défense de l'environnement, la lutte contre les discriminations et la responsabilité sociale des entreprises ».

La "marque est devenue une icone de la société de consommation". Pourtant la marque est née en opposition au consumérisme. Les créateurs de Starbucks sont membres de la contre-culture américaine. Ils veulent initier les consommateurs au bon café en vendant du café en grains.

« Comment le petit café alternatif ouvert en 1971 par trois copains amateurs d'expresso est-il devenu, en un demi-siècle, ce géant omniprésent de la mondialisation ? Arrivé comme directeur du marketing en 1981, son PDG aujourd'hui démissionnaire, Howard Schultz, qui a racheté l'affaire en 1986, a accompli un tour de force : transformer un breuvage des plus banals en potion magique ». Il a compris la valeur de l'entreprise et voulait conquérir le monde. Or les fondateurs souhaitaient garder la taille humaine de leur boutique petite et authentique.

En 1986, Howard Schultz rachète la marque. Le "logo original est modifié : la sirène dénudée devient plus sage". Le "produit est standardisé : la saveur volontairement corsée" est identique dans tous les pays. Le café est vendu dans un gobelet grand que les clients peuvent emporter au bureau. Le "géant utilise des machines automatiques qui permettent d'augmenter les cadences". La "machine fait le travail du barista". Les employés sont des "presseurs de boutons". Starbucks a "déqualifié le travail".

Les baristas "sont appelés des "partenaires" bénéficiant d'avantages sociaux, dont une couverture Santé. Unique pour une société de cette envergure". Le temps de travail n'est pas garanti aux baristas.

Starbucks a modifié les habitudes de consommation en proposant une boisson "branchée" distincte du soda, mais très sucrée, pleine de crème. Il a aussi élargi la plage horaire de consommation du café : toute la journée.

« De Londres à Shanghai, de Tours à Moscou, l'"expérience" Starbucks, synonyme de sophistication et de modernité, draine des foules prêtes à la payer au prix fort – soit 5 euros en moyenne ».

« Luc Hermann et Gilles Bovon ont enquêté une année durant sur trois continents pour comprendre les raisons de ce succès phénoménal, et en révèlent la face cachée ».

Starbucks a créé "un label fourni clé en main par une ONG", distinct de ceux qualifiant le commerce équitable. Autre entorse : la firme impose un intermédiaire aux petits producteurs.

Autre promesse non tenue : le gobelet Starbucks n'est pas recyclable car le film de plastique colle au papier. Il finit à la décharge.

« Car le redoutable arsenal marketing de Starbucks, sa rhétorique humaniste comme son positionnement haut de gamme dissimulent une réalité plus amère, elle aussi plus banale. Des dures conditions de travail aux désillusions d'un petit producteur mexicain, des produits saturés de sucre et de gras à leur contenant non recyclable, des efforts pour contourner les lois fiscales à une politique immobilière prédatrice »,

Les sandwichs sont fabriqués par des sous-traitants locaux, mais facturés à Starbucks EMEA à Amsterdam (Pays-Bas), conformément à une optimisation fiscale et un système de royalties élaboré par la firme internationale. Après la sanction infligée par l'Union européenne, Starbucks a transféré son siège européen à Londres (Grande-Bretagne).

"L'immunité fiscale, ça suffit", crient les manifestants devant des Starbucks Coffees en France.

Starbucks soutient le mariage homosexuel, combat le racisme.

En 2018, à Philadelphie, édeux Afro-américains souhaitent utiliser les WC. La patronne appelle la police. Les deux clients sont relâchés. La firme ferme ses 8 000 cafés aux Etats-Unis et impose une formation contre la discrimination à ses employés".

Ce "troisième lieu" s'avère un mythe.

« Luc Hermann et Gilles Bovon révèlent le cynisme et l'obsession du profit derrière le masque des bons sentiments ».

« Le portrait nuancé, mais sans concession, d'une entreprise emblématique de l'économie contemporaine. »

Judaïsme, Juifs et Israël
Le 25 janvier 2009, le clerc égyptien Cleric Safwat Higazi a exhorté à la fermeture des boutiques Starbucks dans les mondes arabe et islamique en alléguant à tort que la "reine Esther, reine des juifs, est représentée dans le logo de la firme" :
"Today, I would like to talk about the Starbucks coffee shop. Starbucks is to be found in Mecca, in Al-Madina, opposite the King Abdul Aziz Gate in Mecca, opposite the Al-Majid Gate in Al-Madina, as well as in Cairo. Starbucks is to be found everywhere, with this logo. This is the Starbucks logo.
Has any of you ever wondered who this woman with a crown on her head is? Why do we boycott Starbucks? I will tell you, so you will know why you should boycott this company, and what this logo stands for. As I’ve already said, it is not enough to avoid entering this coffee shop. It is not enough to you to refrain from drinking this coffee. You must urge people never to go there, but none of you should even consider throwing a stone, breaking anything, or burning [the place] down.
[...]
The girl on the Starbucks logo is Queen Esther. Do you know who Queen Esther was and what the crown on her head means? This is the crown of the Persian Kingdom. This queen is the queen of the Jews. She is mentioned in the Torah, in the Book of Esther. The girl you see is Esther, the queen of the Jews in Persia.
[...]
King [Xerxes] gave an order that the seven most beautiful girls in the kingdom be brought to him. So they held contests and auditions, and selected the seven most beautiful virgins, one of whom was the Jewish Esther, whose uncle, Mordechai – or actually, it was her cousin’s brother – was a villain. It was Mordechai who hatched this plot. Esther was one of the seven girls brought before King Xerxes in the palace. When Esther, who was very beautiful, was shown to King Xerxes, she captured his heart, and he chose her to be his queen. He placed a crown on her head, and the crown you see here [Higazi indicates the Starbucks logo] is the crown of the kingdom of Xerxes, and this is Esther, who became Queen of Persia, instead of Queen Vashti.
[...]
Can you believe that in Mecca, Al-Madina, Cairo, Damascus, Kuwait, and all over the Islamic world, hangs the picture of beautiful Queen Esther, with a crown on her head, and we buy her products.
[...]
We want Starbucks to be shut down throughout the Arab and Islamic world. We want it to be shut down in Mecca and in Al-Madina. I implore King Abdallah bin Abd Al-‘Aziz, the Custodian of the Two Holy Mosques: It is inconceivable that in Mecca and Al-Madina, there will be a picture of Queen Esther, the queen of the Jews."
Or, le logo de Starbucks représente une sirène, sans lien avec le judaïsme et la reine Esther louée lors de la fête de Pourim.

En août 2018, STAR-K, organisme américain de certification de la cacherout, a annoncé ne plus se porter garant de produits vendus par Starbucks. En effet, les boutiques Starbucks vendent des sandwichs avec du bacon, donc à base de cochon, animal interdit à la consommation selon les lois de la cacherout. Il existe un risque de contact entre les boissons et ces aliments non cacher. Parmi les boissons non recommandées aux Etats-Unis par STAR-K : le cappuccino, le lait chaud et l'espresso machiatto. La pétition "Make Starbucks Kosher again" a été lancée sur Internet et a reçu 9 949 signatures au 27 août 2018.


« Starbucks sans filtre » par Luc Hermann et Gilles Bovon
France, 2017
Sur Arte les 28 août 2018 à 20 h 50, 26 septembre 2018 à 9 h 20
Visuels :
Photo d'un gobelet Starbucks, avec vue sur la ville de Shangai
Credit : © Premieres Lignes /Arte

Militants d’Attac lors d'une manifestation anti-Starbucks devant un établissement de la chaîne à Paris
Credit : © Premieres Lignes /Arte

Photo d'un gobelet Starbucks, avec vue sur la ville de Shangai
Credit : © Premieres Lignes /Arte

Une consommatrice Starbucks dans les rues de Shangai
Credit : © Premieres Lignes /Arte

Une consommatrice Starbucksdans les rues de Paris
Credit : © Premieres Lignes /Arte

Manifestation devant le Starbucks Coffee d’Opéra à Paris par les militants d’ATTAC
Credit : © Premieres Lignes /Arte

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