« Le goût de la vérité n’empêche pas la prise de parti. » (Albert Camus)
« La lucidité est la blessure la plus rapprochée du Soleil. » (René Char).
« Il faut commencer par le commencement, et le commencement de tout est le courage. » (Vladimir Jankélévitch)
« Notre métier n’est pas de faire plaisir, non plus de faire du tort. Il est de porter la plume dans la plaie. » (Albert Londres)
« Le plus difficile n'est pas de dire ce que l'on voit, mais d'accepter de voir ce que l'on voit. » (Charles Péguy)

mardi 30 avril 2019

Filmer les camps, John Ford, Samuel Fuller, George Stevens de Hollywood à Nuremberg

Le Scottsdale Community College présente l’exposition Filming the Camps. John Ford, Samuel Fuller and George Stevens from Hollywood to Nuremberg, passionnante et émouvante, sur les circonstances de réalisation des films montrant la découverte des camps de concentration de Dachau et de Falkenau. Rapports de tournages, photographies et archives filmées, souvent inédits, ainsi qu’extraits de films de fiction et d’interviews des trois principaux réalisateurs (John Ford, George Stevens, Samuel Fuller) retracent cet événement majeur dans l’Histoire du monde. 

« War Story, 1995-1996 » de Mikael Levin
« 1945. L'ouverture des camps en Allemagne », par Serge Viallet
« Images de la libération des camps. Chronique d’un film inachevé », par André Singer
Filmer la guerre : les Soviétiques face à la Shoah (1941-1946) 
« Shoah, les oubliés de l’histoire », par Véronique Lagoarde-Ségot 
Cinéma et Shoah, de l’affiche au dossier de presse

En 1945, quand ils découvrent les camps nazis de concentration et d’extermination, les Alliés décident de les filmer, afin d’informer le monde entier et de constituer des témoignages irréfutables, notamment en vue des procès de Nuremberg.

Montrés lors des Actualités cinématographiques, ces films provoquent un choc. C’est la révélation visuelle des horreurs commises par le nazisme.

Exposition itinérante
Après le Mémorial de la Shoah, le château royal de Blois, le Museum of Jewish Heritage, l'Atlanta History Center, le History Museum of Mobile, le Los Angeles Museum of The Holocaust (LAMOTH) a présenté cette exposition.

The History Museum of Mobile "offered the exhibit, Filming the Camps: From Hollywood to Nuremberg, August 29, 2016 – January 16, 2017.  The exhibit is on loan from Mémorial de la Shoah.  It features the stories of three film directors—John Ford, Samuel Fuller, and George Stevens—as they documented Nazi atrocities during WWII.  The exhibit includes 14 LCD screens which display footage shot at the concentration camps, as well as vignettes with the filmmakers who struggle to cope with the impact and meaning of the horrific scenes they encountered.
In conjunction with this exhibition, the Mémorial de la Shoah is organizing a free one-day workshop for teachers and educators: "Films and Archives of WWII and the Holocaust" on Saturday, September 24.  Also, the movie, Filming the Camps: John Ford, Samuel Fuller, George Stevens will be screened on Saturday, September 24 at 7pm followed by questions and answers with Director, Christian Delage.
In connection with the exhibit, the Gulf Coast Center for Holocaust and Human Rights Education plans a number of educational activities.  These include a Conference titled “The Holocaust in Memory and History” hosted by the Center for War and Memory at the University of South Alabama on September 7.  The conference will begin at 9:00 AM at Seaman’s Bethel.  Various local scholars will speak.  This will be followed by a roundtable discussion in the afternoon session, 1:30-3:30.  Keynote speaker will be Dr. Brad Prager beginning at 7:00 PM in the Faculty Club.
Additional activities featured are a lecture by Dr. Dan Puckett, Chair of the Alabama Holocaust Commission on October 18; a film series at Spring Hill College on selected Sunday afternoons; Roger Grunwald’s, The Mitzvah Project, on October 20; Matt Rozell’s, “Photographs from a Train Near Magdeburg” on October 24; and a lecture by Dr. Paul Bartrop on November 15.
The Center thanks SNCF America, Inc. (French National Railways), the principal sponsor of the educational activities.  Other sponsors include the History Museum of Mobile, Mobile Public Library, Mobile Jewish Film Festival, University of South Alabama, Spring Hill College and University of Mobile.
The exhibition, curated by historian and film director Christian Delage, was designed, created, and distributed by the Mémorial de la Shoah (Paris, France), and made possible through the generous support of SNCF".

Le Dallas Holocaust Museum présenta l’exposition Filming the Camps. John Ford, Samuel Fuller and George Stevens from Hollywood to Nuremberg. "The Nuremberg Trials in 1945 used an unprecedented form of evidence—film of the war and the liberation of concentration camps. The raw footage compiled into a documentary titled Nazi Concentration Camps, became crucial evidence, presenting the crimes the Nazis committed in an unflinching and authentic format to the court.

The exhibit, opening February 16, 2017, features the work of three filmmakers: John Ford, Samuel Fuller, and George Stevens. It explores the filmmakers’ experiences during and after World War II, the footage they captured of Nazi atrocities, and the impact the war had on their careers.

John Ford, director of films such as Stagecoach, The Grapes of Wrath, How Green Was My Valley, and The Quiet Man, commanded the Field Photographic Branch and made propaganda films for the U.S. Navy Department. He won back-to-back Academy Awards during this time for his documentaries, The Battle of Midway and December 7th.

George Stevens, known before the war for light-hearted musicals featuring Fred Astaire and Ginger Rogers, joined the U.S. Army Signal Corps during World War II and headed a film unit under General Eisenhower. His unit shot footage documenting D-Day, the liberation of Paris, and horrific scenes of the infamous Dachau concentration camp. Following the war, Stevens’ films gravitated toward more serious subjects. He went on to direct the Academy-Award winning films Shane, Giant, and The Diary of Anne Frank.

Samuel Fuller served as a soldier in the 1st Infantry Division, nicknamed “The Big Red One.” He captured footage of the liberation of Falkenau, a sub-camp of the Flossenbürg concentration camp, under the orders of his captain with a camera Fuller’s mother sent him. After the war, Fuller directed many films including The Big Red One, based on his wartime experiences.

In 1945, Ford created a documentary of the war incorporating Stevens’ images of Dachau. The film, shown first to American audiences, was evidence of Nazi crimes at the International Military Tribunal at Nuremberg. Ford also documented the Nuremberg Trials.

The exhibition contains film and photographs of World War II as well as clips from the filmmakers’ pre-war careers.

The exhibition, curated by historian and film director Christian Delage, was designed, created, and distributed by the Mémorial de la Shoah (Paris, France), and made possible through the generous support of SNCF.

This presentation is sponsored by Visit Dallas, Mémorial de la Shoah (Paris, France), the Consulate General of France in Houston, the Embassy of France in the United States, and SNCF, and is on view at the Dallas Holocaust Museum/Center for Education and Tolerance February 16—August 3, 2017".

Le Los Angeles Museum of The Holocaust (LAMOTH) présenta cette exposition. "Hollywood directors John Ford, George Stevens, and Samuel Fuller entertained audiences with cinema classics like The Grapes of Wrath, Shane, and The Big Red One. But their most important contribution to history may have been their work in the U.S. Armed Forces and Secret Services, filming the realities of war and the liberation of Nazi concentration camps. Their documentation provides an essential visual record of WWII. Combining a wealth of rare material, including private letters and footage from their own personal archives, Filming the Camps: John Ford, Samuel Fuller, George Stevens, from Hollywood to Nuremberg, explores these filmmakers’ experiences during and after WWII, their confrontation with Nazi atrocities, and the mark that left on them as artists".

"At Los Angeles Museum of the Holocaust, the exhibit includes artifacts on loan from Samuel Fuller's family and from 20th Century Fox's archive".

"The exhibition Filming The Camps: John Ford, Samuel Fuller, George Stevens, From Hollywood to Nuremberg, curated by historian and film director Christian Delage, was designed, created, and distributed by the Mémorial de la Shoah (Paris, France), and made possible through the generous support of SNCF."

"The exhibit in Los Angeles was made possible through additional support from 20th Century Fox. Communication partners also include the Consulate General of France in Los Angeles, the Embassy of France in the United States, Alliance Française de Los Angeles, Alliance Française de Pasadena, and USC Shoah Foundation."

Organisant sa 7e Semaine de prise de conscience des génocides (15-20 avril 2019), le Scottsdale Community College présente l’exposition Filming the Camps. John Ford, Samuel Fuller and George Stevens from Hollywood to Nuremberg. "Genocide Awareness Week is a series of lectures, exhibits and storytelling by distinguished survivors, scholars, politicians, activists, artists, humanitarians and members of law enforcement. This week-long event seeks to address how we, as a global society, confront violent actions and current and ongoing threats of genocide throughout the world, while also looking to the past for guidance and to honor those affected by genocide. Genocide Awareness Week is hosted by Scottsdale Community College and sponsored in part by local and national organizations, this event is FREE and OPEN TO THE PUBLIC". workshop le 20 avril 2019 de 8h30 à 16h.

Cette exposition se limite aux camps de Dachau et de Falkenau (satellite de Flossenbürg).

Elle présente les conditions de réalisations de ces films ainsi que trois de leurs producteurs, des réalisateurs de Hollywood : John Ford (1894-1973), George Stevens (1904-1975) et Samuel Fuller (1912-1997).

D’origine irlandaise, John Ford est le vétéran, célèbre pour ses westerns et drames psychologiques ou sociaux, et activiste anti-nazi.

George Stevens est célèbre pour ses comédies, notamment les comédies musicales avec le couple mythique Fred Astaire et Ginger Rodgers.  

Né dans une famille Juive - père russe, mère polonaise -, Samuel Fuller s’est distingué par son talent de journaliste « crime reporter » dans la presse tabloïd, puis de scénariste. En 1942, il rejoint la première division d’infanterie de l’armée américaine, la célèbre « Big Red One », participe aux débarquements en Afrique du nord et en Sicile sous les ordres de Patton, puis dans le secteur « Easy Red » sur la plage d'Omaha en Normandie le 6 juin 1944 à 6 h 30. En 1994, il confiait à Michael Seiler et Jean-Pierre Catherine : "Les trois heures sur la plage d'Omaha, je ne peux les oublier. Je revois le colonel Taylor nous engueulant après que Streczyk a ouvert la brèche pour pénétrer à l'intérieur des terres : « Get up, Get up ! Levez-vous, levez-vous ! Il y a trop de monde sur la plage. Ceux qui sont morts, ceux qui vont mourir. Allons mourir à l'intérieur ! » Je le dis souvent, à la guerre, il n'y a pas de héros. Il n'y a que des types qui ont peur. Parmi tous ces types, il y a des êtres remarquables, comme le chirurgien en chef de notre régiment, Charles Tegtmeyer. Je l'ai vu sur la plage passer entre les blessés, choisir ceux qu'on pouvait sauver et ceux qui étaient condamnés à mourir. Il les désignait... « Oui, non... cet homme vivra, celui-là  non. » Il prend des bouteilles de plasma tellement froides que le plasma ne coulait plus et les brise, furieux, contre les rochers. Il y a aussi ces filles de la Croix-Rouge. Quand elles ont débarqué sur Omaha, elles pensaient que nous étions déjà à l’intérieur des terres. Elles étaient piégées comme nous. Elles venaient avec du café et des beignets, et pour ramener les blessés sur les navires. C'est une chose terrible de voir toutes ces filles tuées si rapidement. Je leur rends hommage. Hommage aussi à tous ces morts. Le 6 juin, mon régiment de 3 000 hommes a perdu 945 soldats et 56 officiers. Au soir du 6, les Américains avaient 3 500 morts sur la plage, la plupart tués par les mortiers de 88, leurs corps déchiquetés. Les prisonniers allemands étaient chargés de les ramasser, il fallait souvent réunir plusieurs membres n'appartenant pas forcément à la même personne pour reconstituer un corps..." Blessé en août 1944, Samuel Fuller combat dans les Ardennes, poursuit en Allemagne. Il filme la libération du camp de concentration de Falkenau, en Tchécoslovaquie. « Je ne savais pas que j'allais tourner mon premier film », déclare-t-il.

John Ford et George Stevens constituent des équipes composées d’« opérateurs professionnels, reconnus et expérimentés, ou formés spécialement à cette occasion ». Après avoir préparé leurs gestes de médiation, les opérateurs ont commenté de manière circonstanciée leurs prises de vue.

John Ford dirige la Field Photographic Branch (FPB), une unité spéciale chargée de réaliser entre autres ce film, Les Camps de concentration nazis, et de préparer le filmage du procès de Nuremberg. Au début des années 1930, alors réserviste dans la Marine américaine, il y fonde une unité d’opérateurs de prises de vues qui pourraient intervenir « en cas de besoin ». En 1939, la « Field Photo de la 11e Section navale devient opérationnelle ». En novembre 1941, John Ford annonce « avoir formé une soixantaine de techniciens ». Le général Donovan, coordonnateur de l’Information, puis directeur de l’Office of Strategic Services (OSS), agence de renseignement de l’administration américaine, recrute John Ford : ainsi nait la Field Photographic Branch (FPB). Celle-ci produit notamment December 7th sur l’attaque japonaise de Pearl Harbour et The Battle of Midway sur la victoire américaine sur l’amiral Yamamoto le 5 juin 1942. Pour ces deux films, John Ford reçoit l’Oscar du meilleur documentaire ne 1943 et 1944.

Dans la perspective du débarquement des Alliés en Normandie et de la poursuite de l’offensive en Allemagne, les opérateurs de l’OSS « reçoivent des instructions très précises sur ce qu’ils doivent faire s’il leur arrive de découvrir des "preuves de crimes de guerre et d’atrocités". La procédure à suivre pour enregistrer les preuves des atrocités commises prévoit explicitement la possible qualification comme preuve, devant un tribunal, des témoignages recueillis, qu’ils soient écrits, oraux ou filmés ».

A partir de février 1943, au sein du « Signal Corps », service de communication de l’armée américaine, George Stevens couvre la campagne en Afrique du Nord. A Londres, le général Eisenhower lui demande de réunir une équipe de 45 professionnels pour préparer le filmage du débarquement en Normandie. George Stevens dirige une unité spéciale de cameramen, la Special Coverage Unit (SPECOU), qui, est placée sous l’autorité du Supreme Headquarters’ Allied Expeditionary Force (SHAEF). La SPECOU rassemble 45 membres : des écrivains - Ivan Moffat, William Saroyan, Irwin Shaw -, des cameramen - Dick Hoar, Ken Marthey, William Mellor, Jack Muth -, des opérateurs de prise de son - Bill Hamilton, qui vient de la Columbia -, des assistants-réalisateurs, tel Holly Morse, qui a travaillé avec Hal Roach.

La SPECOU filmera la libération du camp de Dachau. Le responsable de chaque unité établit un rapport de prises de vue, un bilan de l’activité du jour. En bas de chaque page, en rubrique « IMPORTANT », le rédacteur doit veiller à « orthographier correctement les noms, identifier toutes les personnes, les lieux, les organisations, les armes, l’équipement ». Complétant le rapport de prises de vues, la « trame narrative » est plus qu’un simple compte-rendu : « C’est un récit documenté et articulé des événements qui ont été filmés. C’est déjà un deuxième regard qui se pose sur les images, après celui des cameramen. Ivan Moffat, ancien élève de la London School of Economics, en est le principal et brillant rédacteur ».

En mai 1945, la Big Red One (première division d’infanterie) de l’armée américaine combat dans les Sudètes (alors en Tchécoslovaquie) et libère le camp de concentration de Falkenau. Avec la caméra envoyée par sa mère, Samuel Fuller, dans les rangs de cette unité, filme cet événement, ainsi que les bourgeois du bourg de Falkenau, qui ont allégué ne pas savoir ce qui se déroulait dans le camp, sont contraints de donner une sépulture aux internés morts. En 1988, Emil Weiss réalisera Falkenau, vision de l’impossible, Samuel Fuller témoigne. Un documentaire passionnant par les commentaires de Samuel Fuller sur son film, sur la réalité des images, la nécessité de transmettre l’histoire aux jeunes générations, etc.

« That Justice Be Done » (Que justice soit faite)
En 1945, les images de Dachau filmées par l’équipe de George Stevens sont intégrées dans un documentaire diffusé aux Etats-Unis, puis projeté à titre de preuve des crimes nazis devant le Tribunal militaire international de Nuremberg.

A peine entré en fonction, Robert H. Jackson, procureur général américain, mandaté par le président Truman d’instituer le Tribunal militaire international (TMI) qui jugera les dignitaires nazis, contacte la FPB afin d’obtenir les images filmées à titre de preuves, de faire filmer le procès et d’en expliquer les enjeux.

Ray Kellogg, John Ford et George Stevens signent un affidavit – déclaration sous serment – affirmant solennellement que les images qui vont être montrées au TMI sont vraies.

La vie de ces trois cinéastes est bouleversée par la découverte des camps, les horreurs du nazisme, la vision empathique des victimes. The Big Red One (1980) de Samuel Fuller est largement inspirée de ses années de guerre dans cette division. Dans George Stevens, A filmmaker’s Journey, documentaire de George Stevens Jr sur la vie de son père, apparaît l’influence de l’engagement dans l’armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale dans son œuvre, notamment dans son refus du racisme (Géant, 1956) et de l'antisémitisme (Le Journal d'Anne Frank, The Diary of Anne Frank, 1959).

Pour la première fois, les images du camp de Dachau sont présentées dans l’ordre chronologique de leur tournage. Elles sont présentées avec les fiches remplies par les opérateurs et des comptes rendus d’un des écrivains recrutés par George Stevens. Le comédien Mathieu Amalric lit des extraits de ces récits qui commentent des images.

Grâce à la collaboration de l’Academy of Motion Pictures, Arts and Sciences et de la Lilly Library (Université de Bloomington, Indiana), et la participation de Christa Fuller, George Stevens Jr. et Jerry Rudes, le Mémorial montre pour la première fois en France un ensemble souvent inédit de documents d’archives, de films et de photographies qui décrit une « expérience vécue à la première personne, en même temps que transmise en héritage aux générations d’après ».

Interviewés, les trois cinéastes répondent avec modestie sur leur travail, la guerre.

Complétant des images, l’acteur Jean-François Stévenin lit des textes de John Ford et de Joseph Kessel.

Parmi les films projetés dans le cadre de l’exposition, Memory of the camps, documentaire de Sidney Bernstein. Un documentaire réalisé en 1945 à l’initiative du ministère britannique de l’information et du Bureau de renseignements de guerre américain, monté mais alors non distribué. Pour éviter toute contestation des images filmées des camps, le réalisateur Alfred Hitchcock avait donné pour consigne de filmer en panoramique : la caméra pivote sur son axe en un plan-séquence, sans coupure, sans montage. Ce film restauré a été diffusé. Il est le thème de « Images de la libération des camps. Chronique d’un film inachevé » (Night Will Fall ; Hitchcoks Lehrfilm für die Deutschen ), documentaire d'André Singer (2014).

Paris-Match a publié le témoignage de Samuel Fuller sur le débarquement en Normandie du bataillon de la 1ère division d’infanterie américaine dans laquelle il servait.

Histoire diffusa les 21, 25 et 28 novembre, 2, 7, 12 et 15 décembre 2015 De Hollywood à Nuremberg, documentaire de  Christian Delage. "Avant l'entrée en guerre des Etats-Unis dans la Seconde Guerre mondiale, John Ford, réserviste de la Navy, y crée la Field Photographic Branch. Quelques semaines avant Pearl Harbor, Ford a déjà formé une soixantaine de techniciens. Après avoir couvert la campagne nord-africaine, George Stevens se voit confier par le général Eisenhower la mission de rassembler une équipe en vue d'immortaliser le débarquement : ce sera la Special Coverage Unit. John Ford et George Stevens, deux cinéastes confirmés, vont filmer la guerre, de la bataille de Midway à Nuremberg, en passant par la fureur du débarquement de Normandie et l'horreur des camps. Le jeune Samuel Fuller, engagé dans les forces américaines, se fait envoyer une caméra par sa mère. Se souvenant de son premier métier de journaliste, il filme lui aussi".

Du 23 janvier 2019 au 30 avril 2019
Au Scottsdale Community College
9000 E Chaparral Rd. Scottsdale, AZ 85256
Tel.: (480) 423-6000 

Du 27 août 2017 au 30 avril 2018
Au Los Angeles Museum of The Holocaust 
100 S. The Grove Dr. 
Los Angeles, California 90036
T (323) 651-3704 
Du lundi au jeudi de 10 h à 17 h, le vendredi de 10 h à 14 h, les samedis et dimanches de 10 h à 17 h

Du 16 février au 3 août 2017
Au Dallas Holocaust Museum 
211 N. Record St. Suite 100 Dallas, TX 75202-3361
Tel.: (214) 741-7500
Du lundi au vendredi de 9 h 30 à 17 h. Samedi et dimanche de 11 h à 17 h

Du 29 août 2016 au 16 janvier 2017
111 South Royal Street. Mobile, Alabama 36602
Tel. : 251-208-7569
Du lundi au samedi de 9 h à 17 h. Dimanche de 13 h à 17 h

Du 6 mai au 20 novembre 2015
A l'Atlanta History Center 
130 West Paces Ferry Road NW. Atlanta, GA 30305. USA
Phone: 404.814.4000
Du lundi au samedi de 10 h à 17 h 30, dimanche de 12 h à 17 h 30.

Du 22 mars au 14 octobre 2012
Au Museum of Jewish Heritage
Edmond J. Safra Plaza. 36 Battery Place. New York, NY 10280
Tél. : 646.437.4202 
Du dimanche au mardi, et le jeudi de 10 h à 17 h 45. Le mercredi de 10 h à 20 h. 

Jusqu'au 14 novembre 2010
Au Château Royal de Blois
41000 Blois - FRANCE
Tél. : 02 54 90 33 32

Jusqu’au 31 août 2010
17, rue Geoffroy l'Asnier. 75004 Paris
Tél : 01 42 77 44 72
Tous les jours, sauf le samedi, de 10h à 18h, et le jeudi jusqu'à 22h
Exposition et musée : entrée libre

Visuels de haut en bas :
Photographie de cadavres gisant dans un wagon, prise par un opérateur de la SPECOU, Dachau, 2 mai 1945
© Margaret Herrick Library, Academy of Motion Pictures Arts and Sciences, Beverly Hills, Californie

Photograph shot by the SPECOU at Dachau Camp, May 1945
© Courtesy of the Margaret Herrick Library, Academy of Motion Picture Arts and Sciences, Beverly Hills, California

Le caporal Samuel Fuller, Normandie, 1944
© Chrisam Films

Rapport de prise de vues, « Atrocités », Dachau, 3 mai 1945
© Margaret Herrick Library, Academy of Motion Pictures Arts and Sciences, Beverly Hills, Californie

En 1957, George Stevens à Dachau, 1957
© Academy of Motion Pictures, Los Angeles

John Ford pendant le tournage de That Justice Be Done, été 1945
© National Archives, Washington DC

Trame narrative, “Dachau-Premier service religieux juif“, Ivan Moffat, Dachau, 6 mai 1945
© Margaret Herrick Library, Academy of Motion Pictures Arts and Sciences, Beverly Hills, Californie
Les citations sont extraites du dossier de presse.

Cet article a été publié une première fois le 27 août 2010, republié le :
- 27 octobre 2010 lors de la présentation de l'exposition au château royal de Blois, à l’occasion des Rendez-vous de l’histoire de Blois 2010 ;
- 27 septembre 2012, 1er octobre et 11 novembre 2013, 14 février et 20 mars 2014 à l'approche de la diffusion du documentaire De Hollywood à Nuremberg sur la chaîne Histoire les 1er, 4, 18, 20 et 22 octobre 2012, 2 et 1er octobre 2013, 12 novembre 2013 à 1 h 20, 16 et 24 février, 20 et 31 mars 2014.POWERFUL VIDEO: The Liberation Of The Dachau Concentration Camp Posted on 1/8/2014 by Eliyokim Cohen
- 9 juin 2014 ;
- 29 avril 2015. Les 29 avril, 1er, 7, 13, 19 et 25 mai 2015, Histoire diffusa De Hollywood à Nuremberg, documentaire de  Christian Delage. "Avant l'entrée en guerre des Etats-Unis dans la Seconde Guerre mondiale, John Ford, réserviste de la Navy, y crée la Field Photographic Branch. Quelques semaines avant Pearl Harbor, Ford a déjà formé une soixantaine de techniciens. Après avoir couvert la campagne nord-africaine, George Stevens se voit confier par le général Eisenhower la mission de rassembler une équipe en vue d'immortaliser le débarquement : ce sera la Special Coverage Unit. John Ford et George Stevens, deux cinéastes confirmés, vont filmer la guerre, de la bataille de Midway à Nuremberg, en passant par la fureur du débarquement de Normandie et l'horreur des camps. Le jeune Samuel Fuller, engagé dans les forces américaines, se fait envoyer une caméra par sa mère. Se souvenant de son premier métier de journaliste, il filme lui aussi" ;
- 20 novembre 2015, 29 août 2016, 17 janvier et 31 juillet 2017, 29 avril et 29 décembre 2018.

lundi 29 avril 2019

« Le résolu » par Giovanni Donfrancesco

Arte diffusera le 30 avril 2019 « Le résolu » (Il Risoluto. Piero, Mussolinis Kindersoldat ; The Resolute), documentaire réalisé par Giovanni Donfrancesco. « Les confessions d’un octogénaire italien qui fut membre, adolescent, d’une milice mussolinienne, « les Résolus », l'une des plus féroces d'Italie. Un documentaire saisissant, présenté à la Mostra de Venise 2017 ».

« Enfant négligé par ses parents, placé à l’Hospice des pauvres puis condamné à travailler en tant que coursier, Piero Bonamico a intégré "les Résolus", l’une des milices fascistes les plus féroces d’Italie, un peu avant ses 15 ans, en 1944 ». 

« Passages à tabac d’ouvriers communistes, pillages des maisons juives de la région génoise, exécutions sommaires, mais aussi convoi d’un mystérieux trésor remis à l’archevêque de Milan peu avant la fin de la guerre… À 87 ans, l’ancien milicien, installé avec son épouse américaine dans les bois épais du Vermont » où il passe ses journées tranquillement, à cuisiner, à jardiner et à lire, « ravive cette mémoire douloureuse face à la caméra du documentariste Giovanni Donfrancesco ».

« Filmé au cours de ses activités quotidiennes et lors d’entretiens captés en clair-obscur, Piero Bonamico livre, dans un mélange d’anglais et d’italien, le récit de son expérience milicienne » d’adolescent-soldat. 

« Entrecoupé de longs silences, de chants à la gloire du Duce [Benito Mussolini], de cabrements et de remords lapidaires (« On était une bande de salauds, rien de plus »), ce témoignage  intime laisse affleurer le traumatisme d’un bourreau qui fut lui-même une victime, enfant perdu dans la folie d’une époque destructrice ».

Du fond de sa retraite dans les bois du Vermont, aux Etats-Unis, un vieil Italien de 87 ans revient sur sa vie. De ses souvenirs de la guerre, resurgit un passé de violence dans les rangs de la Xème MAS, une des milices fascistes les plus sanguinaires

Le film a été sélectionné aux Venice Days à la Mostra de Venise.

« Le résolu » par Giovanni Donfrancesco
Italie, France, Altara Films, RAI Cinema, Les Films du poisson, avec le soutien du Fond d’aide à l’innovation du CNC, 2018, 91 min
Sur Arte le 30 avril 2019 à 0 h 10
Visuels : © Donfrancesco

Articles sur ce blog concernant :
Les citations sur le documentaire sont d'Arte.

jeudi 25 avril 2019

Comédies musicales. Les costumes font leur show !

Le Centre national du costume de Scène et de la scénographie (CNCS) à Moulins présente l’exposition « Comédies musicales. Les costumes font leur show ! » Le musical ou comédie musicale naît au début du XXe siècle aux Etats-Unis. Ayant des points communs avec l'opéra-bouffe ou l'opérette, ce genre théâtral associe comédie, chant et danse dans une dramaturgie, et aborde des thèmes variés, parfois graves, suscitant l’allégresse ou la tristesse.

Le siècle du jazz

« Née au début du XXe siècle sur les scènes de Broadway à New York, la comédie musicale connaît en France un engouement sans précédent depuis une vingtaine d’années ». 

Fin 2018, deux expositions, à la programmation variée, ont célébré la comédie musicale, un genre musical américain puisant des racines dans la culture européenne.

A la Philharmonie de Paris : l’exposition Comédies musicales. La joie de vivre du cinéma, dont le commissariat était assuré par N.T. Binh. « La comédie musicale bénéficie depuis quelques années d’un extraordinaire regain de popularité. Que provoquent en nous, depuis Chantons sous la pluie jusqu’à La La Land, ces personnages qui se mettent spontanément à chanter ou à danser pour exprimer leurs émotions ? Le récit en est transfiguré, la morosité de l’existence est dépassée, l’espoir renaît, la musique invite à l’euphorie du « spectacle total » ! L’exposition prenait le parti d’immerger les visiteurs dans les films eux-mêmes, par des projections géantes, accompagnées de photographies et de documents rares. La scénographie avait été confiée à Pierre Giner qui a imaginé un espace ouvert, faisant la part belle aux montages d’extraits thématiques peuplés de personnages qui dansent, de Fred Astaire et Gene Kelly à John Travolta, de Cyd Charisse aux héroïnes de Jacques Demy, de West Side Story aux objets virevoltants de La Belle et la Bête. Un panorama en musique pour découvrir la richesse et la diversité des comédies musicales. Interactive et ludique, l’exposition pour tous publics »et offrait « la possibilité d’apprendre quelques pas de claquettes par un professionnel, Fabien Ruiz, ou à l’aide d’un tutoriel afin de pouvoir repartir en dansant ! »

 « En écho à cette programmation, le Centre national du costume de scène-Moulins (CNCS), musée de France, organise l’exposition « Comédies musicales ! Les costumes font leur show ». L’angle ? La « comédie musicale à travers la présentation de costumes emblématiques issus de spectacles donnés au Théâtre du Châtelet, La Mélodie du bonheur, 42nd Street, A Little Night Music, The King and I, Les Parapluies de Cherbourg… mais aussi, les costumes de célèbres productions données à New York, à Londres et à Toulon telles que Cabaret, Cats, Follies ou encore Grease, dernier grand succès du Théâtre Mogador. Plus de cent costumes issus de spectacles joués sur la scène du Théâtre du Châtelet mais aussi, ceux de célèbres productions données à New York, à Londres, à Toulon, à Paris, dont Grease, le dernier grand succès du Théâtre de Mogador, et présentés dans une scénographie inédite qui emmène le visiteur côté coulisses, dévoilant la vie du costume avant son entrée sur scène. Déballage, essayage, maquillage, attente et montée de trac. Les décors de certaines comédies musicales iconiques seront évoqués sous forme de clins d’oeil décalés. Un parcours joyeux, et bien sûr musical ». 

Le Centre national du costume de scène invite « les visiteurs à se plonger dans l’univers des plus grandes comédies musicales dont My Fair Lady... Pour (re)découvrir ces productions mythiques, notamment popularisées grâce aux films tournés à Hollywood, le CNCS retrace l’histoire de cette forme théâtrale mêlant comédie, chant et danse » via les costumes. 

« Danny et Sandy (Grease), Sally Bowles (Cabaret), Don Lockwood (Singin’ in the Rain)… les costumes de ces fameux personnages, reconnaissables au premier coup d’oeil, permettent aux comédiens de porter haut les célèbres rôles qu’ils incarnent. C’est un monde glamour et enjoué que le CNCS choisit de mettre en lumière. Que le spectacle commence ! »

« Le parcours permet une déambulation au cœur même de ces comédies musicales et parmi la riche diversité des costumes de leurs personnages. Ces spectacles offrent aussi au public, en dehors de leurs histoires et de leurs livrets, des mises en scène le plus souvent étonnantes, qui enchaînent à un rythme effréné tableaux et décors. Les costumes constituent un véritable défilé d’étoffes aux couleurs étincelantes. Ils sortent, pour la plupart, du vestiaire du XVe siècle et empruntent souvent, au music-hall et aux revues, leurs chapeaux, éventails, paillettes, plumes et strass. Autour des rôles principaux, les ensembles, ou chorus, réunissent des artistes habillés, eux, de façon identique, ce qui accentue la lisibilité des chorégraphies. Le défi permanent relevé par les costumiers : laisser toute liberté à l’expression de la danse - en particulier aux claquettes -, où tout le corps, des pieds à la tête, doit pouvoir se mouvoir sans entrave, avec rapidité et précision, pour produire une vision d’ensemble irréprochable. Cet univers fascinant est aussi celui des records en termes de nombres de représentations. En effet, venus du monde entier, les spectateurs affluent dans les théâtres pendant plusieurs saisons consécutives – sur trois décennies pour certaines productions ! Quelle autre forme de spectacle vivant peut se prévaloir de telles longévités ? La gestion des costumes prend alors une tout autre dimension : nombre d’entre eux sont refaits à l’identique ou bien repris de sorte que s’effacent les traces d’usure laissées par la multiplicité des distributions successives. La visite, à Londres, du stock où sont entreposés les anciens costumes de The Phantom of the Opera et des Misérables en offre une illustration particulièrement frappante », analyse Delphine Pinasa, directrice du CNCS depuis 2011, historienne de l’art, spécialiste des costumes de scène et commissaire de l’exposition.

Quant à Patrick Nievo, danseur et professeur de danse, auteur de « Histoires de comédies musicales » (Ipanema, 2010), il est Conseiller artistique et auteur du catalogue de l’exposition.

La « scénographie originale entraîne le visiteur côté coulisses, dévoilant la vie du costume avant son entrée sur scène. Déballage, essayage, maquillage et montée sur les planches ». Les intentions scénographiques ? « Une des spécificités de la comédie musicale par rapport aux autres arts de la scène est probablement le rythme effréné des changements de décors et de costumes. Les spectateurs ne s’en rendent pas compte mais durant le spectacle, la vie des coulisses est trépidante. Pour la scénographie de cette exposition nous souhaitons mettre l’emphase sur tout ce qui se passe habituellement hors de la vue du public. Nous amenons le visiteur dans le tourbillon de cette vie « backstage ». Nous avons évoquons ainsi certaines mises en scènes iconiques sous forme de clins d’oeil décalés, rappelant immanquablement des souvenirs aux inconditionnels, mais aussi aux néophytes qui verront à quel point la comédie musicale fait partie de nos vies sans forcément que nous en ayons conscience. Les façades des grands théâtres de Broadway annoncent les artistes en lettres de lumière. Strass et paillettes brillent sous les feux des projecteurs. Nous recréons cette atmosphère en parsemant la scénographie d’installations lumineuses. Le sujet de l’exposition pose également la question de l’évocation du mouvement, dont la représentation est un défi avec des mannequins par définition statiques. C’est donc aussi par la lumière et des mises en espaces à la fois ludiques et poétiques que nous comptons emporter le public. Un parcours forcément joyeux, et bien sûr musical ! », ont résumé Philippine Ordinaire et Olivier Coquet, scénographes de l’exposition. 

Pour le jeune public, sont prévues des visites (1h30) - visites ateliers en famille, visites costumées, visites contées – et sont offerts des livrets-jeux du CNCS pour « une découverte ludique de l’exposition « Comédies musicales. Les costumes font leur show ! », des costumes de scène et de l’univers du spectacle et des musées en général.

Aux adultes : des visites-guidées (1h30).

Sont proposés aussi un dîner-spectacle de claquettes - spectacle par la Compagnie Claq’N Show -, deux conférences sur l’Histoire des comédies musicales par M. Binh et sur les coulisses de l’exposition par Delphine Pinasa, le spectacle comédie –musicale « Sur un air de jersey boys » par la Compagnie de Sanssat.

Un genre artistique spécifique
« Se déclinant selon des codes et un vocabulaire esthétique spécifiques, les histoires et intrigues de ces shows induisent souvent des mises en scène spectaculaires, des décors et des costumes aux couleurs chatoyantes. Les artistes sont experts en danse, en chant et en comédie pour parfaire cet art complet. La comédie musicale est, dès sa création, un genre éminemment populaire ; elle est aujourd’hui un phénomène majeur et unique ».

« Héritier de différentes formes artistiques telles que l’opérette, l’opéra-comique, la revue et quelquefois le jazz, le musical s’inscrit dans un patrimoine et une culture principalement anglo-saxonne ; les théâtres de Broadway à New York et du West End à Londres en sont les scènes légendaires. En France, c’est à partir des années 1960 que les spectateurs découvrent ce genre musical grâce notamment aux tournées des shows américains ou à la diffusion des films cultes tels que West Side Story ou My Fair Lady… suivis par les réalisations de Jacques Demy, Les Parapluies de Cherbourg et Les Demoiselles de Rochefort ».

« Depuis la fin des années 1990, grâce au succès fracassant de Notre-Dame de Paris, puis de Roméo et Juliette et Les Dix Commandements, les productions de spectacles musicaux français se multiplient devant un public conquis et de plus en plus nombreux. La reprise par Stage Entertainment du Théâtre Mogador combiné avec la programmation de grandes œuvres du répertoire musical américain au Théâtre du Châtelet depuis le milieu des années 2000, ont remis au goût du jour, et avec un succès exceptionnel, des œuvres emblématiques comme Le Roi Lion, Grease, 42nd Street ou Singin’ in the Rain ». 

« Le vent d’automne souffle un air de Broadway sur le Centre national du costume de scène, qui consacre sa nouvelle exposition à la comédie musicale, genre théâtral dont la spécificité est de conjuguer, dans un joyeux mélange, musique, comédie, chant et danse. Né sur les scènes des États-Unis au début du XXe siècle et héritier des diverses formes de spectacles que sont l’opérette, l’opéra-comique et la revue, le musical s’inscrit dans une culture essentiellement anglo-saxonne. Les théâtres de la 42e Rue à New York et ceux du West End de Londres sont aujourd’hui encore les lieux de création de productions légendaires, qui ensuite sillonnent le monde. La comédie musicale s’est rapidement exportée en Europe, d’abord grâce aux tournées des shows américains et à la diffusion des films hollywoodiens dès les années 1930, suivis, quelques décennies plus tard, de réalisations cinématographiques, devenues cultes : Singin’ in the Rain, West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music… En France, c’est surtout le duo formé dans les années 1960 par Jacques Demy et Michel Legrand pour Les Parapluies de Cherbourg, Les Demoiselles de Rochefort et Peau d’âne qui représentait alors le style français. Puis le succès de Starmania (1979) d’abord, ravivé notamment par celui de Notre-Dame de Paris (1998), des Dix Commandements (2000), de Roméo et Juliette (2001) et du Roi Soleil (2005), a montré l’engouement du public français pour cet art éminemment populaire. Récemment, la programmation très « musical » de Jean-Luc Choplin, à la tête du Théâtre du Châtelet de 2005 à 2017, et la reprise du Théâtre Mogador par Stage Entertainment ont remis au goût du jour des oeuvres mythiques et inédites en France. Cette exposition du Centre national du costume de scène met sous les projecteurs vingt comédies musicales parmi les plus emblématiques, provenant majoritairement du répertoire du Théâtre du Châtelet, partenaire privilégié de l’événement, mais aussi du Théâtre Mogador, de l’Opéra de Toulon, de Roundabout Theatre Company et de la Shubert Organization à New York, et de Cameron Mackintosh Limited à Londres », observe Delphine Pinasa.

« Au-delà de son apparence festive qui peut être trompeuse, la comédie musicale a acquis ses lettres de noblesse grâce à de grands compositeurs qui ont alimenté le Great American Songbook (le catalogue de la chanson américaine). Il s’agit d’un genre de spectacle typiquement américain ayant trouvé ses inspirations dans la culture européenne. L’opérette est sans aucun doute, l’ingrédient principal de cet art majeur qui, à ses débuts, consiste en un agrégat de styles de shows populaires : le théâtre, le vaudeville, le cirque, les revues, le chant, les claquettes et la danse. Au fur et à mesure de son évolution, la musical comedy (ou « musical ») pourra se passer de certains éléments comme la chorégraphie, les girls ou les acrobates mais jamais de son assise : le théâtre. Le costume est un élément d’apparat qui transporte le spectateur dans une époque et une ambiance souvent nécessaires à la compréhension de l’histoire racontée sur scène. Ce catalogue balaye, quelquefois aussi en plumes, paillettes et strass, l’histoire de la comédie musicale grâce à vingt œuvres emblématiques, de Cabaret à Follies, des Misérables à The King and I. Bon voyage à Broadway ! »

Salon d’honneur, rez-de-chaussée
Welcome to Broadway !
Anything Goes, Cats, Pal Joey, Holiday Inn,

A Chorus Line
« L’exposition s’ouvre avec les costumes de cinq comédies musicales venues tout droit de Broadway. Les « origines » de la comédie musicale sont ainsi mises à l’honneur avec les costumes de Anything Goes, Cats, Pal Joey, Holiday Inn et A Chorus Line prêtés par Roundabout Theatre Company et The Shubert Archive, deux producteurs de Broadway, les Shubert posséde même dix-sept théâtres autour de Times Square ! »

Cats, 1981
« Cette histoire chorégraphiée avec des chats a été programmée à Broadway pendant dix-huit ans sans interruption ! Cats est l’un des seuls musicals dont on ne peut dissocier les costumes de John Napier, des maquillages de Candace Carell et de la chorégraphie de Gillian Lynne. Ces trois arts forment un tout afin que le public soit transporté dans le monde des félins.
Les attitudes des chats inventées par Gillian Lynne (1926-2018) sont sublimées par les académiques moulants, peints à la main portés par les cats. Chaque chat a sa couleur et sa personnalité que John Napier a su capturer en dessinant des tenues bien spécifiques et toutes différentes. »

Anything Goes, 1934
« Quiproquos, déguisements, numéros de cabaret, déclarations d’amour... Anything Goes raconte l’histoire de Reno Sweeney, une chanteuse barmaid, qui tombe amoureuse de Billy Crocker, qu’elle rencontre sur un bateau transatlantique. 
À la fin des années 1930, les chansons les plus populaires aux États-Unis furent celles de Anything Goes. Cole Porter a écrit là l’un de ses chefs d’oeuvre.
Les titres comme You’re the Top, It’s De-Lovely et I Get a Kick Out of You sont devenus d’immenses succès, puis des standards. En pleine Grande Dépression, il est arrivé à faire chanter et danser les Américains. C’est la version du Stephen Sondheim Theatre de Broadway (2011, Roundabout Theatre Company) qui est présentée ici. Elle a marqué les esprits notamment grâce à un incroyable numéro de claquettes de la comédienne Sutton Foster, accompagnée de la troupe ».

Pal Joey, 1940
« Pal Joey marque la comédie musicale américaine pour plusieurs raisons. Il s’agit de l’ultime rôle de Gene Kelly à Broadway avant son départ pour Hollywood et la carrière que nous connaissons. Pal Joey a aussi marqué les esprits grâce son thème sulfureux ; le personnage principal est un voyou doublé d’un gigolo.
Cette salle expose des costumes de William Ivey Long pour le revival de Pal Joey par Roundabout en 2008.
On retrouve notamment le costume exceptionnel d’une showgirl dans le numéro intitulé The Flower Garden of My Heart, orné de pétales de fleurs en organza et de bijoux. William Ivey Long est l’un des costumier les plus demandés et a dessiné les tenues de près de soixante-quinze spectacles de Broadway.
Au cours de sa carrière, il a remporté six Tony Awards sur quinze nominations ».

Holiday Inn, 2016
« C’est l’histoire de Jim qui achète une ferme dans le Connecticut car il en a assez du show business new yorkais et de la vie de tournée avec ses deux partenaires de scène, Lila et Ted. Il compte bien se marier avec Lila, sa partenaire, mais celle-ci déteste la campagne et repart en tournée avec Ted. Afin de payer ses factures, il décide d’ouvrir une auberge où il présente des spectacles. Évidemment, il tombe amoureux de l’ancienne propriétaire de sa ferme, Linda, qui elle aussi, est une artiste en mal de scène. 
C’est Irving Berlin qui a eu l’idée originale du film de 1942 réalisé par Mark Sandrich. C’est en 2016 seulement, qu’on décide d’en faire une comédie musicale dans la plus pure tradition de l’âge d’or de Broadway.
La robe rouge pailletée portée par Lila est composée d’un body bustier et d’une jupe portefeuille. Elle a été conçue pour montrer l’évolution du personnage : au fur et à mesure qu’elle gagne en notoriété l’artiste enlève des éléments de sa robe ».

A chorus line, 1975
« Pendant 15 ans, A Chorus Line fut un monument historique au même titre que la Statue de la Liberté ou l’Empire State Building. Dans les années 1970, Broadway se meurt, ce qui pousse un certain nombre de comédiens à se réunir, bénévolement au début, autour de Michael Bennett et d’un projet qui deviendra ce musical mythique…
Les costumes présentés sont ceux du final, apothéose du show où les individualités se rassemblent pour former un ensemble, emblèmes de la production ».

Salle 1
The King and I (Le Roi et Moi), 1951
« Cinquième comédie musicale de Rodgers et Hammerstein, The King and I est surtout connue en France grâce au film de la Twentieth Century Fox. Sorti en 1956, il est tourné après le succès des représentations à Broadway. Les rôles titres ont été immortalisés sur grand écran par Yul Brynner et Deborah Kerr.
Le spectacle et le film s’inspirent du roman Anna and the King of Siam de Margaret Landon qui lui-même se base sur l’histoire d’Anna Leonowens, jeune préceptrice des enfants du roi du Siam dans les années 1860.
La production présentée en 2014 au Théâtre du Châtelet n’a rien à envier aux productions de Broadway ! Elle a la particularité d’utiliser la partition originale, ce qui n’est plus le cas nulle part car le spectacle dure trois heures et quinze minutes.
La costumière, Sue Blane, a fait un travail remarquable et minutieux sur les tenues dont les broderies sont d’un raffinement extrême.
Les costumes sont le reflet d’un mélange entre la mode occidentale du milieu du XIXe siècle et les tenues traditionnelles du royaume de Siam, réalisés dans des tissus brodés d’or.
On retrouve ici une dizaine de costumes dont ceux du fameux couple formé par Anna Leonowens et le roi, interprété par Lambert Wilson ».

Salle 2
Into the Woods, 1987
« Into the Woods a durablement marqué son époque.
Elle reste l’une des comédies musicales les plus mémorables de la fin du siècle dernier, mais aussi l’un des plus grands succès populaires du compositeur et parolier Stephen Sondheim, associé au librettiste James Lapine.
Into the Woods enchevêtre les destins de célèbres personnages de contes de fées avec une autre histoire en trame de fond, celle d’un boulanger et de sa femme. À cause de son désir d’enfant, ce couple va déclencher un tel capharnaüm que la physionomie des contes va s’en trouver changée à jamais.
En 2014, le Théâtre du Châtelet propose une version de ce musical mise en scène par Lee Blakeley. Pour les costumes, Mark Bouman s’est fortement inspiré d’un livre de contes illustré. Il a imaginé les costumes en collant ses croquis sur un fond de forêt afin de mieux visualiser le rendu final.
Dans cette salle, rendez-vous côté coulisses ! Les mannequins sont installés dans une loge face à une table de maquillage. Les personnages des contes : le Loup et le Petit Chaperon Rouge, Cendrillon en haillons et sa famille en costumes XVIIIe siècle et Raiponce et la Sorcière en costumes au style moyenâgeux, prennent vie avant de monter sur scène ».

Salle 3
Grease, 1971-1972
« Créé à Chicago, Grease tient l’affiche à Broadway pendant 3 388 représentations entre 1972 et 1980.
En 1978, le film avec John Travolta et Olivia Newton-John accroît la notoriété de cette histoire. Grease est le seul musical écrit par Jim Jacobs et Warren Casey.
Leur idée de départ est simple : écrire un show sur leur vie au lycée à la fin des années 1950.
C’est ce show mythique que le Théâtre Mogador et Stage Entertainment France présentent à Paris en 2017-2018. Cette version est proche du film, avec un livret retravaillé par le metteur en scène Martin Michel.
Le décor – un jukebox géant – et les costumes sont très colorés. Le costumier Arno Bremers s’inspire lui aussi du film. On retrouve le fameux perfecto en cuir de Danny, les robes vintage 50’s des « Pink Ladies » ou la combinaison moulante de Sandy pour le final ».

Salle 4
La comédie musicale made in France
Les Misérables, Notre-Dame de Paris,
Les Parapluies de Cherbourg, The Phantom of the Opera
« Cette salle présente des productions réalisées à partir d’oeuvres françaises : Les Misérables, Notre-Dame de Paris, Les Parapluies de Cherbourg et The Phantom of the Opera (Le Fantôme de l’Opéra) ».

Les Misérables, 1980 et 1985
« C’est grâce à cette oeuvre de Victor Hugo que les français parviennent à s’imposer dans le monde des comédies musicales. En 1980, Claude-Michel Schönberg, Alain Boublil et Jean-Marc Natel proposent un album, puis un spectacle basés sur l’un des plus grands romans français : Les Misérables.
Le spectacle arrive au Palais des Sports de Paris le 17 septembre 1980, dans une mise en scène de Robert Hossein ; c’est un formidable succès, estimé à un demi million de spectateurs pour 107 représentations.
Cameron Mackintosh, producteur anglais, se rend compte de l’immense potentiel de cette œuvre et décide de la modeler sur un archétype angloaméricain avec la collaboration de Claude-Michel Schönberg et d’Alain Boublil. Les Misérables est présenté à Londres, le 8 octobre 1985, puis à Broadway le 12 mars 1987. La production est encore jouée aujourd’hui dans la capitale britannique, au Queen’s Theatre.
La costumière, Andreane Neofitou, a effectué des recherches approfondies sur les costumes d’époque et les dessins de Victor Hugo. Elles ont conduit à la palette des couleurs et au choix des matières qui ont marqué cette production depuis toutes ces années.
Les costumes présentés sont ceux de la production originale de Londres ».

Notre-Dame de Paris, 1998
« Inspiré du roman de Victor Hugo et écrit par Luc Plamondon et Richard Cocciante, Notre-Dame de Paris a relancé le spectacle musical en France.
Vingt ans après sa création et ses 4 000 représentations dans le monde, en huit langues, les aventures de Quasimodo, Frollo, Esméralda, Phoebus affichent encore complet partout où le show est présenté. Les costumes présentés ici qui sont les originaux, créés par Fred Sathal.
Esméralda, Quasimodo et Gringoire, trois des principaux rôles de cette comédie musicale, portent des tenues réalisées à base de teintures pour un coloris unique avec des effets de patchworks. Leurs tenues plongent le spectateur dans l’époque du roman de Victor Hugo, le Paris du XVe siècle ».

Les Parapluies de Cherbourg,
d’après le film de 1964
« Cherbourg, novembre 1957. Madame Emery et sa fille, Geneviève, tiennent une boutique appelée « Les Parapluies de Cherbourg ». Geneviève est amoureuse de Guy, mécanicien dans un garage, ce que sa mère désapprouve. Le jeune garçon est appelé pour faire son service militaire en Algérie alors que Geneviève est enceinte. Guy et Geneviève ne se recroiseront qu’une seule fois…
Nombreuses sont les adaptations pour les planches du film de Jacques Demy mis en musique par Michel Legrand. Le sujet, universel, a été l’inspiration de versions scéniques, aussi bien à Paris (1979, Théâtre Montparnasse) qu’à l’international (1979, New York ; 2011, Londres).
En 2014, le Théâtre du Châtelet présente une version symphonique de l’oeuvre, dirigée par Michel Legrand en personne. Les costumes de Vanessa Seward sont inspirés des années 50 tout en restant très actuels.
Elle s’inspire aussi des décors conçus par Sempé. On retrouve le trait du dessinateur dans certains vêtements, notamment dans les trenchs, qu’elle a « soulignés » de noir ».

The Phantom of the Opera (Le Fantôme de l’Opéra), 1986
« En 2018, The Phantom of the Opera de Sir Andrew Lloyd Webber a fêté ses 30 ans à Broadway et ses 32 ans à Londres, où il a été créé en octobre 1986.
Basée sur l’ouvrage éponyme de Gaston Leroux, cette oeuvre entre dans la catégorie des megamusicals anglais qui ont envahi le monde entier dans les années 1980 et 1990.
La mise en scène originale de Harold Prince, la musique entêtante et quasi opératique de Lloyd Webber et les somptueux costumes et décors de Maria Björnson qui nous plongent dans le Paris mondain du XIXe siècle, ont fait de ce musical un phénomène qui ne faiblit pas avec le temps. Maria Björnson parvient à recréer les sous-sols de l’Opéra de Paris. Le spectateur se promène en barque sur un lac artificiel éclairé par des candélabres.
Les costumes présentés proviennent de la production originale de Londres, qui est toujours à l’affiche ».

Salle 5
A Little Night Music, 1973
« Suite à l’échec commercial retentissant de Follies (1971), le producteur et metteur en scène Harold Prince insiste auprès de Stephen Sondheim pour qu’il crée une comédie musicale légère et accessible.
Sondheim propose alors d’adapter le film suédois d’Ingmar Bergman, Sourires d’une nuit d’été (1955).
Sur le plan financier, A Little Night Music sera le plus grand succès de la collaboration entre Prince et Sondheim.
En février 2010, le Théâtre du Châtelet propose A Little Night Music mis en scène par Lee Blakeley.
Sa version est inspirée de tableaux d’Edvard Munch et de Gustav Klimt. Les costumes dessinés par Jo van Schuppen et les décors de Rae Smith traduisent l’image et le raffinement de la bourgeoisie suédoise du début du XXe siècle. Dans cette version, les rôles principaux sont tenus par Lambert Wilson, Greta Scacchi et Leslie Caron qui porte de magnifiques robes en dentelles et soieries. Elle y joue Madame Armfeldt, la matriarche du spectacle ».

Salles 6 et 13
42nd Street (42e Rue), 1980
« Créé à Broadway cinquante ans après la sortie du film dont il s’inspire, ce spectacle très complet représente la quintessence de la comédie musicale américaine. Il est presque entièrement composé de numéros de claquettes, ce qui en fait une référence en la matière ! Pour le début du show, le chorégraphe Gower Champion a une idée géniale : le rideau de scène se lève en partie et laisse apparaître des dizaines de jambes qui entament un numéro de claquettes, puis s’ouvre complètement et l’on découvre pas moins de trente-six chorus girls et boys ! Un avant-goût de cette scène est à retrouver en salle 13 de l’exposition.
Les costumes présentés sont ceux de la version du Théâtre du Châtelet (2016) recréée par Stephen Mear. Il fut danseur dans la production originale londonienne.
Le costumier, Peter McKintosh s’est inspiré de photos de New York au début des années 1930, alors que la ville est en pleine mutation. Il en résulte de magnifiques décors et costumes Art déco ornés de perles, fourrures et plumes. On retrouve notamment ici le costume de Peggy Sawyer, rôle principal, qui fait un numéro de claquettes sur un piano ! »

Salle 7
Cabaret, 1966
« C’est la comédie musicale qui marque le début d’une nouvelle ère à Broadway et ouvre la voie à d’autres comme Hair en 1967. Cabaret connaît une belle réussite avec 1165 représentations et huit Tony Awards ! Le film de Bob Fosse en 1972, avec Liza Minnelli, en fera une oeuvre sulfureuse et culte. La version de Roundabout Theatre Company en 1998 est un succès (2 377 représentations en première présentation à Broadway).
Alan Cumming est un maître de cérémonie (Emcee) pervers et déluré ; il s’adresse à la salle, draguant les hommes et les femmes attablés, qui se croient simplement spectateurs mais deviennent acteurs. Cette production aura un retentissement planétaire. Elle est présentée au Canada, en Australie, en Amérique latine et un peu partout en Europe notamment aux Folies Bergère et au Théâtre Marigny à Paris.
L’action se déroulant pendant la Seconde Guerre mondiale, le costumier William Ivey Long – titulaire de six Tony Awards - s’est inspiré de la mode des années 1940.
Sont présentés ici, les costumes emblématiques du spectacle avec la queue-de-pie du sulfureux maître de cérémonie et la nuisette de Sally Bowles portée par Emma Stone qui interprète Don’t Tell Mama ! »

Salle 8
Candide, 1956
« Avec seulement 73 représentations, ce spectacle de Leonard Bernstein est un échec cuisant. Mais cette déconvenue sera rattrapée par l’engouement du public pour l’enregistrement de la production originale par la maison de disque Columbia Records. Aujourd’hui encore, cet album fait partie des grands classiques de la comédie musicale.
Ce spectacle est adapté du conte philosophique éponyme de Voltaire. Le spectacle déroule les aventures de Candide qui fait face à toutes sortes de désastres.
On découvre ici les costumes de la version du Théâtre du Châtelet montrée pendant la saison 2006-2007.
C’est l’artiste Buki Shiff, née en Israël, qui en a dessiné les tenues.
Cette vitrine reconstitue la scène où Cunégonde, habillée d’une robe fourreau en satin rose est portée par les bras de plusieurs hommes. Cette scène est directement inspirée d’une image du clip de Madonna Material Girl (1985), qui lui-même fait référence à Marilyn Monroe et son mythique Diamonds Are a Girl’s Best Friend dans le film Les Hommes préfèrent les blondes de Howard Hawks (1953). »

Salle 9
Follies, 1971
« C’est l’un des chefs-d’oeuvre du compositeur Stephen Sondheim et sans aucun doute l’une des comédies musicales les plus marquantes de ces cinquante dernières années. Son livret, finement écrit par James Goldman, fut magnifié par la somptuosité des costumes de la production originale. On qualifia Follies de « dernier grand musical », tant l’ampleur de cette production d’Harold Prince est inhabituelle pour ce début de décennie. Mais, malgré ses 522 représentations, le spectacle au budget de huit-cent mille dollars fut largement déficitaire.
Le nom du spectacle fait référence aux Ziegfeld Follies, longue série de revues de girls orchestrées par le grand producteur de Broadway, Florenz Ziegfield.
Avec Follies, on partage les souvenirs des membres d’une troupe de music-hall qui, après s’être perdus de vue, se retrouvent trente ans plus tard avant la destruction du théâtre où ils jouaient ensemble.
On retrouve ici les costumes de la version présentée à l’Opéra de Toulon en 2013. C’est la première production en France de ce musical mis en scène par Olivier Bénézech. Dans Loveland, le numéro final, le costumier Frédéric Olivier a fait preuve d’une imagination débordante ; il est un génie de la paillette, du clinquant et du rêve ».

Salle 10
My Fair Lady, 1956
« Avec West Side Story (1957), My Fair Lady marque, l’épicentre de l’âge d’or du musical à Broadway. Le musical est basé sur la pièce de théâtre Pygmalion (1912) de George Bernard Shaw (1856-1950). Le professeur de phonétique Henry Higgins fait le pari qu’il peut transformer en duchesse, Eliza Doolittle, jeune fille « du peuple », en l’espace de six mois. C’est Julie Andrews qui interprète Eliza Doolittle, d’abord à New York, puis à Londres ; le professeur Higgins est campé par Rex Harrison. Le film de 1964 avec Audrey Hepburn et Rex Harrison deviendra mythique.
My Fair Lady, mis en scène par Robert Carsen, est présenté deux fois au Théâtre du Châtelet, en 2010 et en 2013. Le décor impressionnant qui reprend l’immense bibliothèque du professeur Higgins dans des tons crème, contraste avec les somptueux costumes d’Anthony Powell. Ces éléments en font l’un des plus beaux spectacles présentés au Châtelet sous la direction de Jean-Luc Choplin. »

Salle 11
The Sound of Music
(La Mélodie du bonheur), 1959
« Tout comme The King and I, The Sound of Music est basé sur une autobiographie, celle de Maria Augusta von Trapp (The Story of the Trapp Family Singers, 1949). Mais, chose exceptionnelle, Maria von Trapp (1905-1987) est encore vivante au moment de la création du spectacle et sera consultante sur le projet.
Le spectacle raconte donc l’histoire de cette jeune fille qui devient gouvernante des sept enfants du Capitaine Georg von Trapp, un veuf tyrannique qui habite une villa dans les environs de Salzbourg.
The Sound of Music est composé par Richard Rodgers sur des paroles de Oscar Hammerstein.
Hammerstein, meurt le 23 août 1960, quelques mois après la création du musical ; il ne verra donc pas le succès phénoménal du film de Robert Wise avec Julie Andrews en 1965.
En 2009, le Théâtre du Châtelet propose une version qui aura tellement de succès que le spectacle sera repris en 2011. Pour le décor, Emilio Sagi place les personnages dans une verdure luxuriante qui entre jusque dans la maison.
Sont exposés ici les sept costumes des enfants confectionnés, selon l’histoire, par Maria à partir de rideaux d’ameublement. On retrouve également la tenue de Maria au couvent, de la Baronne dans sa magnifique robe en satin agrémentée d’un boa de plumes pour le bal et du Capitaine Georg von Trapp en habit traditionnel autrichien. »

Salle 12
Singin’ in the Rain (Chantons sous la pluie), film de 1952
« Selon un classement des films musicaux les plus populaires par l’American Film Institute (AFI), Singin’ in the Rain arrive en tête devant West Side Story (1961), Le Magicien d’Oz (1939) et The Sound of Music (1965). Ce long métrage écrit par Betty Comden et Adolph Green a donné lieu à des essais scéniques plus ou moins réussis ».
« L’action du film (et du musical) se passe en 1927 au moment de l’arrivée des talkies, les premiers films parlants ». 
« Hollywood se moque de ses propres travers, ce qui donne au film un atout supplémentaire : l’autodérision ».
« Avec Singin’ in the Rain, Gene Kelly créé le solo chorégraphique le plus connu de toute l’histoire de la comédie musicale : une danse sous la pluie ».
« En mars 2015, le Théâtre du Châtelet propose sa version, mise en scène par Robert Carsen ».
« Les tenues créées par Anthony Powell, notamment celles de Lina Lamont, de Don Lockwood et de Kathy Selden, sont en noir et blanc avec quelques dégradés gris et lamés argent. On retrouve ici, le fameux costume de Don Lockwood qui chante sous la pluie ».
« En novembre 2017, la production fut reprise au Grand Palais de Paris ».


« Situé dans une ancienne caserne militaire du XVIIIe siècle classée Monument historique, le CNCS a attiré depuis son ouverture en 2006 près de 900 000 visiteurs. Véritable fleuron du patrimoine artistique, le CNCS conserve, montre et explique les oeuvres d’une collection unique au monde composée aujourd’hui de 10 000 costumes de théâtre,  de danse et d’opéra du milieu du XIXe siècle à nos jours provenant de dépôts des trois institutions fondatrices du Centre, la Bibliothèque nationale de France, la Comédie-Française et l’Opéra national de Paris, auxquels sont venus s’ajouter de nombreux dons de compagnies, d’artistes et de théâtres. Ce musée unique au monde a présenté pas moins de 24 expositions saluées par le public et abrite depuis 2013 la collection du danseur Rudolf Noureev soit un ensemble de 3 500 pièces ».

Du 1er décembre 2018 au 28 avril 2019
Au Centre national du costume de Scène et de la scénographie (CNCS)
Quartier Villars - Route de Montilly
03000 Moulins
Tél. : 04 70 20 76 20
Tous les jours de 10 h à 18 h
A 2h30 de Paris
Visuels :
Singin’in the Rain, comédie musicale mise en scène par Robert Carsen, costumes d’Anthony Powell, Théâtre du Châtelet, Paris, 2015 – 2017. © Marie-Noëlle Robert / Théâtre du Châtelet

Monique Young dans le rôle de Peggy Sawyer dans 42nd Street. Comédie musicale mise en scène et chorégraphiée par Stephen Mear, costumes de Peter McKintosh, Théâtre du Châtelet, Paris, 2016. © Marie-Noëlle Robert / Théâtre du Châtelet

Grease, comédie musicale mise en scène par Martin Michel, costumes d’Arno Bremers, Théâtre Mogador / Stage Entertainment France, Paris, 2017. © Alessandro Pinna

Costume d’Alejo Vietti pour le rôle de Lila Dixon dans Holiday Inn. Comédie musicale mise en scène par Gordon Greenberg, production de la Roundabout Theatre Company, New York, 2016.

Costume de Sue Blane porté par Lambert Wilson pour le rôle du Roi de Siam dans
The King and I. Comédie musicale mise en scène par Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2014.

Costume de Mark Bouman pour le rôle du Loup dans Into the Woods. Comédie musicale mise en scène par Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2014

Costume d’Arno Bremers pour le rôle de Danny dans Grease. Comédie musicale mise en scène par Martin Michel, Théâtre Mogador / Stage Entertainment France, Paris, 2017.

Costume inspiré du travail de Fred Sathal pour la production originale de 1998, pour le rôle d’Esmeralda dans Notre-Dame de Paris. Comédie musicale mise en scène par Gilles Maheu, production coréenne, 2015.

Costume de Vanessa Seward porté par Nathalie Dessay pour le rôle de Madame Emery dans Les Parapluies de Cherbourg. Comédie musicale mise en scène par Vincent Vittoz, décors de Jean-Jacques Sempé et Vincent Vittoz. Théâtre du Châtelet, Paris, 2014.

Costume de Jo van Schuppen porté par Leslie Caron pour le rôle de Madame Armfeldt dans A Little Night Music. Comédie musicale mise en scène par Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2010

Monique Young dans le rôle de Peggy Sawyer dans 42nd Street. Comédie musicale mise en scène et chorégraphiée par Stephen Mear, costumes de Peter McKintosh, Théâtre du Châtelet, Paris, 2016. © Marie-Noëlle Robert / Théâtre du Châtelet

Costume de Frédéric Olivier porté par Nicole Croisille pour le rôle de Carlotta dans Follies. Comédie musicale mise en scène par Olivier Bénézech, Opéra de Toulon, 2013.

Costume d’Anthony Powell pour le rôle d’Eliza Doolittle dans My Fair Lady. Comédie musicale mise en scène par Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, Paris, 2010 - 2013

Costume de Jesús Ruiz pour le rôle de Friedrich von Trapp dans The Sound of Music. Comédie musicale mise en scène par Emilio Sagi, Théâtre du Châtelet, Paris, 2009 et 2011

Costume d’Anthony Powell pour le rôle de Kathy Selden dans Singin’ in the rain.
Comédie musicale mise en scène par Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, Paris 2015-2017.

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