Véronique Chemla

La photographe Diane Arbus (1923-1971)

2012-01-28T19:06:00.001+01:00

Le Jeu de Paume présente la première rétrospective en France consacrée à la photographe Diane Arbus (1923-1971). Née dans une famille Juive américaine, cette portraitiste newyorkaise a révolutionné l’art photographique par son style épuré et ses thématiques rendant étrange ce qui est familier, et inversement. Plus de 200 clichés, parfois inédits, de cette «　anthropologue contemporaine　» dont l’influence perdure. Une vie d’artiste et d’enseignante, marquée par des périodes de dépression et des rechutes d’hépatite.

Les photographies « sont la preuve que quelque chose était là et n’est plus. Comme une tache. Et leur immobilité est déroutante. On peut leur tourner le dos, mais quand on revient, elles sont toujours là en train de vous regarder », a déclaré Diane Arbus, le 15 mars 1971.

Identical Twins, A young man in curlers, A Jewish giant at home with his parents... Les photographies de Diane Arbus (1923-1971) intriguent par les questionnements qu’elles induisent sur l’identité et l’originalité humaines ainsi que sur la normalité. Restituent l’humanité de personnes différentes. Suscitent l’admiration par leurs qualités artistiques, parfois la gêne en raison de leur thématique dérangeante (marginaux), l’interrogation en raison de la neutralité du regard qui ne juge pas ou l’incompréhension devant son intérêt pour l’étrangeté ou la banalité. Mais jamais l’indifférence.

Diane Arbus «　a révolutionné l’art de la photographie. L’audace de sa thématique, aussi bien que son approche photographique ont donné naissance à une œuvre souvent choquante par sa pureté, par cette inébranlable célébration des choses telles qu’elles sont. Par son talent à rendre étrange ce que nous considérons comme extrêmement familier, mais aussi à dévoiler le familier à l’intérieur de l’exotique, la photographe ouvre de nouvelles perspectives à la compréhension que nous avons de nous-mêmes　».

Son principal sujet d’inspiration　: New York, qu’elle arpente «　à la fois comme un territoire connu et une terre étrangère, photographiant tous ces êtres qu’elle découvre dans les années 1950 et 1960　».

Cette «　anthropologie contemporaine – portraits de couples, d’enfants, de forains, de nudistes, de familles des classes moyennes, de travestis, de zélateurs, d’excentriques ou de célébrités – correspond à une allégorie de l’expérience humaine, une exploration de la relation entre apparence et identité, illusion et croyance, théâtre et réalité　».

Avec plus de 200 clichés, cette première rétrospective de Diane Arbus en France présente «　toutes les images emblématiques de l’artiste　» et un grand nombre de photographies inédites en France. Les «　premières œuvres, déjà, témoignent de la sensibilité particulière d’Arbus, au travers de l’expression d’un visage, de la posture d’un corps, du type de lumière ou de la présence particulière des objets dans une pièce ou dans un paysage　».

Adolescente photographe

Diane Nemerov est née à New York le 14 mars 1923 dans une famille Juive aisée d’origine russe. Son père, David Nemerov, dirige Russek’s, magasin célèbre de vêtements en fourrure fondé dans les années 1880 par son beau-père Frank Russek et installé dans la huppée 5^e avenue. Sa mère souffre de dépression. Le frère de Diane, Howard, deviendra poète et père de l’historien Alexander Nemerov.

En 1927, la famille Nemerov se rend en France.

En 1928, Diane est scolarisée dans des écoles progressistes : Ethical Culture School et Fieldston School.

En 1936, elle rencontre Allan Arbus, son ainé de cinq ans, qui travaille dans le service de publicité de Russek’s. Tous deux visitent des expositions au Museum of Modern Art, en particulier celle sur « Walker Evans, American Photographs » (1938).

Diplomée de Fieldston High School en 1940, Diane épouse en 1941 Allan Arbus.

Celui-ci lui offre un appareil photo Graflex 6 x 8. Diane Arbus prend ses premières photos au début des années 1940 et étudie la photographie avec auprès de Berenice Abbott en 1941.

Allan et Diane Arbus « visitent An American Place, la galerie d’Alfred Stieglitz et, parfois lui montrent leur travail. Diane Arbus s’intéressent à ces photographes　: Matthew Brady, Timothy O’Sullivan, Paul Strand, Bill Brandt et Eugène Atget.

En 1942, Allan Arbus s’engage dans l’Armée en 1942 où il est affecté à la division Photographie dans les transmissions. Il part pour Ceylan en 1944.

En 1944, Diane Arbus, «　qui vit dans l’appartement de ses parents, fait des autoportraits avec un Deardorff 13 x 18 pour suivre l’évolution de sa grossesse　». A ses lettres à son époux, elle joint des photos qu’elle découpe dans des magazines, dont certaines des premières photos de mode de Richard Avedon pour Harper’s Bazaar.

Sa fille Doon nait en 1945.

Une carrière de 15 ans

En 1946, le couple Arbus fonde une agence de photographie de mode. David Nemerov les recrute pour réaliser des publicités pour Russek’s destinées à des journaux.

De 1947 à 1951, les photos des Arbus sont publiées par des magazines prestigieux　: Glamour, Seventeen et Vogue. Les goûts littéraires des Arbus les portent vers Platon, Marc-Aurèle, Thomas d’Aquin, Spinoza, Schopenhauer, Kierkegaard, Dostoïevski, Melville, Conrad, Gogol, Donne, Blake, Rilke et Yeats.

En 1951, les Arbus séjournent pendant un an en France, Italie et Espagne.

En 1954, nait leur deuxième fille, Amy. Diane Arbus étudie la photographie auprès d’Alexey Brodovitch.

En 1956, elle utilise essentiellement un Nikon 35 mm et se met à numéroter ses négatifs. Elle met un terme à son partenariat avec son époux.

Entre 1955 et 1957, elle suit les cours de la photographe Lisette Model et se lance sérieusement dans la carrière de photographe. « C’est mon professeur Lisette Model qui m’a finalement fait comprendre que plus on est précis, plus on est général », confie-t-elle.

Dès 1959, Diane Arbus tient des «　carnets de rendez-vous et des notes de travail　». Elle se sépare de son époux, tout en partageant avec lui la chambre noire du studio, et s’installe, avec leurs deux filles à Greenwich Village. Elle rencontre Marvin Israel (1924-1984), peintre, graphiste et ancien directeur artistique de Seventeen. Au « début de leur longue collaboration et amitié amoureuse, ils s’écrivent presque chaque jour　».

Le «　premier essai photographique » de Diane Arbus est publié dans le magazine Esquire en juillet 1960 sous le titre « The Vertical Journey » (Le Voyage vertical).

Harper’s Bazaar, dont Marvin Israel est nommé directeur artistique en 1961, publie en novembre 1961 « The Full Circle » de Diane Arbus. Le magazine Show lui commande un essai photo sur le thème de l’horreur.

Dans le cadre des projets d’Esquire, Diane Arbus photographie «　des culturistes, des concours de beauté, des débutantes, des marginaux, des rassemblements de scouts, des gangs de jeunes, un hôtel condamné de Broadway et ses locataires, un lilliputien russe qui imite Maurice Chevalier, un crématorium pour animaux de compagnie et des membres des « Twenty-Five Men and a Girl », troupe de travestis en tournée dans le cadre d’un spectacle de la Jewel Box Revue　». Elle écrit à Marvin Israel : « J’aimerais photographier tout le monde ».

Diane Arbus travaille de manière irrégulière comme photographe free-lance pour Esquire, Harper’s Bazaar, Show, The London Sunday Times et d’autres magazines, en effectuant des commandes de portraits, de reportages photographiques dont elle écrit parfois les textes.

En 1962, elle débute l’utilisation du Rolleiflex 6 x 6 bi-objectif. Plus tard, elle expliquera qu’elle «　voulait éliminer le grain de ses photos et pouvoir découvrir dans ses images la véritable texture des choses. Le format 6 x 6 va l’aider à définir un style classique, formel, trompeusement simple, qui apparaît aujourd’hui comme l’une des grandes caractéristiques de son travail　». A Los Angeles, Diane Arbus photographie les voyantes des stars pour Glamour. Elle fait la connaissance de John Szarkowski, successeur de Edward Steichen, à la direction du département photographie du Museum of Modern Art de New York.

En 1963 et en 1966, Diane Arbus obtient des bourses Guggenheim pour des projets sur « Les Rites, manières et coutumes de l’Amérique », et photographie un camp familial de nudistes à Sunshine Park (New Jersey).

Pendant plusieurs étés, elle parcourt les Etats-Unis où elle photographies «　toutes sortes de lieux et d’événements – concours, festivals, rassemblements publics ou privés, personnes dans les habits de leur profession, halls d’hôtels, loges d’établissements de spectacle, salons chez des particuliers – qui constituent　» selon elle « les cérémonies formidables de notre temps ». Dan son dossier de candidature, elle écrit　: « Ce sont nos symptômes et nos monuments ». « Je veux simplement les sauvegarder, car ce qui est cérémoniel et curieux et banal deviendra légendaire. »

Des institutions, tels le Museum of Modern Art à New York en 1964, la Smithsonian en 1969 et la Bibliothèque nationale de France en 1970, enrichissent leurs collections permanentes par l’achat de certains de ses tirages.

Diane Arbus débute le tirage de ses photos en format carré avec bords noirs sur papier 28 x 35, et réalise « Familial Colloquies » (1965), portraits d’un parent célèbre avec son enfant adolescent qui sont publiés par Esquire.

En 1966, pour Harper’s Bazaar, Diane Arbus photographie des artistes résidant dans la Big Apple　- Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Frank Stella… - et pour le New York Times Magazine, elle réalise en Jamaïque les photos du Supplément Printemps de la Mode Enfants.

Au Museum of Modern Art (MoMA) à New York, Diane Arbus participe à deux expositions collectives　: «　Recent Acquisitions　» (1965) et « New Documents » (1967) avec Garry Winogrand et de Lee Friedlander et à l’initiative de Szarkowski (Diane Arbus tire certaines de ses photos sur du papier format 40 x 50). Ce prestigieux musée inclut dix clichés de Diane Arbus dans son exposition itinérante « New Photography U.S.A. » (1969).

À la fin des années 1960, Diane Arbus enseigne la photographie dans les Parsons School of Design, Rhode Island School of Design et Cooper Union, puis, en 1971, donne une master class à Westbeth, coopérative d’artistes de New York.

En 1968, Diane Arbus sollicite «　l’autorisation de photographier dans des prisons, des hôpitaux psychiatriques, des résidences pour personnes âgées et des institutions pour arriérés mentaux　».

Avant leur divorce en 1969, Allan Arbus installe une nouvelle chambre noire pour Diane Arbus qui commence ses consultations auprès du Dr Helen Boigon, psychiatre.

Distinguée en 1970 par le prix de l’American Society of Magazine Photographers, Diane Arbus est recrutée par Szarkowski pour rechercher l’iconographie de l’exposition du MoMA sur la photographie de presse. Cette exposition, dont elle avait eu l’idée, a lieu en 1973 au Museum of Modern Art, sous le titre « From the Picture Press ».

Diane Arbus invite Szarkowski à organiser une exposition individuelle sur le photographe Weegee dont elle découvre les archives de 8　000 photos.

Elle emprunte le Pentax 6 x 7 du photographe Hiro et se décide à en acheter un.

En 1970, elle s’établit à Westbeth, coopérative d’artistes à Greenwich Village, et confie huit de ses photos pour l’exposition collective « Contemporary Photographs I » au Fogg Art Museum (1971).

Elle publie un portfolio de dix photographies tirées, signées et annotées par elle, conçu comme le premier d’une série d’éditions limitées de ses œuvres. Richard Avedon, Mike Nichols, Bea Feitler et Jasper Johns achètent chacun un jeu de A box of ten photographs. En mai, Artforum publie des images du portfolio (1971).

Le 11 juin 1971, Diane Arbus photographie à la Maison Blanche le mariage de Tricia, fille du Président Richard Nixon pour le London Sunday Times Magazine.

Elle se suicide le 26 juillet 1971 à l’âge de 48 ans.

Un succès posthume croissant

En1972, les dix photographies du portfolio de Diane Arbus sont la première œuvre d’une photographe américaine à être exposée à la Biennale de Venise.

Par son style et son contenu, l’œuvre de Diane Arbus réalisée lors de sa carrière brève de plus de 15 ans, lui vaut d’être estimée «　aujourd’hui comme l’une des photographes les plus importantes de notre temps, y compris par l’influence qu’elle continue d’exercer　».

En 1972, plus de 250　000 visiteurs se sont pressées à la rétrospective majeure organisée par le MoMA et qui a ensuite circulé dans le reste des États-Unis et au Canada. Accompagnant cette exposition, la monographie Diane Arbus, publiée par Aperture, s’est vendue à plus de 300　000 exemplaires. En plus de ce livre, trois volumes de ses photographies sont régulièrement réédités aux États -Unis : Diane Arbus Magazine Work (1984) et Diane Arbus Untitled (1995) — publiés aussi par Aperture — et Diane Arbus Revelations (Random House, 2003). Aperture vient de publier Diane Arbus: A Chronology, par Doon Arbus et Elisabeth Sussman.

Neil Selkirk, Doon Arbus et Adam Shott ont realisé A slide show and talk by Diane Arbus (1970, 40 minutes). En 2007, Steven Shainberg s'est inspiré de sa vie pour Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus, avec Nicole Kidman et Robert Downey Jr.

Débutée en 2003, la rétrospective internationale « Diane Arbus Revelations » du San Francisco Museum of Modern Art, sillonne les États-Unis et l’Europe entre 2003 et 2006.

De grandes expositions de Diane Arbus ont circulé notamment en Australie, Allemagne, Italie, Nouvelle-Zélande, Espagne, et au Japon, aux Pays-Bas et au Royaume-Uni.

Depuis le 18 octobre 2011, cette rétrospective itinérante a accueilli au Jeu de Paume plus de 156　000 visiteurs, soit une moyenne de 13　000 visiteurs par semaine. Elle sera présentée au Fotomuseum à Winterthur (3 mars – 27 mai 2012), au Martin-Gropius-Bau, Berlin (22 juin – 24 septembre 2012), puis au Foam Fotografiemuseum à Amsterdam (26 octobre 2012 – 13 janvier 2013).

CITATIONS

DIVERS　:

« La chose importante à savoir est qu’on ne sait jamais rien. On tâtonne toujours pour trouver son chemin. »

« Pour moi le sujet est toujours plus important que l’image. Et plus compliqué. Je m’intéresse au tirage, mais ce n’est pas sacré pour moi. Je pense vraiment que l’important, c’est ce que cela représente. Je veux dire qu’il faut que cela représente quelque chose. Et ce que cela représente est toujours plus remarquable que ce que c’est. »

« Rien n’est jamais comme on a dit que ce serait. Ce que je reconnais, c’est ce que je n’ai jamais vu avant. »

« Une photographie est un secret sur un secret. Plus elle vous en dit, moins vous en savez. »

« Je crois vraiment qu’il y a des choses que personne ne verrait si je ne les photographiais pas　».

« Je vois quelque chose qui semble merveilleux ; je vois la divinité dans des choses ordinaires ».

DE PLATON :

« Il y a et il y a eu et il y aura un nombre infini de choses sur terre. Des individus tous différents, souhaitant tous des choses différentes, connaissant tous des choses différentes, aimant tous des choses différentes, ayant tous une apparence différente. Tout ce qui a été sur terre a été différent de toutes les autres choses. C’est ce que j’aime : la différenciation, le caractère unique de toute chose et l’importance de la vie… Je vois quelque chose qui semble merveilleux ; je vois la divinité dans des choses ordinaires. »

- 28 novembre 1939, DISSERTATION SUR PLATON, séminaire d’anglais, Fieldston School

DES RITES, MANIÈRES ET COUTUMES DE L’AMÉRIQUE :

« Je veux photographier les cérémonies formidables de notre temps parce que nous avons tendance, en vivant ici et maintenant, à ne percevoir que ce qu’il y a d’aléatoire et d’aride et d’informe. Pendant que nous regrettons que le présent ne soit pas comme le passé et que nous désespérons qu’il ne devienne jamais le futur, ses habitudes innombrables et hermétiques sont à l’affût d’une signification. Comme une grand-mère qui fait des confitures, je veux les rassembler et les préserver, parce qu’elles auront été si belles.

Il y a les cérémonies qui correspondent à des célébrations (les défilés, les festivals, les fêtes, les rassemblements) et celles qui correspondent à des concours (compétitions, matchs, épreuves sportives), les cérémonies d’achat et de vente, de jeux de hasard, de la loi et du spectacle, les cérémonies de la célébrité où les gagnants gagnent et ou les chanceux sont sélectionnés, les cérémonies familiales ou les rencontres (des écoles, des clubs, des réunions). Puis, il y a les lieux de cérémonie (le salon de beauté, le salon funéraire ou, tout simplement, le salon) et les costumes de cérémonie (ceux que portent les serveuses, ou les catcheurs), les cérémonies des riches, comme l’exposition canine, et celles de classes moyennes, comme les parties de bridge. Ou, par exemple, la leçon de danse, les cérémonies de fin d’études, le dîner en l’honneur d’une personnalité de marque, la séance de spiritisme, le gymnase et le pique-nique, et peut-être la salle d’attente, l’usine, le carnaval, la répétition, l’initiation, le hall de l’hôtel et la fête d’anniversaire. Le « et cetera ».

J’écrirai tout ce qu’il est nécessaire d’écrire pour compléter ces descriptions et élucider ces rites, et j’irai partout où je peux les trouver.

Ce sont nos symptômes et nos monuments. Je veux simplement les sauvegarder, car ce qui est cérémoniel et curieux et banal deviendra légendaire. »

– Proposition pour une bourse Guggenheim, Plan pour un projet photographique,

"American Rites, Manners and Customs" [Rites, manières et coutumes de l’Amérique]

DES PHÉNOMÈNES DE FOIRE :

« Il y une qualité légendaire chez les phénomènes de foire. Comme un personnage de conte de fées qui vous arrête pour vous demander la réponse à une énigme. La plupart des gens vivent dans la crainte d’être soumis à une expérience traumatisante. Les phénomènes de foire sont déjà nés avec leur propre traumatisme. Ils ont déjà passé leur épreuve pour la vie. Ce sont des aristocrates. »

DU DÉCALAGE ENTRE L’INTENTION ET L’EFFET :

« Vous voyez quelqu’un dans la rue et ce que vous remarquez essentiellement chez lui, c’est la faille. C’est déjà extraordinaire que nous possédions chacun nos particularités. Et non contents de celles qui nous ont été données; nous nous en créons d’autres. Toute notre attitude est comme un signal donné au monde pour qu’il nous considère d’une certaine façon, mais il y un monde entre ce que vous voulez que les gens sachent de vous et ce que vous ne pouvez pas les empêcher de savoir. Et cela a un rapport que j’ai toujours appelé le décalage entre l’intention et l’effet. Je veux dire que si vous observez la réalité d’assez près, si d’une façon ou d’une autre vous la découvrez vraiment, la réalité devient fantastique. »

Jusqu’au 5 février 2012
Au Jeu de Paume

1, place de la Concorde. 75008 Paris

Tél. : 01 47 03 12 50

Du mardi au vendredi de 11 h à 21 h, samedi et dimanche de 10 h à 21 h

Visuels de haut en bas　:
Affiche
Enfantavec une grenade en plastique dans Central Park, New York 1962
Copyright © The Estate of DianeArbus

Sans titre (6) 1970–71

Arbre de Noël dans un living-room àLevittown, Long Island, N.Y. 1963

Coupled’adolescents à Hudson Street, New York 1963

Jeune homme en bigoudis chez lui, 20^eRue, N.Y.C.1966

Jeune homme au canotier attendant dedéfiler en faveur de la guerre, N.Y.C. 1967

Les citations sont extraites du dossier de presse.

Articles sur ce blogconcernant :

« Saviv saviv / סביב סביב » de Carole Benzaken

2012-01-27T08:54:00.002+01:00

Le Musée d'art et d'histoire du Judaïsme (MAHJ) présente l’exposition « Saviv saviv / סביב סביב　» (« Autour, autour », Ézéchiel, 37, 2) de Carole Benzaken. Deux œuvres belles mais un peu ésotériques, et　inspirées par les émotions liées à lecture des Récits hassidiques de Martin Buber et un périple en Pologne : Megillah Ben Adam, rouleau qui reprend les quatorze premiers versets du chapitre 37 d’Ézéchiel, et, tout autour de cette vallée des ossements, Saviv saviv, un ensemble de tables lumineuses, où la mort se métamorphose en « vie pulsée et injectée dans des rhizomes d’arbres caducs, système veineux d’où surgit cette vie tout autour ».

« Revenir du bout du monde jusqu’à soi. C’est bien souvent notre histoire personnelle qui guette au coin d’une rue ou d’une image trouvée par hasard. Du Pacifique jusqu’à Paris, pour me diriger vers ce que j’avais fui de toutes mes forces..., une Europe construite sur la pesanteur des non-dits et sur une culpabilité à plusieurs têtes mais sans visage, tissée à l’Est, mais entretenue à l’Ouest »

Sa lecture des Récits hassidiques de Martin Buber, une invitation à exposer à Bielsko-Biala, près de Katowice (Pologne), et «　la révélation, sur place, que le centre d’art est construit sur les cendres d’une synagogue brûlée par les nazis en 1939　». Ces évènements ont bouleversé Carole Benzaken et l’ont amenée à concevoir Saviv saviv (« Autour, autour », Ézéchiel, 37, 2).

« Être si près de la faille, si proche de l’insupportable ».

Carole Benzaken a ressenti «　l’urgence de revenir, de filmer, de travailler, et de terminer le voyage à Auschwitz-Birkenau　».

S’impose à Carole Benzaken, dès son retour à Paris, «　sans cesse devant les yeux la vision du prophète Ézéchiel, la « traversée de la vallée de l’ombre et de la mort, celle des ossements très secs, jusqu’à leur résurrection ». Elle se laisse emporter par le texte, au sein duquel elle transpose des images, sans chercher à l’illustrer　».

Elle «　réalise deux pièces : la Megillah Ben Adam, rouleau qui reprend les quatorze premiers versets du chapitre 37 d’Ézéchiel, et, tout autour de cette vallée des ossements, Saviv saviv, un ensemble de tables lumineuses, où la mort se métamorphose en « vie pulsée et injectée dans des rhizomes d’arbres caducs, système veineux d’où surgit cette vie tout autour ».

« L’exposition au MAHJ est plus qu’une escale sur la route qui me mènera à Bielsko-Biala en 2012 [...]. C’est un projet de vie au-delà de l’apparente fausse victoire de la mort, comme une vallée de larmes qu’il me fallait arpenter pour rendre visible cette espérance qui fait encore aujourd’hui défaut dans le spectacle du monde, et la saisir ainsi lovée dans le creux des images », déclare cette artiste née en 1964 à Grenoble, diplômée de l’Ecole des Beaux-Arts de Paris.

Distinguée par de nombreux Prix – Prix Marcel Duchamp (2004) - , Carole Benzaken a exposé au Centre Pompidou (2002, 2009), dans des galeries en France, Suède, Grande-Bretagne, aux Etats-Unis, au Japon...

Elle a exploré et mêlé dans certaines réalisations la peinture, la photographie (Diana’s Funeral), la vidéo, la lithographie, le vitrail pour l’église de Varenne Jarcy (Ile-de-France), la frise… dans une œuvre conjuguant la vie personnelle et l’histoire, immédiate ou plus ancienne, retravaillant à l’acrylique des images télévisuelles confinant parfois à l’abstraction ou à une réalité figurative éclatée.

Jusqu’au 5 février 2012
Au Musée d'art et d'histoire du Judaïsme Hôtel de Saint-Aignan
Espace d’expositions temporaires, 1^er étage
71, rue du Temple. 75003 Paris

Tél. : (33) 1 53 01 86 60

Lundi, mardi, jeudi, vendredi de 11 h à 18 h, mercredi de 11 h à 19 h 30 et dimanche de 10 h à 18 h

Visuel
Carole Benzaken Megillah Ben Adam
Extrait

2010-2011

30 x 0,26 m

Dessins numérisés sur toile

Articles sur ce blogconcernant :

Affaireal-Dura/Israël

Emilie Adams, peintre, photographe et décoratrice d'intérieur

2012-01-26T07:06:00.002+01:00

Emilie Adams a abordé la peinture sur cuir repoussé, d’aquarelles, de pastels et de photos numériques retravaillées. Toutes œuvres élégantes, délicates, fines et aux inspirations parfois Juives. Photographe spécialiste du multimédia, Emilie Adams vient de lancer Ambiance Vocation qui « allie création artistique et décoration d’intérieur pour créer des espaces de vie harmonieux » pour les professionnels et les particuliers, collectionneurs ou amateurs.

A l’âge de trois ans, Emilie Adams, a « dessiné d’un trait de crayon un chien ». C’est l’indication d’une vocation précoce.

Emilie Adams a pratiqué diverses activités artistiques　dont la peinture sur soie, la calligraphie, le lavis et la pyrogravure.

Elle a choisi une voie professionnelle autre : de la gestion, elle a évolué vers la direction d’une agence de marketing et communication multimédia où sa fibre artistique peut s’exprimer. Ce qui lui permet aussi d’aller « au-delà des deux dimensions ».

Parallèlement, elle a exposé dans les Salons des artistes français, des Indépendants et dans des galeries.

Par l’aquarelle, qu’elle affectionne pour la transparence, Emilie Adams est allée vers les couleurs et les nuances.

Et c’est en s’initiant à la reliure d’art qu’elle trouve avec le CNRS (Centre national de la recherche scientifique) un fixatif afin que ses couleurs préservent le support dans le temps.

Elle allie ainsi la gravure à chaud, la peinture rehaussée de fils d’or dans le respect du grain du cuir.

Ses œuvres s’insèrent dans plusieurs séries : « Jérusalem », « Le judaïsme » (tables et symboles de fêtes), « Les saisons » et les « Fleurs » en aquarelles (« Bouquet diaphane ») ou en photographies numériques.

Emilie Adams photographie au zoom, et dans le mouvement, dans l’inspiration, dans l’indépendance, en une suite logique, elle retravaille ses clichés numériques qu’elle édite en nombre limité sur du papier d’Arches.

On peut trouver deux liens familiaux à son art : son père photographe amateur développait chez lui ses clichés en noir et blanc et son oncle est le peintre brésilien Alberto Massuda.

Emilie Adams excelle à représenter la lumière blanchâtre de l’hiver ou éblouissante de la Jérusalem estivale. Chez elle, les saisons personnalisées sont élancées, parfois fondues dans une nature exubérante.

Son sens des couleurs et de la pose est affirmé. Et l’harmonie, la douceur et la quiétude règnent.

Emilie Adams adapte aussi ses œuvres en de tendres cartes de vœux sur papier ou animées pour internet. Avis aux amateurs !

Emilie Adams « puise son inspiration dans les fleurs, la nature, l’imaginaire et ses créations vont du figuratif à l’abstrait, avec délicatesse et légèreté, puissance et sérénité ».

Emilie Adams a développé un concept de décoration. Uniques ou éditées en nombre limité, « toujours numérotées et signées par leur créatrice, ces œuvres originales peuvent être travaillées sur différents types de supports, traditionnels ou contemporains, toujours en adéquation et en harmonie avec le décor, qu’il s’agisse de lithographies, toiles, panneaux lumineux, textiles, plexi… »

Emilie Adams crée aussi « sur commande des œuvres exclusives, en réponse aux souhaits spécifiques des designers, particuliers ou professionnels ».

Murs, vitres, rampes d’escaliers… Emilie Adams les décore en « sur-mesure », les pare, les cache ou les rehausse, les insère par des photographies numérisées aux motifs divers dans un décor plus humanisé.

Certaines de ses créations sont visibles sur son site http://www.ambiance-vocation.com/
Contact　: emilie@ambiance-vocation.com

Oeuvres d'Emilie Adams de haut en bas :
- La femme en rose
- Fleur de charme
- Kiddouch
- Parc Monceau
- Automne (oeuvre sur cuir)

Cet artice a été publié en une version plus concise par Guysen.

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Il ou elle adit...
Judaïsme/Juifs
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Repaires Repris, exposition et livre

2012-01-25T08:24:00.000+01:00

La galerie Saphir présente l'exposition éponyme consacrée aux 19 oeuvres du peintre Vladimir Kara illustrateur de trois plaquettes de poèmes (Judaïca, Suite Judaïque, Repères) publiées en 1964, 1968 et 1969 et rééditées et au récital de Lucienne Deschamps qui interprète notamment des poèmes de Repaires repris d'Elie Szapiro. Finissage le 29 janvier 2012 de 17 à 20 heures (cocktail).

Dans la tradition de l’Ecole de Paris, Vladimir Kara a quitté sa Russie natale pour la France où il s’installe en 1984.

Autre tradition revendiquée : la collaboration comme scénographe – créateur des décors et costumes - de ballets de jeunes chorégraphes.

La rétrospective à l’Institut français de Florence (Italie) consacrée à ce peintre en 2003 a couronné un talent confirmé. Une galerie florentine l’expose de manière permanente.

Aux Beaux-Arts de Moscou, on enseignait à peindre à l’huile, sur la toile, et dans une perspective politique. Eh bien, Vladimir Kara s’affranchit partiellement de cet enseignement dont il apprécie l’apprentissage de la technique : il choisit l’acrylique, sur bois, et affirme son attachement au figuratif à l’aube du XXIe siècle.

En 2003, à la galerie Dima, ses tableaux, parfois monochromatiques (« Chir »), révélaient des cernes foncés ou des halos soulignant les formes, et des fonds très travaillés. Plus que l’absence de perspectives, ce qui caractérisait le style de M. Kara est plutôt la mise des êtres et des objets sur un plan, vertical, la distorsion des tailles des éléments d’une composition soignée et l’expressivité des regards… Ce peintre russe s’attachait à la fusion entre les personnages et la Nature, dans des œuvres exprimant un judaïsme en filigrane.

Dans le cadre de l’année de la Russie en France, la galerie Saphir a présenté début 2011 une exposition sur 17 tableaux récents du peintre Vladimir Kara en un dialogue harmonieux avec neuf sculptures et masques africains.

A la galerie parisienne Saphir, ce peintre dresse un bilan de son activité créatrice depuis les trois dernières années au cours desquelles il est lié à la galerie Saphir, « de France en Israël, d’Italie en Arménie via son illustration du recueil de poèmes Ce corps vivant de moi de Rouben Mélik (1921-2007), poète français né dans une famille d’orfèvres arméniens.

Ses œuvres picturales présentent une parenté stylistique harmonieuse avec des sculptures africaines. Toutes nouent de jolis accords intimes, expriment des résonnances convergentes et des styles proches.

Silhouettes élancées et fines, presque étirées, soulignées par de longs drapés... Tels sont les personnages élégants, masculins et féminins, peints par Vladimir Kara. Leurs regards ne se croisent qu’exceptionnellement. Comme si une ressemblance physique ne s’accompagnait pas d’une proximité affective. Le témoignage d’une solitude.

Cet artiste a choisi sur une palette chromatique réduite à quelques couleurs : noir, blanc, gris, rouge ponctués d’ocres. Et son trait fait penser à celui des Grecs antiques ou à celui des illustrations orientales.

En septembre 2011, dans le cadre des Journées européennes de la culture et du patrimoine Juifs, la galerie Saphir a présenté l'exposition « Patrimoine et modernité : l’ère du numérique » consacrée au peintre Vladimir Kara et au vidéaste et plasticien David Liver. Une « exposition lumineuse » et « dans laquelle se jouent des combinaisons inédites sur le thème des lumières ». Vladimir Kara « préparait l’édition d’un nouveau livre illustré, explore sur un mode toujours résolument figuratif le champ des objets, des gestes et des symboles par lesquels hommes et femmes, dans le judaïsme, apprivoisent et s’approprient la lumière, dans les différentes vocations patrimoniales de celle-ci ».

Quant à David Liver, ce vidéaste et plasticien de renommée internationale propose « des dessins qui restent dans le champ d’une expression graphique relativement traditionnelle et, véritable nouveauté dans cette galerie, une présentation animée, sur écran vidéo, des relations profondes de l’être juif avec la lumière, en particulier celle du Shabbat ».

En 2011, la galerie Saphir publie Repaires Repris, un magnifique recueil de poèmes illustré par Vladimir Kara, « Judaïca » ( 1ère édition 1964), « Suite Judaïque » ( 1ère édition 1968) et « Repères » (1ère édition 1969).

Ces poèmes avaient alors été publiés sous le nom d’Elie Benacher. Leurs thèmes : la Shoah, l’Espagne, Paris et l’amour.

Le 29 janvier 2012, jour du finissage, ce livre sera exceptionnellement en vente au prix de souscription (28 euros au lieu de 35 euros).

Elie Szapiro, Repaires Repris. Éditions Galerie Saphir. Novembre 2011. 80 pages grand format

Repaires repris
Jusqu'au 31 janvier 2012

A la Galerie Saphir

69, rue du Temple, 75003 Paris

Tél. : 01 42 72 61 19

Du dimanche inclus au jeudi de 13 h à 19 h, le vendredi sur rendez-vous

Vernissage le 4 décembre 2011 de 17 h à 20 h

Finissage le 29 janvier 2012 de 17 à 20 heures (cocktail)

« Patrimoine et modernité : l’ère du numérique »

En septembre 2011

A la Galerie Saphir

69, rue du Temple, 75003 Paris

Tél. : 01 42 72 61 19

Du dimanche inclus au jeudi de 13 h à 19 h, le vendredi sur rendez-vous

Vernissage le 18 septembre 2011 de 17 h à 20 h

Frontières nomades

Jusqu’au 20 janvier 2011

A la Galerie Saphir

69, rue du Temple, 75003 Paris

Tél. : 01 42 72 61 19

Du dimanche inclus au jeudi de 13 h à 19 h, le vendredi sur rendez-vous

Visuels :
Vladimir Kara
Lumière bleu
acrylique sur bois
100x70

David Liver

Lumière
encre des chine sur papier
100x70

Articles sur ce blog concernant :
- Culture
- France
- Judaïsme/Juifs, notamment sur les Juifs en Afrique :

Interview de Bat Ye’or sur la dhimmitude

Interview de David G. Littman et de Paul B. Fenton sur « L’exil au Maghreb, la condition juive sous l’islam 1148-1912 »

« Le Maghreb sous la croix gammée » de Bill Cran et Karin Davison

Alfred Nakache, le nageur d’Auschwitz

« La lettre de mon père, une famille de Tunis dans l’enfer nazi » de Frédéric Gasquet

« Juifs du Congo, la confiance et l’espoir » de Moïse Rahmani

et sur les Juifs de Russie :

Sainte Russie, l'art russe, des origines à Pierre le Grand

Les Russes à Paris - Le musée d’art moderne invite le musée Galliera

Cet article a été publié en janvier 2011 et modifié le 22 janvier 2012.

« L’Empereur de l’Atlantide », de Viktor Ullmann et Peter Kien

2012-01-24T07:22:00.000+01:00

« L’Empereur de l’Atlantide ou La mort vaincue » (Der Kaiser von Atlantis) est une œuvre entre opéra et cabaret dont la musique est signée Viktor Ullmann et le livret Peter Kien, deux artistes d'origine Juive ou Juif. Elle a été écrite en allemand en 1943, dans le camp de concentration de Theresienstadt (Terezin). Elle reste inachevée : victimes de la Shoah (Holocaust), ses auteurs sont morts au camp d’Auschwitz en 1944. Cet opéra a été joué pour la première fois en 1975 à Amsterdam (Pays-Bas), et rarement réinterprété. Dans le cadre du festival Des orchestres pour la mémoire-~~Musiques interdites~~ (27 janvier-7 février 2012) organisé à l'initiative du Forum des Voix étouffées, il sera représenté, avec l'Ode à Napooléon d'Arnold Schönberg, le 27 janvier 2012 à l’auditorium de la Cité de la musique et de la danse (Strasbourg), et le 29 janvier 2012 à l'auditorium Antonin Artaud (Ivry-sur-Seine).

L’action de l’Orchestre des Pays de Savoie, du Forum des Voix étouffées, de l’association des Amis de la musique juive, du Cercle d'études historiques du Marais et de leurs partenaires vise à faire (re)connaître, par colloques et spectacles, les artistes persécutés, souvent assassinés, par les Nazis, afin que leurs créations ne soient pas ensevelies par l’oubli.

L'argument
L’argument de « L’Empereur de l’Atlantide », opéra en un acte et quatre tableaux : « Arlequin, incarnant le principe de la vie, et la Mort se plaignent de cette époque malheureuse dans laquelle ils n’ont plus de place. Les hommes ne savent plus sourire et ne respectent même plus la mort » ((H.G. Klein, Decca, 1994). L’Empereur édicte un décret imposant la guerre entre ses sujets. Vexée, « la Mort se venge en brisant son épée : les hommes ne pourront plus mourir » (ibid). Abasourdi, l’Empereur constate que les exécutions publiques deviennent inutiles : « Les prisonniers restent en vie. L’empereur s’attribue auprès de ses sujets ce bienfait : l’octroi de la vie éternelle. La guerre générale. Nul ne se bat plus puisque l’on ne peut plus se tuer. Un soldat et une jeune fille se retrouvent comme des êtres humains dans la compassion et l’amour ». L’anarchie s’étend. « Arlequin fait ressurgir les souvenirs d’enfance de l’Empereur, qui devient fou. La Mort promet de délivrer le peuple de toute souffrance si l’Empereur est prêt à mourir le premier. L’Empereur accepte » (ibid).

Le prologue de cet opéra présente les personnages et leurs motifs. Dans son épilogue, « la Mort délivre les hommes de la souffrance ».

Ses auteurs : le librettiste Viktor Ullmann (1898-1944) et l’écrivain-dessinateur Frantisek Peter Kien (1919-1944).

Ullmann est né à Taschen, alors ville autrichienne. A Vienne, en 1918-1919, il suit notamment les cours de composition de Schoenberg. Il débute à l’automne 1920 comme chef de chœur et corépétiteur au Neues Deutsches Theater de Prague. En 1929, il obtient son premier succès international avec une œuvre pour piano les « Schoenberg-Variationen ».

Il découvre l’anthroposophie fondée par Rudolf Steiner (1861-1925). « [L’anthroposophie est] la « conscience de son humanité ", [il s’agit d’] éduquer sa volonté, [de] cultiver la connaissance, vivre le destin de son temps afin de donner à son âme une orientation de conscience, une sophia [Ndlr : sagesse] », déclarait Steiner en 1923.

Ullmann se passionne tant pour ce mouvement qu’il dirige de 1931 à 1933 une librairie à Stuttgart spécialisée dans ce genre d’ouvrages. En 1933, à l’arrivée des Nazis au pouvoir, il se réfugie à Prague.

Là, il travaille comme professeur et critique musical. Son talent de compositeur lui vaut le Prix Emil Hertzka en 1934 et 1936. En 1938 est créé son deuxième quatuor à cordes au festival de Londres.

En mars 1939, les Nazis occupent la République tchèque. Malgré les restrictions et les persécutions, Ullmann poursuit sa création. « Sur la cinquantaine d’œuvres qu’il compose avant sa déportation à Theresienstadt en septembre 1942, seules 18 ont été conservées, dont deux opéras non encore montés à ce jour, le « Dyonysiaque », concerto pour piano opus 25, quatre sonates pour piano et plusieurs cycles de lieder ».

Quant à Frantisek Peter Kien, il est né à Varnsdorf. Il étudie les Beaux-Arts à Prague et devient à 19 ans professeur dans la prestigieuse Ecole des Beaux-Arts de cette ville. Le 4 décembre 1941, il est interné avec sa femme Ilse.

Entre parodie et anthroposophie

« Der Kaiser von Atlantis » ou « La mort vaincue », « légende « tragique et grotesque, est composée au camp de Terezin (nom tchèque) ou Theresienstadt (nom allemand), « camp-modèle » instauré par les Nazis et formé du ghetto et d’une terrible forteresse-prison. Théâtre d'une vie culturelle intense, c’est l'antichambre dès octobre 1941 des camps d’extermination.

En 1942, les occupants de la ville sont évacués. Y demeurent et y affluent les déportés essentiellement juifs. « Les autorités nazies transfèrent l’administration du ghetto au Conseil des Anciens, organe dirigeant de l’administration juive dont la marge de manœuvre est infime, pour se consacrer à l’organisation des « transports ». Les internés doivent travailler de 10 à 12 heures par jour dans des conditions de sous-alimentation chronique » et d’absence d’hygiène, ce qui cause le développement des maladies et la mort de dizaines de milliers de déportés. Fin 1943, débutent les travaux d’embellissement destinés à tromper le Comité international de la Croix-Rouge dont une visite est prévue en 1944. Sur environ 140 000 déportés – dont 70 000 vieillards, plus de 10 000 enfants - à Terezin, plus de 80 000 sont transférés vers les camps d’extermination.

Viktor Ullmann, Gideon Klein, Pavel Haas et Hans Krasa forment le quatuor des auteurs les plus prolifiques du ghetto de Terezin, l’art étant conçu comme activité créatrice et forme de résistance au nazisme.

Viktor Ullmann écrit environ 25 œuvres entre 1942 et 1944, crée « un « studio pour la musique nouvelle » destiné à faire jouer des œuvres contemporaines et notamment celles composées dans le ghetto, met en place le « Collegium musicum » axé sur la musique baroque et écrit 26 critiques de concerts ». Son œuvre majeure reste « L’Empereur de l’Atlantide ».

Membre du Bureau de dessin, Frantisek Peter Kien se consacre à la poésie et à l’écriture avec le livre de cet opéra auquel participe Viktor Ullmann. Déporté à Auschwitz le 16 octobre 1944, il y périt. De son activité au ghetto, subsistent environ 350 dessins, généralement des portraits.

Les auteurs de « L’Empereur de l’Atlantide » multiplient les identifications entre l’Empereur et Hitler, par exemple « Ullmann caricature l’hymne nazi « Deutschland über alles » quand le tambour énumère les titres de l’Empereur ». Ils stigmatisent l’oppression nazie, en élargissant leur propos à un message plus universel, humaniste, empreint d’humanisme, inspiré par les idées de Rudolf Steiner.

Le régime nazi apparaît aussi dans la dénonciation de la propagande, la bureaucratie d’un régime totalitaire soumis au pouvoir et tuant les êtres humains de manière planifiée, industrielle.

Cet opéra est emblématique de la création réalisée avant l'anéantissement concentrationnaire. Il offre « une réflexion vertigineuse sur la finitude humaine ».

Le livret « tient à la fois du conte philosophique, du pamphlet surréaliste et du théâtre de tréteaux ». Le style de « Der Kaiser von Atlantis » est composite, à la confluence de Kurt Weill (présence du banjo et du saxophone), Gustav Malher, Bach, Schoenberg, Mendelssohn et Joseph Suk, de la polyphonie et du jazz. Son rythme est soutenu. Sa conception adaptée aux instruments disponibles – Ullmann songe à treize instruments, dont le piano, l’orgue - et des instrumentistes vivant dans ce camp. La formation de l’orchestre calquée sur le modèle de celles de l’Ecole de Vienne.

Sa date ? A la fin de l’air d’adieu de l’Empereur, est mentionnée la date du 13 janvier 1944. Cette partition reste inachevée, comme si Ullmann avait souhaité compléter son travail pendant les répétitions.

Prévues à la maison Sokolovna à l’automne 1944, les répétitions sont partiellement annulées. Décision des autorités du ghetto, allemandes ou juives, prenant conscience du contenu satirique de l’ouvrage ? Déportations en masse vers Auschwitz en octobre 1944 ? Arrêt des répétitions par les artistes craignant de susciter des représailles de SS en colère ?

Un opéra sauvé des camps de concentration

Pressentant son départ imminent, Ullmann confie les manuscrits de ses œuvres à un autre prisonnier, Emil Utitz, le priant, s’il ne revenait pas, de les donner à Hans-Günther Adler, un ami pragois.

C’est donc chez le fils d'Adler que le chef d’orchestre britannique Kerry Woodward trouve en 1972 la partition de cette œuvre « empreinte d’humanisme et de tragédie, qui fait référence à la mort en tant que libération et paradoxalement à la Commedia dell’Arte en tant que désespoir ». Il en réalise la première version exécutable et la dirige pour la première fois à Amsterdam, trois ans plus tard.

Cette oeuvre inachevée d'une heure et huit minutes a été présentée les 10 et 11 janvier 2006 à Chambéry, puis lors d’une tournée de six représentations en région Rhône-Alpes en janvier et février 2006. L’Orchestre des Pays de Savoie, la Compagnie l’Opéra-Théâtre et les Chœurs et Solistes de Lyon-Bernard Tétu ont permis de redécouvrir « Der Kaiser von Atlantis » placé sous la direction musicale de Graziella Contratto et mis en scène par André Fornier. A noter que ceux-ci ont présenté l’œuvre avant des représentations.

Un extrait de « L’Empereur de l’Atlantide » a été interprété lors du concert Entartete Musik I Mélodies exilées à Genève, le 7 novembre 2010, par l’association des Amis de la musique juive dans le cadre de la programmation In memoriam la musique « dégénérée ».

L'association (Amis de la musique juive) AMJ présente en 2010 et 2011 une série de concerts « pour rendre hommage à tous les musiciens bannis, emprisonnés, déracinés ou assassinés par le régime nazi », et stigmatisés lors de l'exposition Entartete Musik (Musique dégénérée) à Düsseldorf, en mai 1938.

Le 13 avril 2011, cet opéra a été représenté au Mémorial de la Shoah dans le cadre de La musique contre la Barbarie. Il est organisé par le Forum des Voix étouffées et le Cercle d'études historiques du Marais.

Au programme : Lim Chae Wook, baryton, accompagné au piano par Daniel Navia, interprétera des extraits de l'opéra de Viktor Ullmann, L'Empereur d'Atlantide, et des airs de Erich Korngold, Gustav Mahler et Pavel Haas. Les commentaires ont été assurés par le chef d'orchestre et compositeur, Amaury du Closel et Shmuel Lemarteleur.

Le27 janvier 2012 à 20 h

A l’auditorium de la Cité de la musique et de la danse
1,place Dauphine, 67000 Strasbourg
et
le 29 janvier 2012 à 16 h
A l'auditorium Antonin Artaud
152, avenue Danielle Casanova, 94200 Ivry-sur-Seine
Renseignementset réservation au Forum des voix étouffées ou au06 99 82 91 16
EnsembleVoix Etouffées, direction Amaury du Closel
AssafLevitin, baryton
SilviaVadimova, soprano
CamilleSlosse, soprano
Pierre-YvesPruvot, baryton
MouradAmirkhanian, baryton
SébastienObrecht, ténor
VincentOrdonneau, ténor

Le 13 avril 2011 à 16 h
Au Mémorial de la Shoah
17, rue Geoffroy l’Asnier, 75004 Paris
Informations et pré-ventes sur le site de Mémoires Juives
Extrait et analyse de l'oeuvre (1h08) sur le site du Mémorial de la Shoah

Le dimanche 7 novembre 2010 à 17 h
Conférence-concert Entartete Musik I Mélodies exilées par l’association des Amis de la musique juive dans le cadre de la programmation In memoriam la musique « dégénérée »
A la Salle des Abeilles, 2 rue de l'Athénée - Genève

Richard Cole - musicologue
La Compagnie Joy of Music (Genève)
Paul Hess - piano
projet conçu par Rachel Székely
Airs et mélodies de compositeurs - juifs, communistes, « modernistes », anti-nazis - mis au pilori, interdits et contraints à l’exil par le régime nazi : Ernst Krenek, Paul Hindemith, Arnold Schönberg, Erich Wolfgang Korngold, Hanns Eisler, Kurt Weill…
Programme sur le site des AMJ

Visuel disque : © Decca / Bill Brandt - Hulton-Deutsch Collection

A lire sur ce site concernant la Shoah :
Chrétiens
Culture
France
Il ou elle adit...
Judaïsme/Juifs
Shoah (Holocaust) notamment :Evènement
La conférence islamiquement correcte de lancement du projet Aladin
Mon interview par Radio Chalom Nitsan le 25 mars 2010

Expositions
Photos ensevelies du ghetto de Łódź – Henryk Ross
Felix Nussbaum, Osnabrück, 1904-Auschwitz, 1944
Alfred Nakache, le nageur d’Auschwitz
Filmer les camps, John Ford, Samuel Fuller, George Stevens de Hollywood à Nuremberg
La Splendeur des Camondo de Constantinople à Paris (1806-1945)
Hommage au peintre Ben-Ami Koller
« Hélène Berr, une vie confisquée »
La solidarité juive, 200 ans d’action sociale, du Comité de bienfaisance israélite de Paris à la Fondation Casip-Cojasor
TIM
Heroes, Freaks and Super-Rabbis. The Jewish Dimension of Comic Art
Izis, Paris des rêves
Le peintre Charles Lapicque (1898-1988)
La dame du Jeu de Paume, Rose Valland sur le front de l'art

Films
« Auschwitz, premiers témoignages » d’Emil Weiss
« Quand les nazis filmaient le ghetto » de Yael Hersonski
« Enfants de l’Holocauste – Le refuge de Blankenese » de Raymond Ley
« Max Windmüller, histoire d’un résistant Juif » d’Eike Besuden
« Sous le chapiteau des Pauwels » d’Agnès Bensimon
« Les otages d’Entebbe - Le combat d’Israël contre le terrorisme » de Thomas Ammann
« La croix gammée et le turban, la tentation nazie du grand mufti » de Heinrich Billstein
« La Croix-Rouge sous le IIIe Reich, histoire d’un échec » de Christine Rütten
« Le Maghreb sous la croix gammée » de Bill Cran et Karin Davison
« Ronald Reagan, l'enfance d'un chef » d’Antoine Vitkine

Livres
« La lettre de mon père, une famille de Tunis dans l’enfer nazi » de Frédéric Gasquet
Heroes, Freaks and Super-Rabbis. The Jewish Dimension of Comic Art
« Un devoir de mémoire » de Michel Gurfinkiel
« Sur le chemin de la nature enfouie » de Jean-Claude Snyders
« Je veux revoir maman » d’Alain Vincenot
« Les larmes de la rue des Rosiers » d'Alain Vincenot
« Une amitié espagnole » d’Ilan Greilsammer
L’affaire Finaly (1945-1953)
« Retour à Auschwitz » de Daniel Gauthier

Musique
Darius Milhaud et sa musique, de la Provence au monde
Radical Jewish Culture, scène musicale New-York
« La force de la musique, la famille Wallfisch » de Mark Kidel
« Alma Rosé : Ne m’oubliez pas, s’il vous plaît » d’Edward Arckless
« Menahem Pressler, la note consolatrice » d’Emmanuelle Franc
« Ima ou la mère dépossédée » de Serge Kaufmann

Cet article a été publié par Guysen, puis sur ce site le 5 novembre 2010 et modifié la dernière fois le 22 janvier 2012

L'extradition française à « géométrie variable » ?

2012-01-23T07:52:00.002+01:00

Au matin du 16 septembre 2011, Lee Zeitouni, professeur israélienne dans un cabinet de Pilates (méthode de remise en forme proche du yoga) âgée de 25 ans, est mortellement renversée à Tel-Aviv par une voiture 4 x 4 roulant à vive allure. Le chauffeur et le passager – tous deux Français Juifs – de cette automobile ont alors fui, sans porter secours à la victime et sans alerter les secours. Ils sont rapidement rentrés en France. La famille de la jeune victime a demandé l’extradition des deux suspects, Claude Khayat (32 ans) et Eric Robic (38 ans), afin qu’ils soient jugés en Israël. Les deux suspects et les autorités françaises ont refusé　: la France n’extrade pas ses ressortissants hors de l’Union européenne (UE). Un légalisme auquel la France a fait des entorses dans un passé récent et une absence « peu compréhensible » de convention d'extradition entre les deux Etats sur laquelle le député Claude Goasguen (UMP) a attiré l'attention d'Alain Juppé, ministre des Affaires étrangères le 18 janvier 2012. Article mis à jour au 28 janvier 2012.
　

Les accidents de la circulation sont un fléau en France et en Israël.

Ce matin du 16 septembre 2011, l’accident dont a été victime Lee Zeitouni, une jolie « jeune femme qui ne souhaitait que vivre » selon les termes de l’avocat de sa famille Me Gilles-William Goldnadel, n’est pas un énième ou banal accident routier, et aurait pu être évité si le conducteur chauffard avait conduit prudemment.

Un accident « hit and run » (renverse et file)

Alors qu’elle se rendait à son travail à Tel-Aviv ce matin du 16 septembre 2011, Lee Zeitouni, a été mortellement percutée sur un passage piétons, à un feu rouge, par une automobile qui a pris la fuite. Des témoins affirment que cette voiture roulait à vive allure.

Sans alerter les secours, les deux suspects, Eric Robic et Claude Khayat, ont pris précipitamment l’avion pour rentrer en France.

La famille Zeitouni et Roy Peled, fiancé de Lee Zeitouni, ont réclamé que justice soit rendue en Israël, lieu de cet accident mortel. Ce que refusent les deux suspects.

En octobre 2011, le Comité de la Constitution et de la loi de la Knesset a approuvé une proposition de loi sanctionnant sévèrement les auteurs d’accidents de la circulation ayant pris la fuite (hit and run accidents) : la peine maximale pour fuite sera portée de sept à 14 ans, et les passagers du véhicule s’étant abstenus de rapporter l’accident seront condamnés à une peine d’emprisonnement égale à la moitié de celle du conducteur. Cette proposition de loi est consécutive à deux crimes　«　hit and run　» : ceux de Lee Zeitouni et de Shneor Cheshin, fils du précédent président de la Cour suprême de Justice et cycliste mortellement renversé par Tal Mor, qui conduisaseit sous l’emprise de l’alcool et de drogue.

Le 24 octobre 2011, le ministère français des Affaires étrangères a assuré de la mobilisation des autorités françaises «　pour que justice soit faite dans le drame qui a coûté la vie à Lee Zeitouni. Les contacts entre les autorités françaises et israéliennes n’ont pas cessé depuis les premiers jours et restent étroits. A la suite de la transmission récente d’une commission rogatoire internationale par le ministère israélien de la Justice, un juge d’instruction français a été immédiatement saisi par le procureur de Créteil. Les autorités judiciaires françaises sont pleinement mobilisées pour que les investigations demandées soient rapidement exécutées, en coopération avec les autorités israéliennes et conformément à leurs demandes　».

La famille Zeitouni et Roy Peled ont sensibilisé l’opinion publique via le comité Justice for Lee, via Facebook, par diverses manifestations　: lors de la visite de Bertrand Delanoë, maire de Paris, à Tel-Aviv le 27 novembre 2011, lors d’un rassemblement le 8 décembre 2011 au cours duquel Richard Prasquier et Meyer Habib, respectivement président et vice-président du CRIF (Conseil représentatif des institutions juives de France), ont exprimé leur «　dégoût de l’attitude cynique des auteurs de l’accident　», pendant le concert de Patrick Bruel du 28 décembre 2011 à Tel-Aviv en brandissant des panneaux « Justice pour Lee » en français et en hébreu… Une pétition Justice for Lee a recueilli 119 signatures.

Le 15 décembre 2011, Richard Prasquier, président du CRIF, a écrit : « La France, en effet, comme les autres pays européens, n’extrade pas ses nationaux pour un délit ou un crime commis à l’étranger, sauf s’il s’agit d’un pays appartenant à l’Union européenne. En revanche, une extradition est possible s’agissant de personnes qui ne seraient pas des citoyens nationaux, en visite dans un pays tiers… Il y a peu de chances que cela survienne désormais, car les avocats des suspects connaissent leur métier　».

Et d’ajouter : « Le fait que l’un d’entre eux arguerait de sa pratique religieuse comme si c’était un viatique ne rend pas son attitude moins abjecte, bien au contraire...

Il faut faire confiance à la justice française qui agit en fonction de ses normes propres… La justice française attend d’être mise officiellement en action, ne pouvant se saisir d’elle-même de ce dossier… Nous devons apporter à la famille de Lee Zitouni l’expression de notre soutien unanime… La pratique du « hit and run » (paga ou barach) se répand malheureusement, en Israël comme dans beaucoup d’autres pays. Est-ce la manifestation de sociétés où le laxisme, les facilités matérielles, la promotion de soi aux dépens du collectif et le relativisme ambiant finissent par oblitérer chez un nombre croissant de personnes le sens de la responsabilité morale ?　»

Dans un communiqué, l’ambassade de France en Israël a précisé　: « Le Président de la République [a] déjà donné les instructions les plus claires pour que les procédures d'entraide judiciaire en France soient mises en œuvre de façon prioritaire et que toute requête israélienne soit traitée avec la plus grande célérité ».

Lors d’une conférence de presse le 29 décembre 2011, les trois avocats des deux suspects – Mes Michel Apelbaum, Joseph Cohen-Sabban et Françoise Cotta - ont évoqué le comportement lâche de leurs clients «　pétris de remords et de regrets　» qui «　ont parfaitement conscience de la gravité des faits　», qui craindraient pour leur vie et de ne pas bénéficier d’une «　justice équitable　» en Israël.

Ils ont allégué que leurs clients encourent une peine d’emprisonnement de même durée dans les deux pays, soit dix ans. Or, les juristes contactés par Haaretz estiment que les deux suspects encourent une peine maximale de sept ans en France, dont peut-être une grande partie assortie de sursis, contre 20 ans en Israël.

« Je peux vous dire que je suis plus que favorable au fait qu'ils soient en France et qu'ils soient protégés par la non-extradition. Parce que ça prend des proportions qui font qu'en Israël, c'est évident qu'ils ne bénéficieraient d'aucune des garanties de la défense. Ils sont menacés de mort tous les jours », a déclaré Me Françoise Cotta sur RMC.

Me Joseph Cohen-Sabban a allégué un sentiment anti-français en Israël. Eric Robic projetait de «　s'installer en Israël pour y travailler dans l'immobilier. Or, selon lui, les Israéliens se plaignent que les Français fassent monter les prix dans la capitale ».

« Dès qu’ils sont arrivés en France, nous avons écrit au ministre de la Justice en France pour dire qu’ils attendaient un appel d’un juge français pour assumer ici leur responsabilité　», a déclaré Me Michel Apelbaum, avocat d’Eric Robic, à Haaretz.

Selon Le Parisien qui cite une «　source judiciaire », les avocats des deux suspects « ont toujours refusé de préciser leur localisation et la juge d'instruction a dû mener des investigations pour déterminer leur adresse effective qui ne se trouve pas dans le Val-de-Marne », et l'un des suspects « changeait beaucoup » d'adresse. Les suspects « auraient très bien pu aller déposer spontanément à la police, mais ils ont préféré lâcher des informations, par bribes, par petites touches et toujours par le biais de leurs avocats ».

Kate Zeitouni, mère de Lee Zeitouni, a écrit à Carla Bruni-Sarkozy, épouse du Président de la République, en rappelant que les deux suspects « étaient tellement pressés [de revenir en France] qu’ils ont même laissé un bébé aux bons soins de la nounou ».

Par lettre remise à la famille Zeitouni le 26 décembre 2011, la première dame de France s’est associée à leur «　douleur intolérable　» et leur a répondu　: «　Votre exigence que justice soit rendue est pleinement légitime et je la partage entièrement… Les autorités françaises et israéliennes coopèrent activement pour que les procédures en cours se déroulent rapidement et efficacement afin de permettre que justice soit rendue à la mémoire de Lee et de votre famille, si durement éprouvée. Dès réception de la commission rogatoire internationale israélienne, un juge d’instruction a été saisi par le procureur de Créteil. Dans ce cadre, les autorités judiciaires françaises font le maximum pour que les investigations demandées soient effectuées sans délai, en liaison constante avec les autorités israéliennes et conformément à leurs demandes. La récente visite d’enquêteurs israéliens à Paris a permis de confirmer l’engagement total des autorités françaises dans cette coopération, qui est suivie avec détermination par l’ambassade de France à Tel Aviv, en liaison avec votre famille　».

« Je suis vraiment très reconnaissante pour ses mots de sympathie et de savoir qu'elle fait ce qu'elle peut pour m'aider », a confié Kate Zeitouni, mère de Lee Zeitouni, sur Europe 1. Son époux, Itzik Zeitouni, a ajouté : « La France coopère très bien à la poursuite de ces deux criminels ».

Le Quai d’Orsay a alors précisé : « Sachant la très grande et très légitime émotion que ce drame suscite, le Président de la République avait déjà donné les instructions les plus claires pour que les procédures d’entraide judiciaire en France soient mises en œuvre de façon prioritaire et que toute requête israélienne soit traitée avec la plus grande célérité　».

Selon l'AFP, un juge d'instruction de Créteil, saisi par la justice israélienne, a transmis les résultats de ses investigations à l'Etat Juif, début décembre 2011.

Quel Etat jugera les deux suspects　? Soit l’Etat d’Israël décide de juger les deux suspects lors d’un procès à Tel-Aviv à l’issue duquel ils seraient condamnés par défaut et ne pourraient plus quitter la France sans risquer d’être interpelés et extradés vers l’Etat d’Israël. Soit celui-ci abandonne sa souveraineté et dénonce officiellement à la France les faits reprochés aux deux suspects afin qu’elle les juge dans l’hexagone. Une procédure d’une durée d’environ six mois.

Romain Nadal, porte-parole adjoint du ministère israélien des Affaires étrangères, a déclaré que cette affaire «　est suivie au plus haut niveau. Une enquête a déjà été menée en France, sous la conduite d'un juge d'instruction. Ses résultats ont été transmis aux autorités israéliennes　». Et d’ajouter qu’il incombe «　aux autorités israéliennes ou à la famille de la victime de saisir la justice française pour qu'un procès puisse avoir lieu en France　».

Le 30 décembre 2011, Claude Khayat a été contrôlé par les gendarmes alors qu’il conduisait à 156 km/h sur l’A8 près de Saint-Maximin, dans le Var. Il a payé une amende liée à cet excès de vitesse, puis a poursuivi sa route.

Le 3 janvier 2012, à la Knesset, le Comité de l’immigration et des affaires de la diaspora s’est intéressé à ces deux suspects. Ont été auditionnés les proches de Lee Zeitouni, des hauts fonctionnaires israéliens et Christophe Bigot, ambassadeur de France en Israël. « Depuis 2004, la loi française n'autorise pas l'extradition de ses citoyens vers des pays ne faisant pas partie de l'Union européenne », a souligné Christophe Bigot. Président dudit Comité, Danny Danon (Likoud) lui a remis une lettre pour le Président Nicolas Sarkozy et a estimé　: « Nous devons initier des procédures judiciaires en France pour induire l’extradition [des deux suspects qui seront] jugés en Israël ». « La France est-elle un pays refuge pour des criminels ? », s'est interrogé Roy Peled.

Le 16 janvier 2012, l’émission télévisuelle Ouvda (Fait) de la chaine israélienne Aroutz 2 a diffusé un reportage sur cette affaire.

Après avoir « roulé un joint de haschisch　», Claude Khayat s’est présenté comme le chauffeur conduisant le 4 x 4 d’Eric Robic. Or, selon des témoins, le conducteur serait Eric Robic qui aurait promis une forte somme d’argent à Claude Khayat si celui-ci se passait pour le chauffard. Claude Khayat a admis être endetté à l’égard de Charlie Aboutboul, figure de la pègre israélienne.

Dans cette émission, Claude Khayat a confié à Yossi Ayache, proche de la Ligue de défense juive, qui l’a filmé en région parisienne et en caméra cachée : «　J’ai tout de suite freiné après le choc, je suis descendu de la voiture, et il n’y avait rien. Et tu sais pourquoi il n’y avait rien ? (…) Parce que la petite, dans le choc, elle est passée de l'autre côté de la voie… [Eric Robic] hurlait. C’est sa voiture, il hurle, il est en panique! (…) Amène-moi chez moi! Mes enfants ! », crie-t-il. « Je l’amène chez lui, et tout de suite, on dit ce qu’on a fait (…): on sait qu’on a renversé quelqu’un, mais on ne sait pas quoi (…) On ne sait même pas si c’est un être humain, parce que quand on se rend compte, on ne voit que des débris (…) Mais on n’est pas bien. On sait très bien qu’on a percuté quelqu’un (…) Et mon copain me dit : " Je ne peux pas, ça va me ruiner ma vie, je m’en vais ». Il s’en va il est 10 heures du matin (…) A 14 heures, sa femme s’en va. Moi je suis encore en Israël (…) « Je me dis : «　Ils vont tous me tomber dessus; je vais aller voir mon copain et réfléchir à ce que je dois faire. Je prends un avion pour Genève », selon les propos retranscrits par l'agence de presse Guysen.

Par téléphone, Claude Khayat a demandé pardon à la famille Zeitouni et à Roy Peled.

« L’affaire est suivie au plus haut niveau. Le Président de la République a évoqué ce drame dans une lettre au Premier ministre israélien et les autorités françaises sont en contact permanent avec les autorités israéliennes, tant en France qu'en Israël　», a déclaré le ministère des Affaires étrangères au Monde. Romain Nadal, porte-parole adjoint du ministère, a précisé : «　Nous avons fait savoir aux autorités israéliennes, dès le lendemain de l'accident, que la justice française agira activement afin que les deux personnes concernées répondent de leurs actes conformément au droit applicable dans le cadre de la coopération judiciaire entre nos deux pays. C'est donc aux autorités israéliennes ou à la famille de la victime qu'il appartient maintenant de saisir la justice française pour qu'un procès puisse avoir lieu en France ».

Le 28 janvier 2012, Guysen publiait la lettre de Gilles Bernheim, grand rabbin de France, aux rabbins de France. Gilles Bernheim :

« Je considère qu'il est de mon devoir moral, en état de la procédure et de ce que nous savons, de vous demander de ne leur accorder aucun honneur religieux au sein de toutes nos communautés consistoriales ».

L’« exception extraditionnelle » française

La loi française en matière d'extradition accorde un pouvoir discrétionnaire aux autorités françaises :

« Le gouvernement français peut remettre, sur leur demande, aux gouvernements étrangers, toute personne n'ayant pas la nationalité française qui, étant l'objet d'une poursuite intentée au nom de l'Etat requérant ou d'une condamnation prononcée par ses tribunaux, est trouvée sur le territoire de la République ».

En 1977, sous la présidence de Valéry Giscard d’Estaing, la France a expulsé Abou Daoud, terroriste du Fatah responsable de la prise d’otages des athlètes israéliens, par le commando Septembre Noir, aux Jeux olympiques de Munich (1972), vers Alger où Abou Daoud a pu librement rejoindre le lieu de son choix. Et ce, malgré la demande d’extradition de l’Allemagne et de l’Etat d’Israël.

En 1985, le Président de la République François Mitterrand a annoncé que la France n’extradera pas les terroristes étrangers résidant sur son territoire s’ils ont « explicitement renoncé à l’usage de la violence » et n’ont « pas de sang sur les mains ».

Dénuée de tout fondement juridique, cette « doctrine Mitterrand » a suscité l’indignation en particulier des familles de victimes des terroristes. D’autant que les pays demandeurs d’extradition de terroristes offraient tous les droits aux prévenus.

Soutenue par une intelligentsia marquée à (l’extrême-)gauche, la France était donc devenue un havre pour des terroristes refusant d’assumer les conséquences pénales de leurs actes.

L’Italie a demandé en vain à la France l’extradition d’anciens membres des Brigades rouges (Brigate Rosse, BR), mouvement terroriste qui y a organisé des attentats dans les années 1960 et 1970.

Dans le respect du droit, l’Italie a donc jugé et condamné par contumace nombre d’entre eux.

2002 : premier revirement à 180° de la position française. La France a mis un terme à cette «　doctrine Mitterrand » et a extradé vers l’Italie des membres des BR, dont Paolo Persichetti.

2008 : deuxième inflexion du droit français de l’extradition. Membre des BR, Marina Petrella avait fui l’Italie où elle avait été condamnée en 1993 à une peine de prison à perpétuité pour « la séquestration d'un magistrat, et l'organisation de cinq agressions, dont l'assassinat d'un commissaire de police ». Installée en France, elle a été visée par une nouvelle demande d’extradition de l’Italie en 2002.

Arrêtée le 21 août 2007, Marina Petrella a lancé des actions judiciaires pour sa libération et contre son éventuelle extradition en étant soutenue par diverses personnalités, dont l’actrice Valeria Bruni-Tedeschi, sœur de Carla Bruni-Sarkozy. Le 6 décembre 2007, elle a entamé une grève de la faim.

Le 3 juin 2008, un décret du gouvernement a autorisé son extradition vers l'Italie ; il a fait l’objet d’un recours devant le Conseil d’Etat par l’avocate de Marina Petrella.

Le 10 juin 2008, après avoir évoqué la « doctrine Mitterrand », la Ligue des droits de l’homme (LDH) présente un nouvel argument contre l’extradition de Marina Petrella : « la convention d’extradition franco-italienne comporte une clause humanitaire que la simple équité commande d’appliquer à son cas　».

En juillet 2008, signataire du décret d’extradition, le Président Sarkozy a sollicité de Rome la grâce de Marina Petrella. En vain.

Le 5 août 2008, Marina Petrella a été remise en liberté sous contrôle judiciaire, et hospitalisée.

Le 8 octobre 2008, Carla Bruni-Sarkozy et sa sœur, dont la famille avait quitté l’Italie lors des «　années de plomb　», lui ont rendu visite à l’hôpital pour lui annoncer qu’elle ne sera pas extradée. Carla Bruni-Sarkozy s’est déclarée «　contente　» de cette décision　présidentielle prise conformément à la «　clause humanitaire de la convention d’extradition européenne de 1957　» et qui « ne se soustrait pas à la justice italienne　» : « On ne pouvait pas laisser cette femme mourir　». Elle a confié à Libération (12 octobre 2008) «　avoir eu au téléphone une des filles de l’ex-activiste, il y a une dizaine de jours et hier samedi pour lui confirmer l’annulation de la procédure d’extradition　». Elle a souligné « la pugnacité» de sa sœur qui « tout au long de ces deux derniers mois a fréquemment parlé de ce sujet avec mon mari ».

Le 12 octobre 2008, l’Elysée a annoncé que Marina Petrella ne sera pas extradée en raison de sa «　situation de santé　»　: le Président de la République, qui avait rencontré à plusieurs reprises le psychiatre et l’avocate de Marina Petrella, Me Irène Terrel, «　a demandé au Premier ministre de faire application de la clause humanitaire de la convention d'extradition de 1957 et de rétracter le décret d'extradition la concernant　».

Ce qui a ulcéré dans la péninsule italienne.

L’activisme judicaire français

Rappelons d’autres interventions du Président Nicolas Sarkozy dans le fonctionnement des justices, française et étrangère.

Premier exemple. Le 1er juillet 2008, le général Bruno Cuche, chef d'état-major des armées, a démissionné à la suite de la fusillade mortelle survenue, le 29 juin 2008, lors d’une démonstration publique de libération d’otages par un régiment de parachutistes d’infanterie dans une caserne à Carcassonne. Le 2 juillet 2008, le Président de la République Nicolas Sarkozy, en conseil des ministres, dénonçait des « dysfonctionnements graves et majeurs. Il n'est pas anormal que la responsabilité ne porte pas uniquement sur ce malheureux soldat qui a tiré dans la foule ».

Deuxième exemple　: l’affaire de l’Arche de Zoé. Trois journalistes français - Marc Garmirian de l’agence Capa, Jean-Daniel Guillou de Syncro X et Marie-Agnès Peleran de France 3 - et quatre hôtesses de l’air espagnoles, ainsi que des membres de l’association Arche de Zoé, ont été arrêtés au Tchad le 25 octobre 2007 avant que l’Arche de Zoé ne transfère, illégalement, 103 enfants tchadiens en France. Le 29 octobre 2007, le Président Nicolas Sarkozy a « condamné cette opération, qu’il a qualifié d’illégale et d’inacceptable ». Et il s’est rendu le 4 novembre 2007 à N’Djamena pour ramener en France ces trois journalistes. Selon Le Figaro, « la libération des hôtesses et des journalistes avait été conclue avant la visite surprise du président français qui a dû intervenir personnellement dans la crise… Pour un substitut du procureur tchadien qui a été remplacé pour avoir refusé de signer les ordonnances [de leur libération], le délai a paru trop court et l’intervention française intempestive ».

Troisième exemple : l’affaire du juge français Bernard Borrel assassiné à Djibouti en 1995. Le 19 juin 2008, le Président de la République Nicolas Sarkozy a reçu à l’Elysée Elisabeth Borrel, veuve du juge, et son avocat Me Olivier Morice. Libération relate : « En une demi-heure, Sarkozy fait prendre un tournant à 180 degrés à ce dossier politico-judiciaire, où la veuve et ses enfants, parties civiles, ont été ignorés, voire maltraités au point que - événement judiciaire rarissime - deux juges d'instruction ont été dessaisis par la chancellerie. Selon maître Morice, des « engagements» ont été pris par l'Elysée. Sarkozy devrait demander à la présidente de la Cour internationale de justice qu'Elisabeth Borrel soit entendue comme témoin… « Nicolas Sarkozy a fait preuve de beaucoup d'humanité, poursuit Elisabeth Borrel. Il s'est dit convaincu [qu’]on avait besoin de savoir ce qui s'était passé et pourquoi… Je suis soulagée de retrouver un Etat tel que je pouvais l'imaginer ».

Quatrième exemple. Le 26 septembre 2009, le réalisateur Roman Polanski, détenteur des nationalités française et polonaise, a été arrêté et emprisonné en Suisse : les Etats-Unis réclamaient son extradition pour « relations sexuelles illégales » avec une mineure de 13 ans en 1977, Samantha Gailey, à Los Angeles (Californie).

Peu après, Bernard Kouchner, ministre des Affaires étrangères, a écrit à son homologue Hillary Clinton pour solliciter la libération de Roman Polanski. En vain.

Le 15 octobre 2009, le Président Nicolas Sarkozy a déclaré au Figaro : « Je comprends que l'on soit choqué par la gravité des accusations contre Roman Polanski. Mais j'ajoute que ce n'est pas une bonne administration de la justice que de se prononcer 32 ans après les faits alors que l'intéressé a aujourd'hui 76 ans ».

Après l’annonce de la libération sous caution de cet artiste mis en résidence surveillée dans son chalet de Gstaad, l’actrice Mathilde Seigner, belle-sœur de Roman Polanski, a confié le 26 novembre 2009 : « Je n'irais pas jusqu'à dire que c'est grâce au président que Roman a été libéré. Mais il a été super. Et il l'a beaucoup soutenu. Le président a été très efficace ».

Au printemps 2010, le Président Nicolas Sarkozy a transmis au Président Barack Obama une lettre du cinéaste. En mai 2010, il s’est aussi enquis auprès de son homologue suisse de « l’état d’avancement du dossier d’extradition ». Le 12 juillet 2010, la Suisse a annoncé qu’elle n’extradera pas Roman Polanski vers les Etats-Unis.

Arrêtons là la liste.

«　Liberté, égalité, fraternité　»

Les proches de Lee Zeitouni sont parvenus à sensibiliser les médias, israéliens et français, et à insérer leur demande d’extradition d’Eric Robic et de Claude Khayat comme thème des relations bilatérales entre la France et Israël, Etat qui extrade ses ressortissants.

Ils sont soutenus par les autorités politiques et judiciaires d’Israël, particulièrement intéressées par les liens présumés entre ces deux suspects et la pègre israélienne.

Et peuvent fonder juridiquement leur action selon Paris-Match (30 décembre 2011) : « Malgré les conventions d’extraditions signées bilatéralement (la France a par exemple signé des accords avec 50 pays, dont Israël ne fait pas partie), chaque Etat reste libre - du fait de la complexité du droit international - d’accorder ou de refuser d’extrader un de ses ressortissants ».

Une norme juridique européenne permet à la France d'extrader un de ses ressortissants seulement dans un Etat membre de l'Union européenne (UE). Cependant, des pays hors zone de l'UE offrent les mêmes garanties judiciaires que des Etats membres de l'UE.

De plus, un problème juridique perdure. Un suspect ayant les nationalités française et israélienne peut être extradé par l'Etat d'Israël, et non par la France.

Le 18 janvier 2012, Claude Goasguen, député-maire du XVIe arrondissement de Paris, a adressé une question écrite à Alain Juppé, ministre des Affaires étrangères et européennes, concernant l'absence de convention d'extradition entre la France et Israël qui, si « elle se justifiait dans les années 60, soulève aujourd'hui des questions importantes sur son maintien. Il paraît assez peu compréhensible qu'Israël étant la seule démocratie de cette région, doté de tribunaux et de jurisprudences de grande qualité, soit considérée à l'instar d'Etats autoritaires ou dictatoriaux qui n'ont pas la même conception du droit que la France. Il serait souhaitable que cette difficulté soit levée ».

Le Président Nicolas Sarkozy accèdera-t-il à la demande de la famille Zeitouni ?

Fera-t-il preuve en faveur de la demande d’extradition des deux suspects de ce même activisme ou de celui qu’il a déployé pour obtenir la libération anticipée, le 18 décembre 2011, par l’Etat d’Israël de Salah Hamouri, membre de l’organisation terroriste FPLP (Front populaire de libération de la Palestine) et condamné en 2008 pour avoir projeté d’assassiner le grand rabbin Ovadia Yossef, chef spirituel du parti Shass ?

Des autorités politiques françaises risquent de continuer à condamner la politique de l’Etat Juif en excipant d’un droit qu’elles ne respectent pas toujours.

Or, en France, en Israël et dans d’autres pays, les citoyens aspirent à la justice.

Une justice égale pour tous.

Pas une justice à « politique variable ».

Pas des « faits du prince ».

Photo de Lee Zeitouni.

Article publié le 23 janvier 2012 et modifié le 28 janvier 2012.

Articles sur ce blogconcernant :

Affaireal-Dura/Israël

La photographe Gisèle Freund (1908-2000)

2012-01-22T12:52:00.001+01:00

La photographe Gisèle Freund (1908-2000) a inspiré deux expositions　à Paris : Gisèle Freund, L'Œil frontière Paris 1933-1940 à la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent et, dans le cadre de Saint-Germain-des-Prés Photo Festival, Gisèle Freund Portraits d'artistes à St-Germain-des-Prés à la Galerie Lucie Weill & Seligmann. Documents d’archives originaux souvent inédits - correspondances, magazines imprimés, planches contacts, publications, diapositives projetées, etc. – évoquent cette «　pionnière du photojournalisme et de la photographie en couleur, et une des précurseurs du portrait d’écrivain　», une artiste ayant mêlé théorie, par ses essais sociologiques et historiques, et pratique de la photographie par sa collaboration à de prestigieux magazines et agence (Magnum).

« J’ai toujours préféré photographier une personne dans son intimité, entourée de ses objets personnels. L’homme éprouve parmi eux le sentiment de familiarité qui le détend et facilite la tâche du photographe. Le décor d’une demeure reflète la personnalité de son propriétaire. Mes «　victimes　», heureusement, se transformaient en collaborateurs, pleins de patience. J’insistais pour qu’ils se vêtissent aussi photogéniquement que possible de costumes clairs, de cravates vives, et avant tout pour qu’ils se rasent avec le plus grand soin »,

déclarait Gisèle Freund (1908-2000).

La dernière rétrospective de la photographe Gisèle Freund remonte à 1991 au Centre Pompidou. A l’hiver 2004-2005, dans le cadre du Mois de la photo à Paris, la FNAC Italie présentait l’exposition Portraits d’écrivains de Gisèle Freund, soit une quarantaine de portraits de James Joyce, Jean Cocteau, Saint-John Perse, Jean-Paul Sartre, André Gide, Marguerite Yourcenar, Samuel Beckett, Henri Michaux, Simone de Beauvoir, Walter Benjamin, Paul Eluard, Stephan Zweig...

C’est dire tout l’intérêt de ces deux expositions – L’œil frontière est le titre d’un projet éditorial non réalisé - sur cette «　pionnière dans de nombreux domaines comme celui du portrait en couleur, de la projection photographique, de l’approche sociologique de l’image ou encore de l’histoire de la photographie　».

La Fondation Pierre Bergé–Yves Saint Laurent présente une centaine de tirages et de nombreux documents d’archives de Gisèle Freund conservés par l’IMEC (Institut Mémoires de l’édition contemporaine), soit 1　200 tirages, 1　600 négatifs, 8　200 diapositives, 1　000 contretypes, 34 boîtes d’archives personnelles et professionnelles – manuscrits, correspondances, dossiers de gestion de l’œuvre, etc. -, sa bibliothèque...

Sociologie et photographie

Née en 1908 à Schöneberg, près de Berlin, dans une famille juive allemande, Gisèle Freund grandit dans un univers d’intellectuels prisant les arts　: son père, Julius Freund, industriel «　fut un grand collectionneur des artistes romantiques allemands　» et lui offre à l’âge de 15 ans, un appareil photographique.

Gisèle Freund étudie la sociologie à l’université de Francfort où elle rencontre Norbert Elias et pratique la photographie en «　amateur politiquement engagée　»　: membre du mouvement des jeunesses socialistes, elle combat le nazisme et photographie l’Allemagne lors de la crise économique (manifestation à Francfort en 1932).

Après l’avènement du nazisme en janvier 1933, elle fuit l’Allemagne nazie et le Berlin cosmopolite et cultivé de son enfance pour rejoindre en mai 1933 Paris.

Le Tout-Paris littéraire photographié

De 1933 à 1940, Gisèle Freund soutient en 1936 – année où elle obtient la nationalité française par son mariage avec Pierre Blum dont elle divorcera - à la Sorbonne, traduit et fait publier, par la maison d’édition d’Adrienne Monnier, sa thèse La photographie en France au XIXème siècle, Essai de sociologie et d’esthétique ; réalise ses premiers photoreportages pour VU, Weekly Illustrated, Time, Paris Match et Life - Congrès international des écrivains pour la défense de la culture à la Mutualité en 1935, The Depressed Areas en Angleterre en 1936 ; James Joyce à Paris en 1938, la haute couture -, réalise ses premiers portraits d’écrivains en noir et blanc - André Malraux à l’occasion de la réédition de son roman La condition humaine distingué par le Prix Goncourt, Walter Benjamin - et expérimente dès 1938 la couleur, technique alors nouvelle et rare　: l’Annuaire de la photographie publie en 1940 son portrait de Colette qui est la première photographie couleur publiée en France. Tout en luttant contre le nazisme.

Gisèle Freund et Walter Benjamin se rencontrent quotidiennement à la Bibliothèque nationale, où «　l’une travaillait à sa thèse de sociologie sur la photographie en France au XIXème siècle, et l’autre à sa monumentale étude sur les Passages parisiens. De leurs échanges fréquents et de la complicité que chacun entretenait avec Adrienne Monnier naquit une véritable amitié, sensible dans leur correspondance comme dans leurs écrits respectifs, et dont les célèbres photographies de Walter Benjamin prises par Gisèle Freund, empruntes de confiance mutuelle, gardent la trace　».

Grâce aux libraires Adrienne Monnier, dont la librairie se trouvait rue de l’Odéon, et Sylvia Beach, ainsi que Jean Paulhan, directeur de la Nouvelle revue française chez Gallimard, Gisèle Freund rencontre des écrivains avec lesquels elle noue une relation privilégiée. «　Au cœur d’une vie littéraire parisienne exceptionnellement riche, elle devient "la" photographe de plusieurs générations d’écrivains　», fidèle à son Leica et aux pellicules Agfa et Kodak.

Grâce à Jean Paulhan et André Malraux, et surtout dans les librairies d’Adrienne Monnier et de Sylvia Beach, rue de l’Odéon, Gisèle Freund rencontre ces auteurs. Elle sait «　gagner la confiance de ces écrivains peu habitués à se prêter à l’exercice du portrait photographique. Férue de littérature, ses premiers contacts avec eux sont d’ordre intellectuel. Les tirages étant à l’époque extrêmement coûteux, elle aura l’idée de leur présenter son travail à l’aide d’un projecteur　», comme le 5 mars 1939 chez Adrienne Monnier.

De 1938 à 1939, Gisèle Freund réalise, sans retouche, une centaine de portraits, notamment ceux de Samuel Beckett, Simone de Beauvoir Walter Benjamin, Jean Cocteau, Colette, Paul Eluard, André Gide, Henri Michaux, Henri de Montherlant, Jean-Paul Sartre, Marguerite Yourcenar, Stephan Zweig, Jacques Prévert… Seul Roger Martin du Gard refuse d’être photographié.

Dès 1939, conseillée par Joyce, Gisèle Freund y ajoute des hommes de lettres anglo-saxons et d’autres artistes étrangers　: George Bernard Shaw à LOndres, James Joyce, Stephen Spender, Victoria Ocampo, Vita Sackeville-West, Frida Kahlo...

« Je voulais comprendre quelle influence la photographie avait eu sur l’homme et en quoi elle avait modifié notre perception…

Je n'ai jamais photographié que des auteurs ou des artistes que j'aimais et que j'avais envie de raconter… Il y a beaucoup de choses que je ne voulais pas photographier. On m'a reproché que je ne suis pas allée photographier une guerre, parce que j'ai dit non. J'ai toujours cru, et c'est pour ça que j'étais intéressée dans la photo, que grâce à la connaissance du monde à travers la photo, les gens ne se tueraient plus. Si je connais quelqu'un très bien, pourquoi je vais le tuer ? Mais je me suis trompée. J'ai compris, un jour, que ce n'est pas vrai, que les gens se tuent quand même　», disait Gisèle Freund. Et d’ajouter　: «　L'œil n'est rien s'il n’y a personne derrière　».

La Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent distingue, de manière chronologique, trois thèmes : l’œuvre en noir et blanc - une cinquantaine de tirages originaux, portraits d’écrivains et reportages, regroupés en différentes séquences – et l’œuvre en couleurs réunissant des photographies prises dès 1938, soit une cinquantaine de portraits d’écrivains　: Paul Valéry, André Gide, Stefan Zweig, Romain Rolland, Colette, James Joyce, et Virginia Woolf. «　Je crois que la meilleure que j'ai faite, c'est celle de Virginia Wolf, le portrait d'elle, à un moment où elle ne s'est pas rendu compte que je la photographiais. Tous ses problèmes sortaient vraiment de cette tête, de ces yeux, de cette bouche. Instinctivement, je pense, je ne sais pas ce qui, en moi, déclenchait à chaque fois de photographier quelqu'un quand je trouvais que c'était quelque chose de l'intérieur de la personne, en réalité　», déclare Gisèle Freund en 1991.

Ces tirages originaux constituent «　une impressionnante galerie de portraits couleurs d’écrivains contemporains, photographiés parmi leurs livres　». Ce sont les rares, parfois uniques clichés de ces écrivains.

«　C’est parce qu’elle est passionnée de sociologie et considère la photographie comme le moyen de révéler « l’homme à l’homme » que ses portraits font de Gisèle Freund un témoin privilégié de la vie intellectuelle de son temps　», indique la galerie Lucie Weill & Seligmann.

En juin 1940, Gisèle Freund est contrainte de se réfugier en zone libre, puis se réfugie en 1941 en Argentine.

Là, elle entre dans le cénacle d’auteurs tels Borges Maria Rosa Oliver, Bioy Casares et les membres de la revue littéraire SUR et photographie des paysages de Patagonie et de la Terre de Feu.

Elle travaille aussi pour le ministère de l’Information du gouvernement de la France libre, devient éditrice et crée une association de soutien aux écrivains français.

De Magnum à l’Elysée

De retour en France en 1946, elle expose ses photos de l’art sud-américain, puis effectue un reportage en Amérique latine pour le compte du Musée de l’Homme.

Pour l’agence Magnum, Robert Capa recrute Gisèle Freund dès 1947. Cette photojournaliste parcourt le monde pour Magnum.

Après la publication par Life en 1950 de son reportage révélant la richesse d’Eva Perón, épouse du président argentin, Gisèle Freund est contrainte de quitter l’Argentine pour l’Uruguay, où l’accueillent Jules Supervielle et Ingheborg Bayerthal, puis le Mexique avant de rentrer à Paris en 1953.

La soupçonnant de communisme, les Etats-Unis lui refusent un visa. « Robert Capa m'a virée de l'agence en 1954, lorsque les Etats-Unis m'ont refusé un visa d'entrée. J'étais sur la liste noire du sénateur McCarthy et Capa a eu peur pour l'avenir de Magnum à New York. Ça m'a fait très mal ».

Gisèle Freund collabore à Paris Match, Vu, Art et décoration, Images du Monde, Verve, ou Weekly Illustrated.

Elle photographie Nathalie Sarraute, Henri Matisse, John Steinbeck, Tennessee Williams, John Steinbeck, Alexandre Soljenitsyne, Le Corbusier…

« Révéler l'homme à l'homme, être un langage universel, accessible à tous, telle demeure, pour moi, la tâche primordiale de la photographie… La culture pour un photographe est bien plus importante que la technique… Personne ne se voit tel qu'il paraît aux autres. Nous habitons notre visage sans le voir, mais nous exposons cette partie du corps au premier venu qui nous croise dans la rue　», disait Gisèle Freund qui publie en 1965 James Joyce à Paris, ses dernières années.

Les expositions de ses œuvres se multiplient, notamment au Musée d’art moderne de la Ville de Paris en 1968.

Gisèle Freund publie Le Monde et ma caméra (1970), Photographie et société (1974) dont la couverture est illustrée par l’œil d’Henri Cartier-Bresson, et Mémoires de l’œil (1977).

En 1977, Gisèle Freund devient présidente de la Fédération française des associations de photographes créateurs et obtient en 1980 le Grand prix national des arts pour la photographie décerné par le ministère de la Culture.

En 1981, cette «　journaliste reporter photographe » réalise le portrait officiel du Président de la République François Mitterrand posant, Les Essais de Montaigne ouvert entre les mains, devant la bibliothèque de l’Elysée. Emplie de livres anciens aux reliures en cuir, dorées et brillantes, cette bibliothèque apparaît un peu floue par rapport à la netteté de ce fin lettré socialiste au costume sombre rehaussé apr la Légion d’Honneur et qui se piquait d’être écrivain.

Distinguée par de nombreux Prix, Gisèle Freund décède à Paris à l’âge de 91 ans.

　

Jusqu’au 29 janvier 2012
A la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent 5, avenue Marceau. 75116 Paris
Tél　: 01 44 31 64 31
Du mardi au dimanche de 11 h à 18 h

Jusqu’au 31 janvier 2012
A la Galerie Lucie Weill & Seligmann

6, rue Bonaparte. 75006 Paris

Tel.　: +33 1 43 54 71 95
Du mardi au samedi de 11 h à 19 h

　

Visuels de haut en bas　:
Gisèle Freund, Autoportrait1952
Épreuve argentique noir et blanc
23,2 x 16,4 cm
Collection Galerie de France
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC-Galerie de France

Gisèle Freund photographiée par Adrienne Monnier
Paris, vers 1935
Épreuve argentique noir & blanc
25 x 28 cm
Fonds Gisèle Freund, IMEC / Fonds MCC
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

Jean Cocteau sous l’enseigne d’un gantier
Paris, 1939
Épreuve argentique couleurs
30 x 20 cm
Collection Galerie de France
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

James Joyce
Paris, 1939
Épreuve argentique couleurs
30 x 21 cm
Collection Famille Freund
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

Adrienne Monnier devant sa librairie La Maison des Amis des Livres
Paris, 1936
Épreuve argentique noir et blanc
14 x 19,4 cm
Fonds Gisèle Freund, IMEC / Fonds MCC
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

Sylvia Beach sur le seuil de sa librairie Shakespeare and Co
Paris, 1936
Épreuve argentique noir et blanc
14 x 19,4 cm
Fonds Gisèle Freund, IMEC / Fonds MCC
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

James Joyce avec Adrienne Monnier et Sylvia Beach, à Shakespeare and Co
Paris, 1938
Épreuve argentique noir et blanc
25,6 x 36,5 cm
Collection Famille Freund
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

André Gide sous le masque de Leopardi
Paris, 1939
Épreuve dye-transfer couleurs (portfolio édité par Harry Lunn en 1977)
30 x 20,5 cm
Fonds Gisèle Freund, IMEC / Fonds MCC
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

Gisèle Freund sur sa terrasse rue Lakanal
Paris, 1934
Carte postale noir & blanc
10 x 6 cm
Fonds Gisèle Freund, IMEC / Fonds MCC
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

Virginia Woolf devant la fresque de Vanessa Bell
Londres, 1939
Épreuve dye transfer couleurs (portfolio édité par Harry Lunn en 1977)
30 x 20 cm
Fonds Gisèle Freund, IMEC / Fonds MCC
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC

Jean Cocteau
Paris, 1939
Épreuve dye-transfer couleurs (portfolio édité par Harry Lunn en 1977)
30 x 20,5 cm
Fonds Gisèle Freund, IMEC / Fonds MCC
© Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC
　

A lire sur ce blog :

Affaireal-Dura/Israël

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Interview du psychanalyste Gérard Huber sur l’affaire al-Dura

2012-01-21T20:17:00.000+01:00

Cet article est republié à l'occasion de l'hommage intitulé Mystique et folie que rendra l'Institut Elie Wiesel à Gérard Huber le dimanche 22 janvier 2012, de 14 h 30 à 19 h, au Centre communautaire de Paris.

L’écrivain et psychanalyste Gérard Huber est l’auteur du livre Contre-expertise d’une mise en scène (Editions Raphaël, 2003) sur l’affaire al-Dura. Un ouvrage que Gérard Huber vient de mettre sur son blog. Il retrace les circonstances de son enquête et nous livre son opinion sur les derniers rebondissements de cette affaire grave. Interview publiée en janvier 2008 par Guysen.

Comment vous êtes-vous intéressé à l’incident al-Dura ?

Avant de vous répondre, permettez-moi de m’interroger sur ce terme « incident ». Faut-il l’entendre au sens d’un « événement peu important en lui-même, mais capable d’avoir de graves conséquences » (Le Robert) ?

Lorsque les images filmées par Talal Abu Rahma, cameraman palestinien de France 2, le 30 septembre 2000, à Netzarim (bande de Gaza), parviennent à Charles Enderlin (Ndlr : correspondant de France 2), à Jérusalem, et compte tenu de ce qu’il reconnaîtra plus tard (« Ils font ça tout le temps »), ce correspondant de France 2 aurait, en théorie, tout lieu de n’y voir que des images parmi toutes celles que les Palestiniens l’ont habitué à voir en matière de jeux de scènes de guerre.

Ce même jour, peu auparavant, Charles Enderlin se trouve à Ramallah, quand soudain Talal Abu Rahma l’appelle et lui parle au téléphone, en lui faisant entendre un arrière-fond sonore fait de cris et de bruits de tirs, destiné à accréditer l’idée que ce qu’il tourne est un fait de guerre.

Enderlin qui a une totale confiance en son caméraman ne peut que donner du crédit au récit de Abu Rahma qui lui dit qu’il est sous le feu israélien, qu’il risque de mourir, mais qu’au risque de sa vie et de sa mort, il est en train de tourner les images d’un assassinat intentionnel et de sang-froid d’un enfant palestinien, Mohamed al-Dura, par les soldats israéliens.

L’incident, de mineur, devient majeur.

Le 30 septembre 2002, Abu Rahma a démenti la partie essentielle de son témoignage fait auprès d’Enderlin, puis celui auprès de l’organisation palestinienne des droits de l’homme à Gaza le 3 octobre 2000. (Ndlr : Talal Abu Rahma avait déclaré sous serment le 3 octobre 2000 : « L’enfant [Mohamed al-Dura] a été tué intentionnellement et de sang-froid par l’armée israélienne »).

En conséquence, l’incident « mineur » est devenu « majeur » du fait qu’il a menti à Enderlin.

En 2002, à la suite de ma prise de position dans Le Monde contre l’endoctrinement anti-israélien qu’au nom de la paix au Proche-Orient des organisations pro-palestiniennes répandaient, j’avais été approché par le groupe « Paix et Vérité au Proche-Orient » qui voulait publier un livre autour de 500 lettres d’enfants juifs au Président de la République, dans lesquelles ceux-ci disaient leur malheur d’être victimes d’agressions antisémites dans le cadre scolaire à Sarcelles, à Marseille, etc.

J’avais réuni de nombreux universitaires, quand la mise en route du projet de ce livre collectif fut brutalement contrecarrée.

En attendant de publier un livre sur l’antisémitisme en général, et ce sujet en particulier (1), je cherchais un moyen de communiquer mes analyses à mes lecteurs. Très vite, en effet, tous mes articles étaient refusés par Le Monde et Le Figaro.

Un ami organisa une rencontre avec Stéphane Juffa, rédacteur en chef de Metula News Agency (Mena). II fut convenu que j’en serais le correspondant permanent à Paris, bénévole. Depuis, je me suis retiré de la Mena.

C’est au cours de mes activités journalistiques pour la Mena que j’ai pris connaissance du dossier « Mohamed al-Dura » et que je découvris la controverse autour du reportage de France 2.

Quelle a été votre méthode ?

A l’époque, la question essentielle était la suivante : quelle était l’origine des tirs des balles qui avaient tué l’enfant ? Abu Rahma et Enderlin étaient catégoriques.

Leur attitude n’était pas celle de la crainte, mais au contraire de l’enthousiasme devant la multitude d’effets produits par la diffusion de ces images. Enderlin était fier de ne pas s’être opposé à la diffusion du reportage et d’avoir osé montrer ce qu’il estimait être la réalité de la politique palestinienne d’Israël. Plus que par amour du scoop, Enderlin croyait dur comme fer qu’il avait agi pour servir la vérité.

Or, ayant assisté à la projection du reportage d’Esther Schapira (Ndlr : en mars 2002, la chaîne allemande ARD diffuse l’enquête de la journaliste Esther Schapira, déduisant la responsabilité vraisemblable des Palestiniens dans « la mort de Mohamed al-Dura »), je fus envahi par un nombre impressionnant de questions auxquelles Enderlin refusait de répondre.

Dès lors, je décidai de poser ces questions dans le cadre de la Mena. Puis, un de mes lecteurs m’informa que, si je voulais en savoir plus, il suffisait que j’entre en contact avec un des principaux protagonistes du reportage d’Esther Schapira, le physicien israélien Nahum Shahaf.

Les discussions que j’eues avec cet homme furent longues. J’étais tout à la fois surpris par ce qu’il m’affirmait et taraudé par l’impératif de mettre en doute son témoignage de manière systématique. Je n’avais, à l’époque, que les mots prononcés lors de conversations téléphoniques ou échangés dans des courriels pour me faire une idée du sérieux de cette source d’information. Mais après avoir passé au crible nombre d’objections, et après avoir lu tout ce qui existait sur le sujet sur le web - articles de presse israéliens, palestiniens traduits en anglais… -, je décidai de mettre Juffa en relation avec Shahaf, afin que mon enquête soit élargie.

L’élargissement consista essentiellement en deux actes :

- le visionnage d’une partie des 27 minutes des rushes de France 2, celui des rushes de Reuters et d’Associated Press que Shahaf détenait depuis qu’il avait enquêté au service de l’armée israélienne, et qui tous montraient ce qui s’était passé le 30 septembre 2000 à Netzarim ;

- le croisement de ces rushes avec tout ce que j’avais lu et entendu de la part des protagonistes, des enquêteurs et des journalistes.

Puis Juffa et moi décidâmes de faire un audit du reportage de France 2 qui serait produit par la Mena et de le soumettre à France 2. J’ai rencontré Didier Epelbaum, un des chargés de mission de la chaîne publique, mais le directeur général de celle-ci, Christopher Baldelli, ne répondit pas à toutes nos demandes de rendez-vous.

Parallèlement, à la demande de Yaël König, éditrice à Paris, j’écrivais un livre.

Le titre de votre livre est particulièrement explicite : Contre-expertise d’une mise en scène. Quel but poursuiviez–vous en l’écrivant ?

Le but essentiel était de donner au grand public et aux décideurs l’information nécessaire pour comprendre que le vrai sujet de la controverse n’était pas : qui a tué l’enfant ? Mais qui a voulu faire croire que l’enfant avait été tué, alors que les images montraient que ce n’était pas possible, et pourquoi ?

Il était hors de question que j’écrive un brûlot ou un acte d’accusation, car c’était incompatible avec mon éthique d’intellectuel.

Mon rôle se limitait à produire des documents authentiques qui n’avaient jamais été exposés - croisés avec ceux de l’audit télévisuel - et à les soumettre au jugement de tous.

L’expression « Contre-expertise » était utilisée pour que les lecteurs sachent qu’ils étaient invités à refaire tous les parcours des différentes démarches entreprises par les Palestiniens, Enderlin, les Israéliens, la famille al-Dura, France 2, les journalistes (presse écrite et audio/télévisuelle), les politiques (individus, organisations, États) et les écrivains qui s’étaient prononcés sur le sujet.

Quant à l’expression « mise en scène », je l’imposai pour indiquer le cadre dans lequel la controverse prenait désormais tout son sens. Tous les reportages télé étaient « mis en scène », mais cette « mise en scène » avait quelque chose de particulier qui était sans commune mesure avec celles des autres reportages télévisuels. En effet, la mise en scène palestinienne portait sur l’habillage d’un théâtre de rue fictionnel et propagandiste en témoignage authentique d’un fait de guerre de la pire espèce : le massacre délibéré d’un enfant palestinien par les soldats israéliens.

Quel a été l’accueil de votre livre ?

Dans un premier temps, seuls les auditeurs de Radio J, les lecteurs de la Mena et de quelques sites électroniques intéressés par ses analyses, ainsi que les personnes qui ont assisté à la dizaine de conférences que j’ai données en ont entendu parler.

Le sérieux de la contre-expertise a convaincu, les débats qui ont fait suite aux conférences ont aussi été sérieux, et pas une seule fois, je n’ai entendu la moindre insulte à l’adresse de qui que ce soit de France 2. Partout, en revanche, une exigence de vérité et de courage pour que l’information soit rectifiée a été formulée.

Les autres médias qui ont eu vent de sa parution ont pris garde de ne pas l’annoncer. Même lorsque des journalistes y ont fait allusion pour le vouer au pilori, ils se sont bien gardés de se confronter à son argumentation et d’en donner le titre et l’éditeur.

Le 7 avril 2003, dans l’émission Lundi Investigation sur Canal +, j’apparaissais à tort comme un « attiseur de haine » entre Juifs et Arabes. J’ai demandé des excuses à Canal +, mais en vain.

Comment analysez-vous les derniers rebondissements judiciaires de l’affaire al-Dura ?

Vous venez de passer du mot « incident » au mot « affaire » et ce n’est pas sans raison. Car, à force de prétendre que la vérité sur ce reportage ne sera dite que devant une Cour de justice, Enderlin commence à obtenir gain de cause, sauf que tout ceci risque bien de se retourner contre lui in fine. Certes, aujourd’hui, c’est Philippe Karsenty, directeur de l’agence de notation des médias Media-Ratings, qui est accusé de diffamation, mais, au train où vont les choses, il n’est pas impossible que, demain, ce soit France 2 qui ait à s’expliquer.

Pour autant, la force d’Enderlin, c’est de savoir que tout parallèle avec l’Affaire Dreyfus est inadéquat. D’abord parce que, pour que France 2 soit poursuivie, il faut qu’il y ait une victime qui dépose plainte. Or, force est de constater que sept ans après, la plainte est toujours en quête du plaignant. Il y a bien l’Etat d’Israël et des Juifs – en Israël et dans le monde - qui ont été victimes du déferlement de la haine antisémite et des attentats, après la diffusion de ces images. Qui, en la matière, peut les représenter sur le plan judiciaire ? C’est aux juristes de répondre.

En fait, ceux qui se plaignent le font, mais en silence. Ce sont ceux qui souffrent : les nombreuses familles Juives martyrisées en Israël, exposées à la vindicte antisémite en France et ailleurs, dans le monde.

Voilà pourquoi, sans parler au nom des victimes qui n’ont pas la parole, mais par exigence de vérité, il faut amorcer un autre processus parallèle à celui du rebondissement judiciaire. Tant qu’il n’y a pas de plaignant judiciaire, il est un peu vain d’attendre que la justice se prononce sur le fond.

Dans l’attente, il y a cette solution : appeler à la constitution d’une Commission d’enquête internationale qui sera chargée d’établir toute la vérité.

Quelle est votre interprétation de psychanalyste de l’incident al-Dura ?

Si je n’avais pas été éduqué à la vision et à l’écoute des actes manqués inconscients, je n’aurais jamais pris sur moi de me lancer dans un tel décryptage.

Le scénario de ces images a eu l’effet dévastateur que tout le monde a pu constater et qui continue encore aujourd’hui, parce qu’il met en scène l’accomplissement d’un désir inconscient : le meurtre du Dieu des Juifs.

Il s’agit, en fait, de la figure inversée du meurtre du Dieu biblique pendant la Shoah. Le monde ne parvient pas à se défaire de ce fantôme et tente de le maîtriser, mais dans un renversement.

L’exploitation de la guerre israélo-palestinienne joue en cette affaire pleinement son rôle. Les juifs « avec ou sans Dieu », les chrétiens, les musulmans, les athées ont été saisis d’effroi à l’idée que l’État d’Israël, qui, à leurs yeux, est, quoi qu’on en ait, l’ultime preuve de l’existence du Dieu des juifs après la Shoah, ait pu intentionnellement et de sang froid détruire un enfant palestinien - un descendant d’Ismaël – en direct live.

Dans la Bible, Dieu envoie un ange pour retenir le bras d’Abraham prêt à égorger son fils Isaac. Mais dans ce scénario télévisuel, le Dieu des juifs montre qu’il n’a jamais été qu’un être sanguinaire qui a d’abord exigé l’égorgement d’Isaac, puis l’a sauvé afin d’accomplir ultérieurement la crucifixion de Jésus, puis l’assassinat du « petit Mohamed », figure réactualisée d’Ismaël.

C’est pourquoi, le soir même de la diffusion de ces images, pris au dépourvu, tout le monde a été hypnotisé par ce scénario et a commencé par croire en sa vraisemblance.

Il y avait aussi l’attente de savoir ce qu’Israël et son armée allaient dire. Dans un premier temps, les autorités israéliennes sont restées silencieuses, puis, le lendemain, elles ont récusé l’accusation d’assassinat ciblé et se sont s’excusées en invoquant le hasard dû à un échange de tirs, ce qui, pour moi, a, au moins, le mérite de montrer que non seulement elles connaissent les ordres données par leur commandement aux soldats, mais aussi qu’elles croient encore au Dieu des juifs.

Depuis, même ceux qui, au vu de l’effondrement de toutes les soi-disant preuves de France 2, sont acquis aux conclusions de ma contre-expertise, ne se mobilisent pas massivement pour exiger de la chaîne publique qu’elle fasse la lumière sur cette imposture palestinienne. Ce qui, à mes yeux, est la preuve que, pour eux, ce n’est encore pas l’essentiel. Ils trouvent toujours une « bonne » raison pour éviter de se confronter à cette exigence.

Ma conclusion ne fera plaisir à personne : il y a là une glaciation des esprits qui résulte de l’impossibilité actuelle de penser la folle satisfaction inconsciente du désir de démasquer le Dieu des Juifs.

(1) Gérard Huber, Guérir de l’antisémitisme, sortir de la condition post-nazie. Préface de Henry Bulawko, avant propos du père Jean Dujardin. Edition du Serpent à plumes, 2005.

Gérard Huber. Contre-expertise d’une mise en scène. Editions Raphaël. Paris, 2003. 242 pages. ISBN : 2-87781-066-6

A lire sur ce blog :

Affaire al-Dura/Israël notamment :
Une manifestation calme pour remettre le Prix de la Désinformation à Charles Enderlin et France 2

La justice française se prononcera sur les images controversées de « la mort de Mohamed al-Dura »
Interview de l'historien Richard Landes sur l'affaire al-Dura
Pas d’antisémitisme en France ?
Le sénateur Jean-Pierre Plancade a interpelé Rémy Pflimlin, futur président de France Télévisions, sur l’affaire al-Dura
Qui a tué Mohamed al Dura ? (2001) Documentaire de Esther Schapira. DVD, ASIN: B000E6TYTI
Dossier de Media-Ratings sur l'affaire al-Dura
Revue de presse sur l'affaire al-Dura
Dossier sur l'affaire al-Dura par CAMERA (Committee for Accuracy in Middle East Reporting in America)
Dossier sur l’affaire al-Dura par HonestReporting
Sites de l'historien américain Richard Landes :
http://www.seconddraft.org/movies.php
http://www.theaugeanstables.com/
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Judaïsme/Juifs
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Shoah (Holocaust)

Cet article a été publié pour la première fois sur ce blog le 14 août 2010 et modifié le 25 novembre 2011. Il a été republié le 27 novembre 2011 à la mémoire de Gérard Huber (1946-2011). Décédé le 24 novembre 2011, Gérard Huber a étéenterré au cimetière de Bagneux le lundi 28 novembre 2011 à 15 h 30. J'ai alors adressé mes condoléances à sa femme Danièle, et à ses enfants Jenny, Paul, Constance et Thomas-Elie.

Depuis le printemps 2010, mes centaines d’articles publiés par Guysen de 2002 à 2009, sauf un, ont disparu de son site Internet. Parmi ces articles, les éditoriaux écrits avec Guy Senbel. Interrogé, Guysen ne m’a donné aucune explication. Je publie ces articles sur mon blog.

Fichés ? Photographie et identification du Second Empire aux années 1960

2012-01-20T15:39:00.001+01:00

Les Archives nationales présentent l’exposition éponyme dense dotée d’un catalogue passionnant et d’un livret pédagogique gratuit sur le rôle majeur de la photographie dans les fichiers publics et privés en France, du Second Empire à la guerre d’Algérie. Les « fichiers Juifs » constitués sous l'Occupation en prélude à la déportation et à l'exterminsation des Juifs de France y sont évoqués.

Emile Zola pendant l’Affaire Dreyfus, Jules Bonnot, Thomas Mann, Fritz Lang, Jean Cocteau, Sacha Guitry, Samuel Beckett, Django Reinhardt…

Célèbres ou anonymes, intellectuels ou non, français ou étrangers, Juifs ou non, amateurs et professionnels, innocents ou malfaiteurs, étudiants ou marchands de bestiaux du Jura, « faiseuses d’anges » ou prostituées, soldats ou nomades, militants révolutionnaires de la Russie bolchevique ou de l’Empire colonial, ils ont tous leurs fiches nominatives dans des fichiers publics – nationaux ou locaux - et privés (associations, entreprises). Et pour des raisons diverses　: ordre public, persécutions antisémites, contrôle d’immigrés, activité professionnelle, etc.

Dès l’aube du XIXe siècle, « leur photographie figure dans un registre, dans un dossier, sur une feuille ou sur une fiche signalétique, où se trouvent par ailleurs consignées de très sommaires données biographiques ».

Une extension de la population photographiée
« Généralement promis à la destruction, des millions de ces documents insignifiants qui forment un « fichier » sont aujourd’hui conservés par les services d’archives, dépositaires de ces innombrables traces des multiples processus d’identification qui ont fait appel à la photographie　».

Cette exposition présente « les étapes marquantes de cette histoire de l’identification à travers la photographie, des premiers essais maladroits du Second Empire jusqu’au recensement de 1960 en Algérie » : « plus de 2300 documents illustrent les conséquences de la Commune de Paris, l’invention de la photographie judiciaire par Alphonse Bertillon, les fichiers de la police judiciaire, de la sûreté de l’Etat et de l’administration pénitentiaire, les fichiers des passeports et des cartes d’identité ».

C’est une vision globale qu’offre cette exposition puisant dans les services d’archives publics et privées. En effet,　les questions d’identité relèvent d’autorités de l’Etat et de collectivités locales　: Archives nationales, Archives nationales du monde du travail, Archives nationales d’Outre-mer, archives des ministères des Affaires étrangères et de la Défense, archives de la préfecture de police, archives départementales et municipales, etc. Elles concernent aussi les associations, sportives, culturelles, éducatives ou autres, et entreprises dont des archives sont montrées.

Des malfaiteurs ou suspects, le procédé d’identification par la photographie a été étendu « à des catégories de plus en plus nombreuses jusqu’à concerner l’ensemble de la population ».

« Au-delà des techniques bureaucratiques ou policières de contrôle et de surveillance, c’est toute la complexité des rapports entre l’Etat et les citoyens qui se trouve ainsi révélée, entre résistance et consentement, protection et répression, indulgence et violence douce ».

Parmi « cette multitude d’individus identifiés, les visages photographiés, aux regards tantôt inquiets, tantôt stupéfaits, fermés, séducteurs, insolents, parfois bouleversants, restituent à ces destins obscurs ou célèbres leur inaliénable dignité individuelle　».

Variété des fichiers

A partir de la Première Guerre mondiale, les citoyens ordinaires sont fichés par l’Etat qui exige des étrangers en 1917 une carte d’identité avec photo, et délivre une carte aux veuves de guerre et mutilés afin qu’ils fassent valoir leurs droits.

Près des préfectures et commissariats, s’installent des photographes professionnels, souvent d’origine étrangère, bénéficiant de cette clientèle de proximité. Bientôt, ils affrontent la concurrence des Photomaton offrant à un prix modique des portraits d’identité conformes aux critères requis.

Les bouleversements historiques – génocide des Arméniens et Assyro-chaldéens, révolution bolchevique, persécutions antisémites, indépendance d’anciens protectorats français en Tunisie et au Maroc, etc. - affectant certains pays ou peuples provoquent l’immigration dans la patrie des droits de l’homme d’étrangers : réfugiés, apatrides…

Des statistiques révèlent l’ampleur du phénomène : 1,5 million de Russes et d’Arméniens déchus de leur nationalité et interdits de retour chez eux de 1921 à 1927 arrivent en France.

Puis, l’avènement du nazisme amène en France des Juifs et opposants au régime hitlérien provenant de l’Allemagne, de l’Autriche, etc. Pour certains, Paris est un lieu de transit avant les Etats-Unis, pour d’autres c’est un havre où ils espèrent se fixer définitivement.

Les « fichiers Juifs »

Dans un hôtel de Marseille, entre 1941 et 1942, le Centre d’émigration de Bompard (Bouches-du-Rhône) avait une capacité d’accueil d’environ 250 internés femmes et enfants – les hommes étant généralement internés au camp des Milles, au nord de Marseille. La quasi-totalité de ces internés étaient des réfugiés Juifs souhaitant émigrer.

L’exposition consacre un espace aux «　fichiers Juifs　». «　Dans toute l’Europe occupée par les Nazis, l’exclusion puis l’extermination des Juifs a imposé l’étape préalable de l’identification. En France, le terme de « fichier juif » recouvre des réalités différentes　». Par leur première ordonnance concernant les Juifs en date du 27 septembre 1940, les autorités allemandes d’occupation «　imposent aux Juifs de se faire enregistrer dans les préfectures et, à Paris, dans les commissariats de police　». Signe de l’efficacité des préfectures de police, environ 150　000 Juifs de la région parisienne et 20　000 dans le reste de la zone occupée sont ainsi recensés. «　Sur cette base, un fichier est conçu par André Tulard, responsable du service des étrangers – et des Juifs depuis septembre -, adjoint de Jean François, directeur des affaires administratives de police générale à la préfecture de police. Les fiches sont classées par nom, par nationalité, par domicile et par profession. Des fiches de couleur bleue servent à l’enregistrement des Juifs français, les autres de couleur orange ou beige à celui des étrangers. Les fiches de format 7 cm x 12 cm ont été payées par le Comité de coordination des œuvres juives, créé en janvier 1941 sur l’injonction des services allemands　».

Par la « loi » du 2 juin 1941 signée le même jour que celle – c’est la deuxième – portant «　statut des Juifs », le régime de Vichy «　organise son propre recensement par l’intermédiaire des préfectures　». Toute «　personne définie comme juive aux termes de cette loi devra se déclarer. Le ministère de l’Intérieur fournit aux préfectures, à charge pour elles de les envoyer dans les mairies, des formulaires de déclaration individuelle. Mais certaines seront réalisées sur papier libre. Les Juifs doivent déclarer leur état-civil, leur situation familiale, leur profession et un état de leurs biens. Le secrétariat général pour la police précise aux préfets　: «　Ces exigences formelles seront portées à la connaissance des Juifs par tous les moyens de publicité que vous jugerez utiles　: presse, radio, affiches, etc. Dans les petites communes, l’arrêté municipal sera diffusé à son de trompe ou de caisse…　». Cette décision concerne d’abord la zone sud, où aucun recensement n’avait été opéré　».

A partir des déclarations individuelles, sont établis des fichiers dans les préfectures.

Le 29 juillet 1941, le secrétaire d’Etat à l’Intérieur envoie aux préfets de la zone libre une circulaire très détaillée précisant les modalités – nombre, modèle, taille, couleur des fiches – de ce fichage. Trois fichiers sont prévus　: pour les Juifs français, les Juifs étrangers et les entreprises Juives. Chacun des deux premiers fichiers se divisera «　d’une part en fichiers classés par noms, nationalités, domiciles et professions, d’autre part en un fichier des commerçants avec renseignements sur leurs biens. Près de 110　000 fiches parvinrent ainsi au fichier central, installé à l’hôtel de Russie, àVichy　».

À ces «　fichiers établis par la préfecture de police et les préfectures des départements s’ajoutent des fichiers établis à l’issue des arrestations ou d’autres constitués à partir du dépouillement par les autorités, à l’insu des personnes concernées, de fichiers préexistants comme ceux des cartes d’identité. Dans ce cas, l’origine géographique ou le patronyme servent de critères à l’opération d’identification　».

De «　nombreux autres «　recensements contrôle　» et des demandes de renseignements débouchent régulièrement, selon les départements, en zone nord comme en zone sud, sur l’établissement de listes et de nouvelles fiches　: Juifs anciens combattants, écoliers, étrangers, possesseurs d’une TSF, etc.　».

L’inscription d’un «　J　» majuscule, les mentions «　Juif　» ou « Juive » apparaissent ainsi sur les cartes d’identité, des fiches d’étrangers, etc.

Le «　fichier Juif　» a été remis en 1996 par les Archives nationales au Centre de documentation juive contemporaine (CDJC). Il est conservé dans la crypte du Mémorial de la Shoah (Paris). Il «　provient du ministère des Anciens combattants qui avait rassemblé des fichiers de différentes origines concernant des Juifs arrêtés. Il ne s’agit donc pas du fichier élaboré à la préfecture de police à partir du recensement imposé en septembre 1940 par l’occupant allemand, dit « fichier Tulard » détruit à la fin des années 1940. Les fichiers de la préfecture de police qui nous sont parvenus comprennent les fiches individuelles et familiales des Juifs arrêtés à Paris et dans le département de la Seine. Ont été également préservées les fiches des camps de Drancy, de Pithiviers et de Beaune-la-Rolande dans le Loiret. Tous ces fichiers présentent une subdivision spécifique pour les enfants internés　».

Gardé par les Archives départementales des Bouches-du-Rhône, le fichier des cartes d’entrée permanente à la bourse des marchandises de Marseille (1941-1942) a «　été, semble-t-il, utilisé par la police de Marseille pendant l’Occupation. On relève que la très grande majorité des fiches sont en effet celles de Français de confession israélite. Aux archives départementales des Bouches-du-Rhône, ce fichier est régulièrement consulté dans le cadre des recherches de la CIVS (Commission pour l’indemnisation des victimes et spoliations intervenues du fait des législations antisémites pendant l’Occupation).

Une sélection de fiches de «　demandes de carte d’identité d’étrangers résidant dans le département de la Haute-Loire, tamponnées de la mention « Juif » par l’administration préfectorale de l’état français, 1939-1943　» est révélatrice　: «　faite sur l’intervalle des patronymes commençant par x, y ou z, cette sélection montre comment les autorités, dans le département de la Haute-Loire, ont utilisé les fichiers de cartes d’identité d’étrangers pour repérer les étrangers de confession israélite qui, par ailleurs, étaient identifiés par les multiples opérations de recensement. Dans la mesure où la religion n’était pas indiquée sur les fiches des cartes d’identité, les sélections s’opéraient sur la consonance du patronyme, du prénom, ou sur le lieu de naissance… Ce « détournement » de fichier a été également mis en œuvre dans les fichiers des « cartes d’identité de Français ». En mars 1942, Joseph Rivalland, ministre de l’Intérieur, demande aux préfets de faire apparaître sur les cartes d’identité la mention « juif », ce qui n’était pas prévu par la loi du 27 octobre 1940. Symbole d’un État fort qui s’engage à faire advenir un ordre nouveau, la carte d’identité est utilisée concrètement pour épurer une communauté nationale que Vichy entend régénérer par l’exclusion des « métèques » qui l’ont abâtardie. Dans le cadre de cette politique ségrégationniste, les procédures d’attribution de la carte d’identité s’avèrent précieuses pour le régime pétainiste. L’apposition de la mention « Juif » sur les cartes d’identité lui sert à rendre visible une sous-citoyenneté à des fins directement répressives　» (Thomas Fontaine).

Jusqu’en 1944, en instrumentalisant l’Union générale des Israélites de France (UGIF), le Commissariat général aux questions juives (CGQJ) centralise les renseignements obtenus pour constituer un grand fichier des Juifs de France et de leurs biens. Son modèle ? Le fichier de la préfecture de police. Par manque de moyens financiers, la police nationale prend le relai du CGQJ dans la constitution de ce fichier. Puis, devant l’ampleur de la tache, Xavier Vallat demande que «　les fiches soient envoyées au service de la démographie – puis service national des statistiques – et à ses ateliers de mécanographie ». Ces aller et retour des fiches ont du induire la duplication des fiches et leur conservation par les services émetteurs avant leur envoi.

Ces fiches ont facilité la tache des persécuteurs des Juifs. Ainsi, à Paris, « le « fichier Tulard » permit de cibler les Juifs étrangers, les premiers arrêtés selon leurs nationalités dès le printemps 1941 et lors des grandes rafles de l’été 1942 ».

A Drancy, les « bureau des effectifs procédait à l’enregistrement des détenus et constituait des fiches de tous les entrants dans le camp, classées par ordre alphabétique et par catégories de «　déportables ». Quotidiennement mis à jour, ces fichiers servaient à l’établissement des listes des convois programmés au départ des gares du Bourget, puis de Bobigny » (Thomas Fontaine).

À la Libération, « les cartes portant la mention « juif » et celles précisant le mode d’acquisition de la nationalité sont retirées ».

Le « fonds de Moscou » et les autres

Quant au « fonds de Moscou », il est constitué de sept millions de fiches rédigées par la police nationale pour la Sûreté nationale jusqu’en 1939. En 1940, les Allemands découvrent dans un bâtiment parisien sis rue des Saussaies, près du siège du ministère de l’Intérieur, ce fichier qu’ils transfèrent en Allemagne. En 1945, l’Armée rouge le trouve en Bohème et l’amène près de Moscou où le KGB l’analyse secrètement. Après la chute de l’URSS, la France négocie le retour de ses archives publiques, dont ce « fonds de Moscou » désormais conservé par les Archives nationales à Fontainebleau.

Cette exposition s’achève avant l’ère de l’informatique.

L’informatique suscite d’autres problèmes – difficulté du traitement des données en raison de leur abondance, fragilité de leur conservation, coût financier qui bénéficie aux criminels, etc. -, et renforce la peur du Big Brother.

Cette nouvelle technologie n’a pas éliminé la photographie　– émise par la Sécurité sociale, la carte Vitale présente désormais la photo de son titulaire - ou le portrait signalétique. Celui-ci a permis par sa diffusion d’arrêter le gang des Barbares responsable du rapt, de la séquestration et de la mort du jeune Juif français Ilan Halimi en 2006.

De plus, depuis quelques décennies, la photographie d’identité standard est contestée par des musulmanes portant un foulard islamique, la burka ou le niqab, tout vêtement dissimulant tout ou partie de leur visage et de leur chevelure.

Quant à l’absence de fichiers ethniques ou religieux, elle permet à des statistiques fantaisistes sur certains groupes de circuler.

Sous la direction de Jean-Marc Berlière et de Pierre Fournié, Fichés ? Photographie et identification du Second Empire aux années 1960. Éditions Perrin, 2011, 335 p. ISBN : 978-2-262-03675-1 Prix : 28 €

Jusqu’au 23 janvier 2012
Aux Archives nationales

A l’hôtel de Soubise

60, rue des Francs-Bourgeois, 75003 Paris

Les citations sont extraites du catalogue et du livret de cette exposition.

Visuels de haut en bas :
Rapport du commissariat spécial depolice de Bordeaux, accusant réception du signalement de l'écrivain Emile Zola,1898
© Archives nationales

Fiche individuelle de Jean Bonnot(bande à Bonnot) tirée du fichier central de la sureté nationale aussi appeléfonds de Moscou

Fiche individuelle de Jean Cocteautirée du fichier central de la sureté nationale aussi appelé fonds de Moscou

© Archives nationales

Boîte contenant le fichier desservices français de la Haute commission interalliée des territoires rhénans,1919-1930
© Archives nationales

Registre à souche des cartesdélivrées aux élèves de l’école des Beaux-arts, 1906-1923 : page des numéros1261 à 1264

Boîte contenant des fiches dufonds de Moscou

Articles sur ce blogconcernant :

L’orchestre philharmonique d’Israël fête son 75e anniversaire

2012-01-18T17:22:00.000+01:00

Arte a diffusé les 31 décembre 2011 (versionraccourcie) et 15 janvier 2012 (version intégrale) le concert de l’Orchestrephilharmonique d’Israël (IPO) dirigé parZubin Mehtapour son 75^e anniversaire dans une réalisation de János Darvas, puisdiffusera le 18 janvier 2012 « Coming home, 75e anniversaire de l’orchestre philharmonique d’Israël », documentaire de ce réalisateur(2011). L’histoire d’une formation qui a préexisté à la recréation de l’Etat d’Israëlet est devenue « l’un des grands ambassadeurs dela musique classique dans le monde ».

Célèbre dans et hors de son pays, l’Orchestre philharmonique d’Israël est fondé, sous le nom d’« Orchestre de Palestine », par Bronislaw Huberman, violoniste Juif d’origine polonaise ayant fui Vienne, en 1936.

Bronislaw Huberman espérait « unir le désir du pays pour un orchestre avec le désir de musiciens Juifs pour un pays » et assurer « la matérialisation de la culture sioniste dans sa patrie ». Il a persuadé 75 excellents musiciens, démis de leurs fonctions d’orchestres européens réputés par application de lois antisémites, de le suivre en Palestine mandataire pour y constituer un orchestre. Et les a ainsi sauvés de la Shoah.

Ses rangs se sont étoffés par l’afflux de musiciens Juifs expulsés des orchestres européens au fur et à mesure de l’emprise du nazisme et de la domination du IIIe Reich en Europe.

C’est sous la baguette d’Arturo Toscanini (1867-1957), maestro né en Italie, directeur musical de l’orchestre de la NBC et antifasciste notoire, qu’a lieu son premier concert le 26 décembre 1936. «　Je le fais pour l’humanité », explique alors Toscanini qui assure cette prestation artistique gracieusement.

De prestigieux chefs d’orchestre lui succèdent : Sir Malcolm Sargent, Paul Ben-Haim…

Rapidement, l’orchestre s’est produit hors de la Palestine mandataire, et a effectué des tournées pendant la Seconde Guerre mondiale en Egypte (1940-1943), pour les soldats des forces Alliées (1942-1944) et les membres de la Brigade Juive de l’Armée britannique.

Le 14 mai 1948, lors de la cérémonie historique de déclaration de l’Etat d’Israël, cet orchestre a interprété la Hatikva, hymne national de l’Etat Juif. Dès lors, il s’appelle Orchestre philharmonique d’Israël.

Musique et histoire
Son histoire est intimement liée à celle de l’Etat Juif.

Le 20 novembre 1948, à Beer Sheva conquise par Tsahal, l’orchestre dirigé par Leonard Bernstein se produit devant 5 000 soldats dans les dunes du Néguev. Lors de la Guerre d’Indépendance, les musiciens ont voyagé en véhicules blindés pour jouer dans Jérusalem assiégée.

En juillet 1967, c’est dans la Jérusalem réunifiée après la guerre des Six-jours que cet orchestre interprète, dans l’amphithéâtre du mont Scopus, sous la direction de Leonard Bernstein, la Symphonie n° 2 Résurrection de Gustav Mahler ; Isaac Stern en est le soliste.

Lors de la guerre du Kippour, l’IPO a joué devant les soldats des hauteurs du Golan jusqu’au Sinaï.

Pendant la Première guerre du Golfe, Zubin Mehta revient précipitamment en Israël pour diriger l’IPO sous les attaques des Scud ; 25 musiciens étaient des réservistes.

Un ambassadeur culturel d’Israël

Après William Steinberg (1936-1938), se sont succédés à la direction de ce prestigieux orchestre le pédagogue Leonard Bernstein (1947-1949) – chef d’orchestre d’honneur en 1967 -, Paul Paray (1949-1950, Bernardino Molinari, Jean Martinon (1957-1959), et depuis 1968 Zubin Mehta – celui-ci l’a dirigé en 1961 pour la première fois　; tous deux avaient 25 ans. Zubin Mehta est le conseiller musical depuis 1968 et directeur musical de cet orchestre depuis 1977.

Pour plus de la moitié, ses 100 musiciens sont des sabras (nés en Israël). Les autres dont originaires d’Europe de l’Est et de Russie (35%) ainsi que des Etats-Unis (15%).

Parmi les artistes invités　par l’IPO: les chefs d’orchestre Leonard Bernstein, Kurt Masur et Lorin Maazel, et les violonistes Isaac Stern et Yehudi Menuhin.

Le large répertoire de l’IPO va de Beethoven, Mozart, Brahms à Mendelsshohn et Tchaïkovsky, mais pas Wagner en raison de son antisémitisme et de l’instrumentalisation de ce compositeur par le IIIe Reich. Cet orchestre ne s’est produit en Allemagne, pays à l’origine de la « Solution finale », qu’à partir de 1971, année où Zubin Mehta y a dirigé la Hatikvah, hymne national israélien. Le moment le plus émouvant de sa vie. A la fin des années 1980, l’IPO s’est rendu au camp d’Auschwitz lors d’une tournée en Pologne, Hongrie et dans l’ex-URSS. En 1994, Zubin Mehta, né à Bombay, a mené l’IPO en Chine et dans son Inde natale après que l’Etat Juif ait établi des relations diplomatiques avec ces deux puissances asiatiques.

Cet orchestre s’est hissé parmi les meilleurs orchestres de musique classique et donne environ 200 concerts chaque année, en Israël et dans d’autres pays du monde. Dès 1971, il est invité dans des festivals prestigieux : Salzbourg, Lucerne, Edinbourg.

L’IPO a enregistré des œuvres de Beethoven, Mozart, Brahms, Mendelssohn et Dvorak pour des labels célèbres : Sony Classique, Teldec, EMI et Deutsche Grammophon.

Particularité : cet orchestre est une coopérative indépendante, i.e. il appartient aux musiciens qui le gèrent. Participent à ses concerts de jeunes musiciens qui se forment aux côtés de leurs ainés. A l’IPO a été ajouté un Jeune orchestre philharmonique d’Israël (Young Israel Philharmonic Orchestra) soutenu par des bourses.

Lors de son 60^eanniversaire, étaient présents　« les artistes ayant débuté leur carrière avec l’IPO : Yitzhak Perlman, Daniel Barenboim, Pinchas Zuckerman, Yefim Bronfman, Shlomo Mintz et le jeune virtuose Gil Shaham ». L’IPO a séduit 6 200 nouveaux abonnés, un record pour un orchestre symphonique.

Cet orchestre populaire détient le record de la plus grande souscription publique par habitant au monde.

Sous la houlette de Zubin Mehta, l’IPO a organisé des rencontres musicales entre jeunes Israéliens et Palestiniens. Il a lancé le programme Keynote qui rassemble 20　000 jeunes, du jardin d’enfants à l’université. Ses solistes forment les étudiants de la Buchmann-Mehta School of Music à l’université de Tel-Aviv.

Le 1^erseptembre 2011, lors de son concert au Royal Albert Hall (Londres) dans le cadre des prestigieux Proms, festival estival musical, de la BBC, l’IPO a été la cible d’activistes pro-palestiniens qui ont interrompu à plusieurs reprises le spectacle. Scandalisé, le public a soutenu l’IPO. La diffusion du concert par la BBC a été annulée – pour la première fois dans l’histoire des Proms - et reportée pour partie au 7 septembre 2011. Avant ce concert, des organisations prônant le boycott culturel d’Israël avaient demandé à la BBC d’annuler ce concert. Ce que la BBC avait refusé.

Pour son 75^eanniversaire, l’Orchestre philharmonique d’Israël a proposé notamment un grand concert anniversaire sous la direction de Zubin Mehta, le 24 décembre 2011 au Hangar, à Tel Aviv, ville où il réside (Auditorium Fredric R. Mann).

Au programme : la Symphonie n° 8 de Ludwig van Beethoven, Poème pour violon et orchestre op. 25 d'Ernest Chausson (avec Vadim Repin au violon), Carmen Fantasie pour violon et orchestre de Franz Waxmann (avec Julian Rachlin au violon) et le Concerto pour piano n° 1 de Frédéric Chopin (avec Evgeny Kissin au piano).

De larges extraits de concerts dirigés par Zubin Mehta et de séances de répétitions, des archives sur Arturo Toscanini, Arthur Rubinstein, Leonard Bernstein et Isaac Stern, et des interviews de membres des débuts jusqu’à nos jours ponctuent ce portrait de János Darvas. Zubin Mehta, Daniel Barenboim, Yefim Bronfman et Pinchas Zukerman décrivent leur « lien avec cette vénérable institution ».

Un « passionnant dialogue musical entre passé et présent ».

L'Orchestre philharmoniqued’Israël

Direction musicale de Zubin Mehta
Réalisation de János Darvas
Allemagne, 2011, 1 h 10 minutes

Le concert du 75^eanniversaire sera diffusé les :

- 31décembre 2011 à 16 h 25 (version courte)
- 15janvier 2012 à 18 h 10 (version intégrale)

« Coming home,75e anniversaire de l’orchestre philharmonique d’Israël »

Documentaire de JánosDarvas
Allemagne, 2011, 52 minutes
Diffusion le 18janvier 2012 à 22 h 10

Visuels de haut en bas :
Coming Home
© IPO Archiv

Cet article a été publié une première fois le 30 décembre 2011 à 14 h 52 et modifié le 18 janvier 2012.

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Alfred Nakache, le nageur d'Auschwitz

2012-01-18T09:51:00.000+01:00

Cet article est republié à l'occasion de l'exposition Des JO de Berlin aux JO de Londres (1936-1948) au Mémorial de la Shoah (Paris).

Une exposition itinérante du Mémorial de la Shoah et de la Ville de Sète, un livre de Denis Baud et un documentaire de Christian Meunier éponymes rendent hommage au champion français de natation Alfred Nakache (1915-1983). Né dans une famille juive de Constantine (Algérie), Alfred Nakache multiplie les records et les titres dès son adolescence. Victime des persécutions antisémites du régime de Vichy, ce champion juif français est déporté de Toulouse à Auschwitz avec sa femme et leur fille. Seul survivant, il parvient après guerre à renouer avec une brillante carrière de champion de natation, tout en gardant ses qualités morales.

Alfred Nakache naît en 1915 dans une famille juive de Constantine (petite Kabylie, Algérie). La famille Nakache est arrivée d’Irak au XIXe siècle dans ce site exceptionnel : dominant un cours d’eau, le Rhummel, la cité est désenclavée par des ponts modernes. La France dote alors Constantine d’établissements publics (Hôtel de Ville, palais de justice, bureau de poste) et culturels (théâtre).

Le grand-père d’Alfred Nakache, est commerçant dans le ghetto de Constantine. Son père, David, directeur du Mont-de-Piété, devient veuf à la mort de la mère d’Alfred. Attaché aux valeurs républicaines – ordre, mérite - et au judaïsme, il se remarie avec sa belle-sœur Rose et a dix enfants de ses deux mariages. Alfred Nakache est le premier garçon de la fratrie d’une famille unie et sportive.

La natation, une vocation

Vers l’âge de dix ans, cet élève discret parvient à surmonter sa peur de l’eau. Mieux, il prend « le goût de l’eau », se souvint-il. Repéré pour ses aptitudes physiques, il est entraîné dans la piscine olympique par deux Français effectuant leur service militaire à Constantine. Après leur départ, Alfred Nakache poursuit seul sa formation. Cet amateurisme marque longtemps son style : « tout en puissance, peu orthodoxe ».

Alfred Nakache intègre l’Union nautique de Constantine, puis la Jeunesse nautique de Constantine dont il apprécie « l’esprit de camaraderie, de solidarité ».

La gloire des années 1930

Septembre 1931. Cet adolescent participe aux championnats d’Afrique du Nord. Première compétition. Première déconvenue : il est disqualifié pour n’avoir pas respecté son couloir !

Peu après, il remporte la Coupe de Noël de Constantine, une course de 400 mètres en mer, à Philippeville. Cette première victoire rassure le père d’Alfred Nakache qui espérait une carrière plus sûre.

Le jeune Alfred vibre au rythme des compétitions auxquelles participent des nageurs adulés, ses modèles : Jean Taris, Jacques Cartonnet…

En 1933, interne au prestigieux lycée parisien Janson de Sailly, il obtient la 2e partie de son Bac.

Membre du Racing Club de France et du Club nautique de Paris, il concourt dans les championnats de France. En 1935, il devient champion de France (100 m). Un titre qu’il conserve en 1936.

Motivé par l’enseignement, il entre à l’Ecole Normale Supérieure d’Education Physique (ENSEP).

L’antisémitisme ? Il est vivace en Algérie, exprimé notamment par les maires d’Alger (Edouard Drumont, auteur de La France juive), de Constantine, d’Oran… C’est à Constantine, la « petite Jérusalem » au sionisme fervent, que se déroule le 5 août 1934 un pogrom commis par des Algériens musulmans. Les autorités françaises réagissent avec retard. On dénombre 25 morts juifs.

En 1935, Alfred Nakache est l’un des mille sportifs juifs aux 2e Maccabiades, à Tel-Aviv. Il y gagne la médaille d’argent du 100 m nage libre (« crawl »).

Le Front populaire adopte des mesures visant à développer le sport. Alfred Nakache apprend la natation aux jeunes Parisiens.

En 1936, après avoir hésité, le Front populaire décide d’envoyer une délégation aux Jeux olympiques à Berlin, dans l’Allemagne nazie. L’équipe du relais 4x200m nage libre – Talli, Cavallero, Taris, Nakache - se classe 4e, devant l’Allemagne.

En 1937, Alfred Nakache effectue son service militaire dans un bataillon groupant des sportifs de haut niveau. Surnommé Artem, populaire, souriant, gentil, il collectionne les titres : champion de France aux 100 m et 200 nage libre, 200 m brasse, etc.

Les médias se font l’écho de la rivalité entre deux nageurs aux tempéraments opposés Nakache et Cartonnet, le sérieux de la préparation contre le désinvolte, la puissance de la nage contre un l’esthétique du style.

Alfred Nakache épouse une amie d’enfance sportive elle aussi, Paule Elbaz.

En 1939, comme ses frères Roger et Prosper, ce professeur d’éducation physique est mobilisé.

Démobilisé en juin 1940, il retrouve son épouse à Paris. Roger Nakache est mort pour la France.

« Nager pour résister » (Denis Baud)

Sous le régime de Vichy, les statuts des juifs le privent de sa nationalité française, lui interdisent l’exercice de son métier, etc.

Fuyant Paris, il se réfugie en janvier 1941 en zone libre, à Toulouse, où il rejoint le club prestigieux des Dauphins du TOEC, leur entraîneur, Alban Minville, et leur maître nageur, Jules Jany, qui deviendront ses amis. Il retrouve Jacques Cartonnet… journaliste sportif au Grand écho du Midi et qui exprime son antisémitisme.

Dans la « ville rose », Alfred Nakache se laisse convaincre par Minville qu’il progressera davantage en perfectionnant sa brasse papillon. Tous deux innovent dans la préparation sportive : analyse des photos pour mieux découvrir les points faibles des nageurs rivaux, dissociation du mouvement des bras et de celui des jambes afin de gagner en vitesse par un effort moins intense, travail sur le souffle.

Alfred et Paule Nakache gagnent leur vie en dirigeant un gymnase rue Paul-Féral.

Alfred Nakache participe aux actions de promotion de la natation organisées par le ministère des Sports dirigé par Jean Borotra, ancien joueur de tennis.

Toujours en 1941, il bat les records de France, puis d’Europe, et enfin du monde du 200 m brasse papillon en 2’36’’.

C’est dans sa ville natale que naît sa fille Annie.

Les persécutions antisémites se multiplient. Le 26 août 1942, 900 juifs sont raflés à Toulouse. Mgr Jules-Géraud Saliège proteste. Des Français s’émeuvent.

Tandis qu’une partie de la presse salue les records battus par Alfred Nakache, des journaux appellent à son exclusion de toute compétition nationale en raison de sa judéité. A Alger, devant les injures de spectateurs, Alfred Nakache ne peut concourir.

Après l’invasion de la zone sud, les menaces croissent. Mais Alfred Nakache croit en l’avenir, bénéficie de soutiens parmi les dirigeants sportifs et ses collègues. Il se rapproche aussi de l’Armée juive, organisation sioniste dont les membres sont entraînés par lui dans son club sportif de 1941 à 1943. Nombre d’entre eux rejoindront le maquis, tandis que Jacques Cartonnet exhorte les Toulousains à entrer dans la milice.

Sous pression allemande, la Fédération française de natation (FFN) interdit en 1943 à Alfred Nakache de participer aux championnats de France. A la demande du TOEC, la FFN tente d’infléchir les Allemands. En vain. Par solidarité avec Alfred Nakache, les Dauphins du TOEC déclarent forfaits. Tout comme certains de ses rivaux, dont le Lyonnais Lucien Zins. Après des championnats qui n’ont pas attiré beaucoup de spectateur, la FFN adresse un blâme au Club toulousain et nomme un nouveau président.

Selon son frère Robert, Alfred Nakache aurait tenté de se réfugier en Espagne avec sa femme et leur fille. Mais les pleurs d’Annie auraient incité le couple à retourner à Toulouse de crainte de mettre en danger le groupe auquel ils s’étaient joints dans ce périple.

Le 20 décembre 1943, le couple Nakache est interpelé à son domicile ; leur appartement pillé. Confiée à une institution municipale, la petite Annie est arrêtée par la Gestapo.

Dénonciation ? Arrestation à titre de représailles ? Alfred Nakache penche pour la dénonciation d’un milicien, un « homme abject qui se prétendait être notre ami ».

De la prison, tous trois sont transférés à Drancy, puis de là, le 20 janvier 1944, par le convoi 66 à Auschwitz. Paule et Annie y sont gazées. Alfred Nakache est amené au camp de travail d’Auschwitz III, puis à l’hôpital du camp. Il fait « preuve de courage et de solidarité » et se lie d’amitié avec « Young » Perez, son aîné né en Tunisie en 1911, et Noah Klieger. Juif déporté de France, « Young » Perez est le plus jeune champion du monde dans sa catégorie poids mouches en 1931.

Pour l’humilier, les nazis l’obligent à retrouver des objets qu’ils lancent dans un espace de rétention d’eau sale.

A l’approche des Alliés, il est contraint « aux marches de la mort » consécutives à l’évacuation par les Nazis de déportés d’Auschwitz. « Young » Perez est assassiné par un Nazi lors de ces marches.

Alfred Nakache atteint Buchenwald. Ce camp est libéré le 11 avril 1945.

Alfred Nakache ne se précipite pas pour rentrer en France : il dirige l’hôpital pour aider encore et toujours les plus faibles.

Après Auschwitz

A Toulouse, la piscine municipale porte désormais son nom, alors que nul ne sait s’il est toujours vivant.

L’épuration épargne nombre d’individus. Ainsi, E.G. Drigny, qui avait soutenu les sanctions contre les TOEC en 1943, demeure président de la FFN.

Alfred Nakache arrive à Paris le 28 avril 1945.

Brisé par la nouvelle de l’assassinat de son épouse et de sa fille, aidé par ses amis et son entraîneur Alban Minville, Alfred Nakache reprend progressivement son entraînement et enseigne l’éducation physique.

Exploit : il remporte les championnats de France de l’épreuve du 4 x 200 m et du 3 x 100 m 3 nages dans les épreuves de relais.

Diffamé par l’accusation de « complicité d’homicide involontaire », Alfred Nakache défend victorieusement son honneur.

Contacté par Abraham Polonski, ancien responsable de l’Armée juive, il cache dans son gymnase des armes destinées au futur Etat d’Israël.

Il renoue avec la compétition au plus haut niveau. Juillet 1946 : champion de France du 200 m brasse. Recordman du monde du relai 3 x 100 m trois nages avec Alex Jany et Georges Vallerey. Participation aux Jeux olympiques à Londres (1948).

Alfred Nakache épouse une jeune Sétoise, Marie. Il arrête sa carrière sportive dans les années 1950. Il se consacre à sa salle de sports, à son métier d’enseignant auprès d’étudiants à Toulouse puis à La Réunion : il est décoré des Palmes académiques.

Il participe aussi à l’entraînement d’un talentueux nageur, Jean Boiteux.

Il accueille à Toulouse sa famille ayant du quitter l'Algérie : l'assassinat en 1961 du réputé musicien juif Raymond Leyris, dit Cheikh Raymond, induit le départ de la communauté juive de Constantine. Les parents âgés d'Alfred Nakache ne supportent pas ce déracinement et meurent peu après leur installation à Toulouse.

Alfred Nakache décède à Sète d’un arrêt cardiaque le 4 août 1983.

Le 7 juillet 1993, son nom est inscrit au tableau de l’International Jewish Sports Hall of Fame (IJSHOF) de l’Institut Wingate à Netanya (Israël). Au côté notamment de « Young » Perez.

Dans le sillage du discours du Président Jacques Chirac reconnaissant en 1995 la responsabilité de la France dans l’accomplissement de « l’irréparable », une commission enquête sur le sport sous le régime de Vichy.

Soutenu par le ministère des Sports et des collectivités locales, un documentaire est réalisé par Christian Meunier sur Alfred Nakache. Des espaces sportifs municipaux à Paris et Nancy portent le nom de ce champion qui « demeure une des gloires de la natation française : le successeur de Jean Taris, le modèle et l’aîné d’Alex Jany et de Jean Boiteux, ses amis toulousains » (Didier Foucault).

Denis Baud, Alfred Nakache, le nageur d’Auschwitz. Ed. Loubatières, 2009. 128 pages. ISBN 978-2-86266-5

Jusqu’au 4 juin 2010

A l’Hôtel de Ville de Sète

Interviews de Caroline François, responsable des expositions itinérantes au Mémorial de la Shoah, et d’Hubert Strouk, coordinateur régional, par le journaliste Vincent Lemerre (Mémoires vives, RCJ, 23 mai 2010)

Christian Meunier, Alfred Nakache, le nageur d'Auschwitz. 2001, France. 52 minutes

Visuels de haut en bas :

Alfred Nakache et Jean Taris, France, années 1930.
© D.R.

Alfred Nakache lors d’une compétition en 1939.
© D.R.

Les trois frères Nakache, Roger, Prosper et Alfred sont mobilisés en 1939.
© Coll. Nakache

Alfred Nakache, dans sa nage emblématique, le papillon, au championnat de France en 1941.
© Mémorial de la Shoah/CDJC.

Partie du Mur des noms au Mémorial de la Shoah à Paris où sont gravés notamment les noms de la famille Nakache déportée de France en 1944 « dans le cadre du plan nazi de la destruction des Juifs d'Europe, avec la collaboration du gouvernement de Vichy »
© Véronique Chemla

Alfred Nakache et ses coéquipiers du TOEC, Toulouse, 1946.
© D.R.

Cette exposition a été publiée la première fois le 30 mai 2010.

Des jouets et des hommes

2012-01-17T07:51:00.002+01:00

Mille jouets occidentaux de l’Antiquité à nos jours sont réunis au Grand Palais pour conter une histoire conjuguant divertissement, émerveillement, fascination, pédagogie, nostalgie, apprentissages, transmissions, interrogations, enseignement, voire douleur lors de la perte. Un jouet qui prépare aussi l’enfant à l’âge et au monde adultes, à la vie sociale. Une exposition surfant sur les stéréotypes, et occultant les jouets Juifs.

« Le joujou est la première initiation à l’art », Charles Baudelaire

Poupées antiques, poupées princières, Barbie, trains, avions, bateaux, voitures, ours, automates presque vivants, jeux en bois ou en terre cuite, jeux vidéo batailleurs, figurines en plomb ou en plastique, soucoupes volantes, arches de Noé, un Père Noël dans un avion… Ces mille jouets de l’Antiquité au XXIe siècle sont réunis dans cette exposition organisée par la Rmn-Grand Palais en collaboration avec Les Arts Décoratifs, qui garde à Paris une des plus importantes collections de jouets en Europe Paris, et co-organisée par l’Helsinki Art Museum.

Certains objets proviennent d’institutions culturelles françaises et internationales prestigieuses, dont le Victoria & Albert Museum à Londres, le Musée du jouet à Nüremberg (Allemagne) ou le Strong à Rochester (E.U), ainsi que de collections particulières européennes.

Entre mimétisme et imaginaire

Fabriqués en série ou par des artistes célèbres tels Alexandre Calder, Felix Garcia Torres ou Benjamin Rabier, exceptionnels ou abandonnés dans des chambres d’enfant, vendus dans des magasins ou de grandes surfaces, ces jouets « racontent le monde, ses évolutions, son histoire, souvent de façon décalée ou dans un mimétisme confondant ».

Une iconographie importante et variée – tableaux, affiches, sculptures, films, jeux vidéo, clips – illustre le propos.

Le jouet: un don ritualisé

Le philosophe Aristote expliquait que « le hochet permet au bébé de grandir en passant lentement de l’état de non être, au monde des vivants ».

Depuis l’Antiquité grecque et la fête des Anthestéries, le jouet est offert dans certaines circonstances. «　Les proches l’offrent presque toujours lors de l’anniversaire de l’enfant ou de fêtes qui lui sont dédiées. Encore aujourd’hui, 80 % des jouets sont reçus le jour de l’anniversaire ou à Noël. Ce phénomène est relié à celui de la fabrication spécialisée du jouet et son achat comme un bien de consommation ». Une vente donc fortement saisonnalisée.

Jusqu’à la fin du XVIIIe siècle, « le jour de Noël commémore la Nativité dans la chrétienté et les jouets sont donnés le jour de l’An, pour les étrennes, en prolongement des coutumes romaine et païenne　». Après saint Nicolas célébré le 6 décembre, le Père Noël, dont la figure est formée aux Etats-Unis dans les années 1830 à partir d’antécédents européens, s’impose.

Curieusement, cette exposition occulte les jouets Juifs, dont la toupie, associés à des fêtes comme Hanouca.

L’univers des animaux

Les premières traces d’animaux munis de roulettes datent de l’Antiquité.

Dans les civilisations grecques, romaines, étrusques, égyptiennes et proche-orientales, le cheval, le buffle, le bélier, ainsi que l’oiseau sont fabriqués en bois, terre cuite, argile, ivoire ou en marbre.

L’ours en peluche, le cheval-bâton ou à bascule, le bestiaire de la ferme incarnent les animaux de l’enfance. Câlinés ou inspirant la crainte, les animaux demeurent familiers des enfants.

Fermes, cirques et arches de Noé constituent des ensembles indémodables du monde du jouet.

« Dans la catégorie chien sur roulettes, Snoopy Sniffer, de la marque américaine Fisher Price, a été l’un des plus grands succès. Et dans la section équidés, la course au succès ne se dément pas entre cheval-bâton, cheval-tricycle et cheval à bascule. Chez les ours, c’est le Teddy Bear qui remporte la palme ».

Le tamagotchi, un animal évolutif meurt si l’enfant n’en prend pas soin. Et, plus robots à poils que virtuels : les hamsters Zhu Zhu Pets.

L’illusion de la vie: automates, jouets mécaniques, robots

Il faut un enfant pour animer le jouet. Pourtant, l’automate, et ses avatars modernes, le jouet mécanique et le robot s’approchent des limites de cette définition.

L’automate «　cumule l’objet et le jeu lui-même et concentre en lui presque tout le mystère de l’enfance. À ce titre, il ravit aussi les adultes. Ce curieux objet animé enchante un XIXe siècle où la production industrielle de mécanismes d’horlogerie permet de les multiplier, au sein de fabriques spécialisées comme celles de Gustave Vichy ou Roullet-Decamps　».

Les « jouets mécaniques profitent de ces progrès, ainsi que de l’apparition des techniques d’estampage de la tôle.

À la fin du XIXe siècle, apparaissent une multitude de jouets animés bon marché. Tous les univers sont alors déclinés : le cirque, les métiers, les animaux, la musique, les moyens de locomotion.

Les fabricants sont d’abord français et allemands : Fernand Martin, Charles Rossignol, Ernst Paul Lehmann ; puis américains dans les années 1930, avec les fabricants Louis Marx ou Wolverine　». Les automates ou les jouets mécaniques – tels ceux de Fernand Martin qui «　anime un violoniste jouant éperdument de son instrument ou une portière qui ne pense qu’à balayer – fascinent par leur mécanisme et leur troublante illusion de vie　».

Dans les années 1950, entrent en scène des robots japonais, puis quelques décennies plus tard, l’ordinateur supplante presque le robot. Robosapien est créé en 2004 par le physicien Mark Tilden pour la marque WowWee.

Les robots japonais en métal lithographié et les Robosapiens ou Roboraptor signifient «　la foi naïve ou enthousiaste dans l’innovation technologique　».

Jouets de filles, jouets de garçons

Depuis l’Antiquité, des rôles prédéterminés sont attribués à chaque sexe.

Cette distribution se reflète dans la distinction entre les jouets de filles et ceux de garçons.

« D’un côté le monde de l’intimité, de la maison et de ses poupées et de l’autre, le vaste monde peuplé de voitures, de trains, de bateaux, d’avions jusqu’aux engins de l’espace　».

A certains, le rêve de devenir institutrice ou infirmière, à d’autres l’aspiration à diriger un camion de pompiers. Ou comment l’enfant investit le jouet, en modifie l’usage, l’intègre dans son univers.

La guerre a envahi le monde des jouets. «　Aujourd’hui, les conflits imaginaires, inspirés par l’Heroic Fantasy et la science-fiction, prennent la relève des anciens soldats de plomb, les jeux vidéo en étant le support de prédilection　».

Les poupées et leurs maisons tout confort, les têtes à coiffer, pour les filles. Les voitures, les trains, l’espace, la guerre, la compétition, la performance pour les garçons. Le jouet satisfait le rêve de mimétisme du monde des adultes par des enfants.

Les filles sont invitées à se projeter dans leur vie de femme au foyer, alors que les garçons sont incités à se dépasser toujours plus et à découvrir le monde.

Les premières poupées sont en terre cuite, puis en bois au Moyen Âge. Au cours des XIXe et XXe siècles, émergent de grands fabricants, toujours à l’affût de nouvelles techniques. Très prisées, les poupées allemandes, anglaises, françaises parmi lesquelles les maisons Bru, Huret, Steiner, Pierotti, Jumeau et SFBJ. Bleuette, "la poupée qui suit la mode", vendue en 1905 avec son journal La Semaine de Suzette, est l’un des plus gros succès de l’histoire de la poupée, bien avant celui de Barbie.

« Les historiens nous rappellent que dans l’Antiquité les sports et les jeux n’étaient pas de simples passe-temps inutiles. Ils faisaient partie intégrante de la formation militaire et civile des jeunes gens. Les combats à l’épée de bois, à l’arc ou à la lance développaient la force physique, l’endurance et l’adresse. Ils favorisaient la réflexion stratégique et le respect mutuel　», écrit écrit Stephen Kline.

Et d’ajouter　:

«　Les pédagogues du XVIIIe siècle commencent à associer les jouets à tel ou tel aspect de la personnalité. Avec l’expansion rapide de l’industrie américaine des jouets au XXe siècle, la production se diversifie d’autant plus qu’elle recouvre un changement d’attitude à l’égard du jeu. Après la Première Guerre mondiale, cette industrie ne se contente pas de reprendre le répertoire traditionnel des poupées, peluches, maquettes et jouets à roulettes : elle met en vente des centaines de jeux nouveaux profondément ancrés dans la réalité américaine et ses idéologies, comme le souligne Gary Cross. John Lloyd Wright (le fils du célèbre architecte), par exemple, invente le jeu de construction Lincoln Logs sur le modèle des cabanes de rondins, qui renvoie au mythe fondateur des origines coloniales de la nation américaine, de même que les figurines de cow-boys et d’indiens. L’un des exemples les plus révélateurs est peut-être le Monopoly de Charles Darrow, commercialisé par Parker Brothers en 1936, pendant la grande crise des années 1930. Le principe du jeu et sa critique implicite des rouages de l’économie s’inspirent en fait du Landlord’s Game (« jeu du propriétaire ») dont le brevet appartient depuis 1904 à Lizzie J. Magie, membre d’une communauté quaker de Virginie. Dans sa conception initiale, le Monopoly défend l’idée politique que la propriété foncière engendre des plus-values qui enrichissent une minorité de propriétaires oisifs au détriment d’une majorité de travailleurs locataires ».

L’âge des médias

À chaque époque son héros　ou son jouet à la mode : Bécassine, Babar, Mickey, Nicolas et Pimprenelle, Superman, Davy Crockett, Goldorak, Dark Vador, Les Teletubbies, Dora, Buzz, Mario, Pokemon...

«　Adulé, collectionné, le petit héros passionne les enfants. Qu’il soit issu de la littérature enfantine, de la bande dessviinée, de séries télévisuelles, de jeux vidéo ou du cinéma, l’élu des enfants se matérialise bien souvent en jouet　».

Les «　tout premiers apparaissent en France, dans le courant du XIXesiècle. Un lion et un rat en carte de loto inspirés par la Fable de La Fontaine, un Petit Chaperon Rouge ou un chat Botté sont reproduits sur des couvercles dejeux de société ou proposés en poupées　». La figurine américaine GI Joe est créée par la société Hasbro en 1964, puis évolue en un aventurier sur le modèle de Big Jim (Mattel) quand la guerre du Vietnam suscite une opposition d’une partie de l’opinion publique.

Le cinéma et la télévision bouleversent l’économie du jouet, essentiellement par des produits dérivés et la licence. Disney initie le character merchandising　: avec Mickey en 1928, puis avec le film Blanche-Neige et les sept nains sorti en 1938.

«　Après la Seconde Guerre mondiale, l’arrivée de la télévision révolutionne les méthodes de vente. Désormais, la réussite commerciale d’un jouet peut dépendre des dépenses publicitaires. Le feuilleton « Davy Crockett », produit par la firme Disney dans les années 1950, démontre l’énorme influence de la publicité télévisée sur les enfants. La commercialisation de la poupée Barbie fait figure de modèle à cet égard. La publicité destinée au jeune public sert de prétexte et d’assise financière à des dessins animés diffusés à la télévision. Ce changement est bien perceptible dans le domaine des poupées et figurines　», explique écrit Stephen Kline.

En France, la marque de panoplies Masport obtient en 1962 l’autorisation du service commercial de la RTF (Radio télévision frnaçaise) de reproduire Thierry la Fronde sur ses produits. En 1964, l’ORTF crée une branche commerciale consacrée à la gestion des droits dérivés. «　Ces nouvelles stratégies de communication et de commercialisation permettent aux héros enfantins d’acquérir un nouveau pouvoir, celui de l’argent　». Des émissions de télévision comme Bonne Nuit les Petits popularisent des poupées telles que Nicolas et Pimprenelle et leur nounours signalant aux plus jeunes l’heure du coucher. La saga Star Wars a induit la fabrication et la distribution mondiale d’objets dérivés qui ont fait la fortune des producteurs et «　la joie d’enfants et de collectionneurs　».

L’exposition présente l’Aston Martin DB5, réplique de la voiture de James Bond réalisée pour le prince Andrew.

Inspirés par l’heroic fantasy et la science-fiction, les univers imaginaires dominent. Les Maîtres de l’Univers (apparition en France en 1984) ou les Tortues Ninja ont réintroduit un monde manichéen. Le jouet guerrier est sujet de controverses et exutoire.

Renoncer à ses jouets

L’Antiquité grecque et romaine « avait prévu de signifier ce passage à l’âge adulte par des rites de renoncement : « Les petits garçons romains, qui jouaient avec des noix, devaient en "prendre congé" selon l’expression consacrée indiquant qu’ils étaient devenus des grandes personnes　».

Longtemps, les filles donnaient leur poupée à Vénus la veille de leur mariage.

Orson Welles ouvre et clot son film Citizen Kane (1941) par Rosebud, la luge de l’enfance que recherche en vain Kane sur son lit de mort. « Un gag freudien à deux balles », selon le réalisateur.

La trilogie d’animation Toy Story « est presque entièrement consacrée à cette échéance inéluctable que sera la séparation du jeune Andy d’avec ses jouets　».

Certains artistes contemporains - Annette Messager, Valérie Sonnier - sont « taraudés par ce lien qu’il faut rompre avec l’enfance » et entrer dans le monde des adultes.

Une exposition interactive

«　L’esprit espiègle de l’artiste vidéaste français Pierrick Sorin donne vie et humour à l’univers tout en miniature de cette exposition. Il réalisera une quinzaine d’installations originales dont par exemple, des théâtres optiques à l’intérieur desquels l’artiste s’amuse de son image jusqu’à la faire déambuler dans une maison de poupées… Le visiteur, petit ou grand, sera lui aussi invité à monter dans le manège enchanté de l’exposition grâce à des dispositifs interactifs inédits et en 3D pour découvrir des saynètes amusantes et nostalgiques　».

　

Du 21 février au 20 mai 2012
A l’Helsinki Art Museum

Jusqu’au 23 janvier 2012
Au Grand Palais
Entrée Clémenceau
Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
Tél. : 01 44 13 17 30T
Tous les jours (sauf le mardi) de 10 h à 20 h, nocturne le mercredi jusqu’à 22 h.

　

Visuels de haut en bas :
Affiche
Affiche
© Réunion des musées nationaux – Grand Palais

Yacht Le Hohenzollern
Fabricant : Gebrüder Bing
Musée national de la Marine, Paris
© Musée national de la Marine / A. Fux
H. 42,5 cm (avec socle) ; L. 65 cm ; l. 14 cm

Boîte Lego System
Fabricant : Lego System
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Plastique
H. 3 cm ; L. 33 cm ; l. 20 cm

L’Enfant au toton
Jean–Baptiste Siméon Chardin
Musée du Louvre, Paris
© service presse Rmn-Grand Palais / Stéphane Maréchalle
Salon de 1738
Huile sur toile ; H. 67 cm ; l. 76 cm

Hochet
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
art et ivoire, argent repoussé, nacre, os ajouré

Automate du Père Noël en avion
Fabricant : Roullet-Decamps
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Musée des Arts décoratifs, Paris
H 125 ; L.260 ; P.273 cm

Toupies de Hanouca
© DR

Animaux de la ferme
Créateur : Benjamin Rabier ; Fabricants : Passerat et Radiguet
Musée des Arts Décoratifs, Paris
© Michel Pintado pour les Arts Décoratifs, Paris
Bois découpé peint
H. de 11 à 24 cm ; L. de 9 à 24 cm ; l. de 2 à 4 cm

Ours
Fabricant : Steiff
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris

Martin le pêcheur
Fabricant : Joustra
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Tôle emboutie émaillée, plomb
H. : 15 cm, L. : 12 cm ;

Cheval mécanique du prince impérial
Allier fils et Cie, maître bronzier
Collection E. Hermès, Paris
© François Doury

Autorail, modèle à deux caisses
Fabricant : JEP
Musée Rambolitrain, Rambouillet
© Musée Rambolitrain
Métal, tissu
H. 10 cm ; L. 69 cm ; l. 7 cm

Goldorak
Fabricant : Mattel
Musée des Arts décoratifs
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Plastique
H. 60 cm

Infirmière
Fabricant : Vénus
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Rhodoïd, tissu, plastique
H. 34 cm

Pompier père et fils
Pierrick Sorin
Théâtre optique réalisé pour l’exposition
© Garance Wester

The Kaleidoscope House
Fabricant : Bozart Toys by Artists ; Créateurs : Peter Wheelwright et Laurie Simmons
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Plastique
H. 61 cm ; L. 80cm ; l. 56 cm

Poupée articulée
Italie, IIIe siècle apr. J.-C.
Paris, musée du Louvre
© service presse Rmn-Grand Palais / Hervé Lewandowski
Collection Campana, achat, 1861
Os, H. 10 cm

Woody guitariste, d’après Walt Disney/Pixar
Fabricant : Hasbro ; Licence : Pixar Animation Studio et Walt Disney Company
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Plastique, textile
D’après le film Toy Story de John Lasseter

Nicolas
Fabricant : Clodrey
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
plastique dur, laine, tissu rembourré
H. 50 cm

G.I. Joe Marine en tenue de combat
Fabricant : Hasbro (Etats-Unis)
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Vinyle, plastique dur, textile
H. 29 cm

Pimprenelle (univers de Nounours)
Fabricant : Clodrey
Musée des Arts décoratifs, Paris
© Jean Tholance pour les Arts Décoratifs, Paris
Plastique dur, laine, tissu rembourré
H. 50 cm

Aston martin DB5
Fabricant : Aston Martin
Sandringham House, The Royal Collection
© The Royal collection © 2011 Her Majesty Queen Elizabeth II / Photo : The Imperial War Museum
Réplique de la voiture de James Bond réalisée pour le prince Andrew
Métal, cuir, bois ; H. 54 cm ; L. 195 cm ; l. 70 cm

Photographie de la scénographie de l'exposition
Nicolas Krief
© Nicolas Krief pour la RMN-Grand Palais

I would like to live in a dollhouse
Pierrick Sorin
Théâtre optique réalisé pour l’exposition
© Garance Wester

Articles sur ce blogconcernant :

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Judaïsme/Juifs

　

« Auschwitz, premiers témoignages » d’Emil Weiss

2012-01-16T07:56:00.000+01:00

La chaîne publique franco-allemande Arte rediffusera le 17 janvier 2012, à 10 h 35, le documentaire d’Emil Weiss Auschwitz, premiers témoignages (2010), à partir des écrits datant de 1946 de quatre déportés Juifs français. Un documentaire historique, didactique, sobre, bouleversant sur la Shoah (Holocaust), la destruction du peuple Juif par les Nazis, dans le complexe concentrationnaire Auschwitz.

« L’extermination des Juifs ne fut pas, une flambée de violences : elle a été doctrinalement fondée, philosophiquement expliquée, méthodiquement préparée, systématiquement perpétrée par les doctrinaires les plus pédants qui aient jamais existé ; elle répond à une intention exterminatrice délibérément et longuement mûrie ; elle est l’application d’une théorie dogmatique qui existe encore et qui s’appelle l’antisémitisme. »

Vladimir Jankélévitch, « L’imprescriptible » (1971)

A la veille du 66e anniversaire de la « libération » d'Auschwitz, le 27 janvier 1945, Arte diffuse ce documentaire sur Auschwitz, le plus grand camp de concentration et d'extermination, ou plus précisément « complexe concentrationnaire » du IIIe Reich.

Auschwitz, « complexe concentrationnaire »

Auschwitz se situe dans la ville d'Oswiecim (Auschwitz, en allemand), annexée au Reich (province de Haute-Silésie) après l'invasion de la Pologne. Cette ville comptait avant guerre une population majoritairement juive.

Etendu sur plusieurs milliers d’hectares, Auschwitz est un « complexe concentrationnaire où convergent quatre activités : concentration, extermination, industrie et science ».

Le camp principal est Auschwitz I - le Stammlager, le « camp souche » - : ce « camp de concentration est peuplé de détenus politiques, de droit commun et d’une majorité de Juifs : camp de travail regroupant de nombreux commandos travaillant à l’intérieur et à l’extérieur du camp, et camp d’expérimentations médicales menées in vivo sur des cobayes humains ».

Dans ce « complexe concentrationnaire » Auschwitz, se trouvent aussi :

• à trois kilomètres d’Auschwitz I, Auschwitz II-Birkenau, « camp de concentration et de transit, mais aussi et surtout d’extermination massive. À partir du printemps 1944, avec la déportation massive des Juifs hongrois, progressivement, jusqu’à 18 000 personnes » sont assassinées chaque jour, « alors que les quatre crématoires en fonction jour et nuit ne peuvent brûler qu’un maximum de 8 500 corps. Pour augmenter le « rendement », plusieurs fosses géantes sont creusées à l’arrière du crématoire V et du Bunker II pour servir de bûchers à ciel ouvert » ;

• à sept kilomètres d’Auschwitz I, le camp d’Auschwitz III Monowitz, « fournisseur de main-d’œuvre pour l’usine « Buna », propriété du plus grand groupe pétro chimique allemand, IG Farben. Dans ce camp dit « de travail » exténuant, la majorité des 10 000 hommes détenus sont loués par les Nazis à cette entreprise chimique qui produit des dérivés de pétrole et construit une immense usine de caoutchouc synthétique en mai 1942, jamais achevée. Monowitz fut rasé et de rares vestiges subsistent ». Emil Weiss a donc « eu recours à une maquette construite par ses soins à l’échelle de 1/100e d’après les plans d’origine, les photographies aériennes prises par les Alliés en 1944 et par les Russes sur place ». Cette maquette a été « filmée en studio avec un équipement spécifique de macrophotographie et avec un autre permettant les mouvements fluides de la caméra, puis transportée en Pologne sur les lieux même du camp aujourd’hui disparu. Le réalisateur a confié au musée d’Auschwitz cette documentation visuelle inexistante auparavant. Il a aussi rendu hommage à Primo Lévi, chimiste à Monowitz, dont les écrits sont d’une importance inestimable.

• à environ 2 km de Birkenau et 4 km d’Auschwitz I, les laboratoires de Rajsko, « haut lieu de la recherche biologique et médicale du IIIe Reich ». Médecins, scientifiques et ouvrières détenues y travaillent ». En 1944, « plus de 110 000 analyses et diagnostics sont effectués dans ses diverses sections » ;

• l’usine d’armement Union Werke et d’autres usines et filiales de grandes compagnies allemandes, telles que Siemens, Daw, Krupp ».

À « cet ensemble, il faut ajouter une quarantaine de camps auxiliaires, fermes agricoles et « kommandos » divers ». A l’usine BUNA, complexe industriel d’IG Farben en construction, déportés, prisonniers de guerre anglais, Français des chantiers de jeunesse, ouvriers français et polonais, femmes, effectuent des travaux très pénibles.

Vestiges actuels et témoignages passés

Le documentariste Emil Weiss pensait « clore son cycle consacré à l'univers concentrationnaire avec le film Sonderkommando Auschwitz-Birkenau, diffusé le 23 janvier 2008 par ARTE, sur les déportés chargés de faire fonctionner les fours crématoires ».

Or, « c'est l'inverse qui s'est passé. Il m'est apparu que ce choix radical de faire entendre, au cinéma, des textes fondamentaux jusqu'ici laissés de côté, était une approche différente et féconde et qu'il fallait poursuivre cette entreprise en décrivant les autres étapes déterminantes du parcours des victimes », explique ce réalisateur.

Ce documentaire sobre appose en voix off des extraits des témoignages factuels, précis, de quatre déportés Juifs français sur des images de wagon à bestiaux vide puis des vestiges vides, filmés dans un Auschwitz enneigé ou pluvieux.

Leurs témoignages « rendent compte des événements vécus, avec simplicité et force », sans « écran mémoriel ».

Ces extraits proviennent de deux sources - Témoignages strasbourgeois (Presses universitaires de Strasbourg) et Une Française juive est revenue de Suzanne Birnbaum - publiées en 1946, après le retour de déportation, par :

- le Dr Marc Klein (convoi n° 75, 30 mai 1944) sur Auschwitz I et Rajsko ;

- Suzanne Birnbaum (convoi n° 66, 20 janvier 1944) et le Dr Robert Levy (convoi n° 59, 2 septembre 1943) sur Auschwitz II Birkenau ;

- et le Dr Robert Waitz (convoi n° 60, 7 octobre 1943) sur Auschwitz III Monowitz.

Mêlant ces quatre témoignages, Emil Weiss suit un plan chronologique – du voyage à l’arrivée au camp et l’affectation à un groupe –, qui rend « plus tangible encore l'angoisse de chaque instant et le lent anéantissement subi par les déportés ».

Ce documentaire « confronte les vestiges d’installations qui auraient dû être détruites – une fois leur mission achevée – à des mots qui n’auraient pas dû être écrits puisqu’il ne devait pas y avoir de survivants ». Il « rend tangible l'atroce quotidien vécu à Auschwitz.

Pour montrer la disparition de tous ces êtres humains déshumanisés - cheveux tondus, tatouage de leur numéro, eetc.- à Auschwitz, Emil Weiss a choisi de ne montrer aucun visage. Seules exceptions : ces photos de femmes et d’enfants au début du documentaire et, dans l’épilogue, les quatre visages des témoins. Par contraste, chaussures, brosses, prothèses de jambes suggèrent ces êtres humains assassinés.

Sans échappatoire

Les citations se succèdent dans un ordre chronologique et logique. Du départ de Drancy dans des wagons où se trouvaient aussi des vieillards et des folles sorties de leur hospice d’aliénés à l’arrivée à la Judenrampe, rampe juive au quai d’arrivée d’Auschwitz, en activité du printemps 1942 à la mi-mai 1944.

Puis, les coups des SS. Les vociférations des gardiens. La séparation hommes/femmes, l’abandon ou l’arrachage des quelques biens personnels. La découverte des baraquements entourés de barbelés et de déportés décharnés en ensembles rayés bleu et blanc.

Le Dr Robert Waitz décrit le « triage » parmi les détenus effectué par les médecins SS : à droite, les femmes, les enfants, les malades et les plus de 50 ans, destinés à être immédiatement assassinés ; à gauche, des « hommes de 20 à 45 ans et quelques jeunes femmes ». Le tatouage sur le bras. La tonte des cheveux. Les déportés sont transformés en « clochards anonymes » portant des haillons sales et « dressés » à respecter les règles des surveillants brutaux.

A Auschwitz 1, contrôlé par des miradors et encerclé de fils barbelés électrifiés, 28 blocks sont disposés en trois rangées : le « Canada » où s’amoncelaient les vêtements des déportés non distribués aux Allemands, le block 10 où sont isolées des femmes et entreprises des « recherches expérimentales », le block 11 ou prison, le block 27, la courette fermée où sont exécutés des détenus…

Le camp d’Auschwitz II-Birkenau a été construit, sur un terrain marécageux, en 1942 par des prisonniers de guerre russes. Le nombre de ceux-ci avait diminué rapidement de 12 500 à 150. Le camp central fournit main d’œuvre pour d’autres camps et des mines de charbon. Il comprenait un groupe de bâtiment pour les femmes, le camp de la quarantaine, celui des Tchèques, celui des hommes, celui des Tziganes, une infirmerie centrale, le « Canada », le central pour la désinfection, les chambres à gaz et les fours crématoires. Les « baraques pour 500-600 hommes étaient le plus souvent des écuries pour chevaux ».

Ces textes lus décrivent la vie quotidienne, la recherche d’informations sur proches et compagnons. La terreur et l’épouvante en apprenant la mort de certains. La peur des brutalités, des vols de pain et couteau, et de la sélection. L’absence de colis. Les expérimentations (castrations). Les pendaisons lors de l’appel.

Suzanne Birnbaum évoque en termes sobres la disparition de ses règles (aménorrhée de famine) dès le 2e mois d’internement. Elle décrit sa journée douloureuse de travail sous les coups : le réveil à 3 h 30, la marche à 5 h 30 et au pas cadencé après le long appel, la marche vers le lieu du travail, le retour au camp à 19 h30, les pieds gelés, les parties du corps infectées ou qui s'en détachent.

Tout un système – « insuffisante alimentation, travail exténuant, violences des surveillants » - tue ceux qui n’ont pas été exterminés à leur arrivée au camp. A Birkenau, ceux travaillant dans les commandos survivent pendant deux à trois mois, puis deviennent squelettiques et appelés des « musulmans », passifs, anticipant leur mort prochaine. La « durée d’évolution est de six mois si le moral est bon ». Un mois, sinon.

Avec la collaboration d’Annette Wieviorka comme conseillère historique, Emil Weiss évoque la Shoah, la destruction des Juifs, aboutissement d’un mécanisme de persécutions, d’exclusions, de déshumanisation, etc. Ce qui explique le taux si faible de survie : sur les 75 721 Juifs déportés de France, 2 500 survécurent, soit 3 %.

Un statut infligé aux Juifs distincts de celui réservé aux autres déportés, politiques ou de droit commun. Sur les 63 085 déportés de France vers les camps de concentration, 37 025 d’entre eux sont revenus, soit 60 %.

Le réalisateur prévoit un troisième et dernier volet pour « cerner l’aspect fondamental de ce processus : les expérimentations médicales et l’idéologie raciale nazie qui les sous-tend ».

Auschwitz, premiers témoignages

France, 2010

77 minutes

Réalisateur : Emil Weiss

Coproduction : ARTE France, Michkan World Productions

Diffusions les :
17 janvier 2012 à 10 h 35

26 janvier 2011 à 20 h 40

27 janvier 2011 à 14 h 45

3 février 2011 à 3 h 10

Articles sur ce blogconcernant :

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Judaïsme/Juifs
Shoah (Holocaust), notamment

Reportage

La conférence « islamiquement correcte » de lancement du projet Aladin

Expositions

Felix Nussbaum, Osnabrück, 1904-Auschwitz, 1944

Alfred Nakache, le nageur d’Auschwitz

Filmer les camps, John Ford, Samuel Fuller, George Stevens de Hollywood à Nuremberg

Hommage au peintre Ben-Ami Koller

« Hélène Berr, une vie confisquée »

La Splendeur des Camondo de Constantinople à Paris (1806-1945)

La solidarité juive, 200 ans d’action sociale, du Comité de bienfaisance israélite de Paris à la Fondation Casip-Cojasor

TIM

Heroes, Freaks and Super-Rabbis. The Jewish Dimension of Comic Art

Izis, Paris des rêves

Le peintre Charles Lapicque (1898-1988)

La dame du Jeu de Paume, Rose Valland sur le front de l'art

Films

« La Croix-Rouge sous le IIIe Reich, histoire d’un échec » de Christine Rütten

« Quand les nazis filmaient le ghetto » de Yael Hersonski

« Enfants de l’Holocauste – Le refuge de Blankenese » de Raymond Ley

« La croix gammée et le turban, la tentation nazie du grand mufti » de Heinrich Billstein

« Le Maghreb sous la croix gammée » de Bill Cran et Karin Davison

« Les otages d’Entebbe - Le combat d’Israël contre le terrorisme » de Thomas Ammann

« Ronald Reagan, l'enfance d'un chef » d’Antoine Vitkine

Livres

« La lettre de mon père, une famille de Tunis dans l’enfer nazi » de Frédéric Gasquet

« Un devoir de mémoire » de Michel Gurfinkiel

« Sur le chemin de la nature enfouie » de Jean-Claude Snyders

« Je veux revoir maman » d’Alain Vincenot
« Les larmes de la rue des Rosiers » d'Alain Vincenot
« Une amitié espagnole » d’Ilan Greilsammer

Musique
« Darius Milhaud et sa musique, de la Provence au monde » de Cécile Clairval-Milhaud
Radical Jewish Culture, scène musicale New-York
« La force de la musique, la famille Wallfisch » de Mark Kidel
« Ima ou la mère dépossédée » de Serge Kaufmann
« L’Empereur de l’Atlantide », de Viktor Ullmann et Peter Kien

Cet article a été publié pour la première fois le 26 janvier 2011 et modifié le 25 décembre 2011.

Max Guedj (1913-1945), héros méconnu de la France libre

2012-01-15T08:49:00.000+01:00

Né le 8 juin 1913 à Sousse (Tunisie), Jean Max Maurice Guedj grandit à Casablanca (Maroc) dans une famille juive, sioniste, de nationalité française. Il est de coutume dans les familles juives tunisiennes d'user de manière usuelle du deuxième prénom pour appeler, dans la vie quotidienne, un enfant. Ce qui explique la raison pour laquelle tous les proches de Max Guedj l'appeleront ainsi.

A Casablanca, le père de Max Guedj, Félix Guedj, avocat, y deviendra bâtonnier de l'Ordre des avocats.

Elève brillant, Max Guedj poursuit sa scolarité au prestigieux lycée Jeanson de Sailly, dans le XVIe arrondissement de Paris, où il a pour condisicple en particulier Pierre Daninos, futur auteur du roman Les Carnets du major Thompson (1954).

Max Guedj obtient son baccalauréat en 1930.

Puis, il étudie le droit à la Faculté de droit de Paris.

Fait rare à l’époque, il séjourne dans l’URSS stalinienne, aux Etats-Unis et dans l’Allemagne nazie, dont il rapporte en 1933 des « instantanés, des choses vues » de la vie quotidienne.

Avocat brillant

Cet avocat, docteur et agrégé en droit, rejoint le cabinet paternel.

Ses débuts sont remarqués et prometteurs : il impressionne la Cour par son talent oratoire et sa maîtrise. Et il gardera « l’oreille des juges ».

C’est durant son service militaire que naît sa passion pour l’aviation : il obtient son brevet civil de pilote en 1938.

C’est un homme aussi réservé que son père est extraverti et un excellent avocat, se souvient son confrère Sydney Chouraqui qui éprouve pour lui un coup de foudre d’amitié et d’admiration professionnelle.

Vient la drôle de guerre.

Ce patriote enrage de n’être pas muté dans une unité combattante, malgré ses demandes.

Il refuse l’armistice et, démobilisé le 14 août 1940, ne songe qu’à poursuivre le combat.

C’est grâce à un subterfuge que Max Guedj arrive à Londres le 26 septembre 1940, anticipant ainsi le souhait de son père.

Déjà percent ses atouts : un sens aigu du devoir et un double souci d’efficacité et de réduction des risques pour autrui : sa famille, et plus tard, les pilotes de son escadre.

Wing-commander « Maurice »

Max Guedj s’engage dans les Forces Aériennes Françaises Libres (FAFL) comme élève-pilote.

Comme ses heures de vol sont faibles, la Royal Air Force (RAF) l’envoie se former dans des écoles d’entraînement, dont celle prestigieuse de Sywell.

Max Guedj obtient les « Ailes », le brevet de pilote de la RAF, et enfin son affectation dans une unité combattante : le squadron 248 du Coastal Command qui assure la protection des côtes et des convois.

C’est au cours des missions périlleuses contre les croiseurs allemands très protégés, des opérations de reconnaissance et offensives en Norvège, en Hollande, dans le golfe de Gascogne et à Malte, que Max Guedj s’illustre.

Les pilotes Français Libres l’aiment et l’admirent. Les leaders de son escadre lui témoignent leur reconnaissance pour sa lucidité : il renonce à l’attaque d’un convoi dans le port d’Yeu car il juge les pertes disproportionnées.

Quant à la RAF, elle apprécie son tempérament calme, pondéré, humble, sa détermination et son courage exceptionnel en opérations : le 17 mai 1942, sous le feu des chasseurs allemands et de la DCA, la défense allemande antiaérienne, il attaque par trois fois l’escorte de torpilleurs du croiseur lourd Prinz-Eugen alors que ses camarades effectuent un passage.

Et l’Etat-major allié retiendra ses conceptions tactiques.

« Maurice » (son nom de guerre) est bouleversé par la mort de son père, en octobre 1942, consécutive à sa détention pour faits de résistance dans une prison d’Afrique du Nord, terre d’élection du régime de Vichy selon l’historien Jean-Louis Crémieux-Brilhac.

« Son attitude modeste et tranquille quand il est au sol et son ardeur exceptionnelle à voler et à combattre sont un magnifique exemple pour tous ceux qui l’entourent » résume la citation lui décernant en 1943 la Distinguished Flying Cross avec Bar attribuée immédiatement.

Max Guedj participe au débarquement - jusqu'à trois patrouilles quotidiennes.

Et c’est en décembre 1944 qu’il est nommé wing-commander, lieutenant-colonel, du Squadron 143 sur Mosquito.

Le 15 janvier 1945, Max Guedj et son escadre volent vers la Norvège.

Dans le port de Lerwick, un groupe de chasseurs allemands attaque, par surprise, son wing.

A l’issue de cette mission, plusieurs avions dont celui de Max Guedj sont manquants...

25 navires détruits au cours de 127 missions de torpillage, les plus hautes distinctions britanniques - dont la Distinguished Service Order (DSO) avec attribution immédiate -, le grade de Commandeur de la Légion d’honneur, Compagnon de la Libération, la Croix de guerre avec sept palmes, officier de la Résistance... Le palmarès de Max Guedj est particulièrement éloquent si l’on se souvient qu’il a combattu dans des unités qui « perdent 75% de leurs effectifs en un mois » (Pierre Clostermann, as du « Grand cirque » et Compagnon de la Libération).

Cet homme sensible, fils unique, avait des « qualités remarquables de leader » écrivait son ami et compagnon d’arme, Gérard Weil. « Sa gentillesse, sa douceur et sa modestie ont laissé dans les cœurs de tous ceux qui l’ont connu, une place d’ami irremplaçable... »

Une rue et une esplanade Max Guedj

Le barreau de l'Ordre des avocats de Casablanca publie en 1951 le livre de Marcel Marzac qui célèbre la mémoire de Max Guedj.

A Casablanca, une rue a été dénommée « rue Félix et Max Guedj ».

En ce 15 janvier 2001 au froid intense, Paris a rendu hommage à Max Guedj, que ses pairs considèrent comme « le plus grand pilote Français Libre », en inaugurant une esplanade éponyme. Celle-ci est située au carrefour des rues Balard, Gutenberg et de la Montagne d’Aulas (75015).

Etaient notamment présents la fiancée de Max Guedj, Maria, leur fille, Sarah Dars-Guedj, et son époux, Jacques Dars, tous deux orientalistes, ainsi que d’autres membres de sa famille, Jean Tibéri, alors maire de Paris, René Galy-Dejean, alors maire du XVe arr., le professeur Christian Cabrol, alors adjoint au maire de Paris chargé des associations patriotiques et d’anciens combattants, Jean Simon, chancelier de l’ordre de la Libération, le gal Yves-Marie Guéguen, président de l’amicale des FAFL, Pierre Clostermann qui avait rendu un émouvant hommage à Max Guedj dans son livre Feux du ciel, Henry Lafont, seul pilote Français Libre survivant de la Bataille d’Angleterre à laquelle il prit part, Claude Serf, pilote des FAFL, et Charles Corder, navigateur de Max Guedj.

Citons aussi Jean Lasserre, rédacteur en chef d’Icare qui lui avait rendu un bel hommage, l’Air Commodore David Adams, attaché défense et aviation de l’ambassade de Grande-Bretagne, le colonel Arild Heiestad, attaché de défense de l’ambassade de Norvège, et des représentants d’associations.

Jean Tibéri et le gal Guéguen ont évoqué le parcours exceptionnel, trop bref, de ce « chef-né » dont ses amis relèvent la timidité et l’humour.

"Depuis 17 ans, l'équipe du R.R.A.A, sous l'impultion de son Président Michel Bogaert, a entrepris la construction d'un De Havilland Mosquito. Sur Youtube, un film évoque le travail de finition de ces derniers mois. L'avion a été peint aux couleurs RAF, de celui de Max Guedj".

Pour en savoir plus :

Icare, numéro 152, 1995/1, Les forces aériennes françaises libres, t.6 : 1941/1945 Max Guedj et les Français de Coastal Command. Tour ESSOR 93, 14-16, rue de Scandicci. 93508 PANTIN Cedex.

Marcel Marzac, Max Guedj, un héros de la guerre 39/45. Barreau des avocats de Casablanca. 1951

Pierre Clostermann, Feux du ciel. Paris, 1951, Flammarion. Réed. Ananké Lefrancq, coll. Attitudes, 2001. 273 pages. ISBN : 978-2874180415
Jean-Pierre Allali, Les émeraudes de l'Etoile, cinquante figures juives. Préface d'Elie Wiesel. Editions Romillat, coll. Terre Hebraïca, 2001. 254 pages. EAN : 9782878940626

Halvor Sperbund, Black Monday, Fly Past Magazine, March 2001

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Cet article a été publié la première fois le 14 janvier 2011.

Matisse, Cézanne, Picasso... L’aventure des Stein

2012-01-14T21:16:00.000+01:00

Le Grand Palais rend hommage à une famille Juive américaine fortunée, les Stein. Amateurs d’art éclairés, Léo, Gertrude, Michael et son épouse Sarah Stein s’installent à Paris entre 1902 et 1904. Là, ces collectionneurs au regard averti découvrent, soutiennent ou/et font apprécier Manet, Degas, Cézanne, Matisse, Picasso, Braque... Bref, les avant-gardes artistiques de la première moitié du XXe siècle. Une exposition itinérante, dense, passionnante et didactique.

«　Leurs pieds nus sont chaussés de sandales delphiques, Ils lèvent vers le ciel des fronts scientifiques　». Apollinaire [à propos des Stein], octobre 1907

Après le Museum of Modern Art de San Francisco (21 mai-6 septembre 2011), le Grand Palais puis le Metropolitan Museum of Art de New York (28 février-3 juin 2012) présentent cette exposition The Steins Collect… Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde réunissant 248 œuvres : peintures, sculptures, dessin, lithographies, imprimés et photographies.

Soit un ensemble exceptionnel d’oeuvres des collections des Stein : Renoir, Cézanne, Picasso, Matisse, Manguin, Bonnard, Vallotton, Laurencin, Gris, Masson, Picabia….

Une famille singulière

Féru d’art de la Renaissance italienne, ami et disciple de l’historien d’art Bernard Berenson, Leo Stein (1872-1947) s’installe à Paris en décembre 1902 où il se lance comme peintre, puis développe «　une théorie esthétique de l’art moderne mise en oeuvre à travers une collection　».

Interrompant ses études de médecine psychiatrique et de psychologie auprès notamment de William James, Gertrude Stein, sa soeur cadette, le rejoint en 1903 pour se consacrer à l’écriture. Passionnée de peinture, elle rencontre des cercles artistiques et découvre les premiers tableaux de Picasso, Braque, Gris et Matisse. Elle tisse des liens très étroits avec les artistes et plus particulièrement avec des photographes dont Man Ray, Cecil Beaton et Van Vechten.

Le frère aîné, Michael Stein (1865-1938) s’y établit en 1904 avec sa femme Sarah (1870-1953) et leur fils Allan. Il projette d’ouvrir un magasin d’antiquités. «　Garant de la sécurité financière de la famille, il consolide leurs revenus à partir de l’entreprise familiale de tramways et d’immeubles de rapport à San Francisco　». Après des études en musique et en histoire de l’art, Sarah Stein partage la curiosité et l’intérêt enthousiaste de Leo et de Gertrude Stein pour l’art.

«　Cultivés, sensibles, issus d’une famille Juive cosmopolite, peu soucieux des normes sociales, plus proches de la bohème artistique que de la grande bourgeoisie américaine, les Stein vont se révéler être des collectionneurs audacieux et atypiques, développant un mécénat qui se double d’une complicité artistique et intellectuelle : Leo fréquente l’académie Julian, incite Matisse à partager leur séjour en Italie ; Gertrude noue une véritable amitié avec Picasso, construisant son oeuvre littéraire en regard de la peinture ; Sarah soutient Matisse sans réserve, dialogue avec lui sur son travail, lui prête objets japonais et tissus. Aussi, outre l’exceptionnelle collection qu’ils rassemblent essentiellement avant 1914, leur rôle dépasse largement celui de simples collectionneurs　» pour atteindre celui d’analystes artistiques.

Leurs «　regards impliqués, renseignés et ingénus d’Américains dégagés des conventions établies, ont incontestablement soutenu et stimulé les artistes dans leurs recherches les plus radicales　».

A l’aube du XXe siècle, ces quatre Juifs Américains s’installent sur la rive gauche de Paris : Gertrude Stein (1874-1946), écrivain d’avant-garde, et son frère Leo Stein, rue de Fleurus, Michael le frère aîné avec son épouse Sarah, rue Madame.

Premiers acheteurs de Matisse et de Picasso, ils tiennent salon et accueillent chez eux, pendant les années 1910 et 1920, toute l’avant-garde artistique. Picasso, Matisse, Braque, Apollinaire, Man Ray, Gris… mais aussi les écrivains américains, Hemingway, Fitzgerald… se croisent chez les Stein qui constituent une des plus étonnantes collections d’art moderne décorant leurs appartements.

C’est l'histoire de cette famille surprenante que retrace cette exposition qui souligne l'importance de son ascendant sur les artistes de l'époque. Les Stein ont contribué à «　imposer une nouvelle norme en matière de gout dans l'art moderne, à travers le regard de Leo sur les sources de la modernité, ou dans ses échanges avec des intellectuels de l'époque. L'amitié de Gertrude avec Picasso, ses projets échafaudés pour soutenir dans les années 1920-1930 la production "post-cubiste" de Gris, Masson, Braque…　»

Le parcours de l’exposition s’articule autour de huit sections pour éclairer chaque membre de la famille Stein : Leo, Sarah et Michael et enfin, Gertrude.

« The Big Four» : Manet, Renoir, Degas, Cézanne, piliers de l’art moderne

Esthète sensible et lettré, Leo Stein forme son regard aussi à travers un tour du monde en 1895 et ses lectures d’ouvrages de philosophie et d’histoire de l’art, comme le guide de peinture italienne de Morelli ou l’histoire de l’art moderne de Julius Meier-Graefe. «　L’enseignement de son professeur à Harvard, William James, autour de la notion de « perception tactile » et d’une approche psychologique de la perception, ancre la conception formaliste de l’art　» de Leo Stein.

De 1900 à 1902, Leo Stein s’installe à Florence où il fréquente les cercles érudits anglophones, notamment Roger Fry et surtout Bernard Berenson. Il découvre-là, pour la première fois, dans les collections d’Egisto Fabbri et de Charles A. Loeser, les oeuvres de Cézanne, catalyseur de son éveil personnel à l’esthétique, le libérateur de la forme pure.

Jeune américain fasciné par l’art européen et ayant précisé son regard par ses dialogues avec des théoriciens et historiens d’art, Léo Stein s’installe à Paris en 1902 pour mieux apprendre la peinture et aiguise son regard aussi en voyant les expositions du Paris du début du XXe siècle.

Il loue une maison-atelier, rue de Fleurus et achète au marchand Vollard ses premiers tableaux de Cézanne ainsi que des lithographies de Renoir, Degas.

Son éducation du regard le mène à construire sa collection selon une esthétique spécifique : Manet, Degas, Renoir et Cézanne constituent l’élement fondateur de l’art moderne.

Fasciné par la Vénus de Giorgione de Dresde qui s’avère la référence sous-jacente de tableaux modernes de nus allongés de sa collection, Leo Stein réunit de nombreuses reproductions photographiques d’oeuvres d’art.

«　Adossé à cette connaissance de la peinture italienne, il aiguise son approche de l’art moderne reposant sur les piliers de l’impressionnisme. Il publiera tardivement ses idées fondatrices de l’approche américaine du postimpressionnisme, dans des articles pour la revue The New Republic et dans un ouvrage, The ABC of Aesthetics qui paraît en 1927. Matisse, Cézanne, Picasso…　»

La tradition classique à l’épreuve de la modernité

Leo Stein découvre l’impressionnisme à travers le Legs Caillebotte au Musée du Luxembourg et les rétrospectives du nouveau Salon d’Automne. Rejoint par sa soeur Gertrude puis par son frère aîné Michael et son épouse Sarah, il les emmène dans les Salons, les galeries et les musées.

Il «　découvre l’oeuvre de Picasso à une exposition collective aux galeries Sérurier en mars 1905 et achète chez le marchand Sagot des peintures de la période rose. Présenté au peintre peu après, avec sa soeur, il est fasciné par la virtuosité de son dessin et lui achète, dès lors, directement et régulièrement dessins et toiles – depuis la période bleue jusqu’à la période précubiste　».

Il réunit «　un ensemble étonnant autour du thème classique du nu allongé – parmi lesquels le chef d’oeuvre de Matisse le Nu bleu, souvenir de Biskra – autant de réminiscences pour Leo du schéma prégnant de la Vénus d’Urbin revisité par l’Olympia de Manet　».

Léo Stein a induit les premiers achats de peintures de son frère et de sa sœur. Des acquisitions «　qui ressortent d’un goût pour une modernité classique dans la lignée de Manet et de la grande peinture italienne : Manguin, Vallotton, Maurice Denis, les Picasso de la période bleue et rose　».

La révélation « fauve », salon d’Automne 1905

Léo Stein achète La Femme au chapeau, huile de Matisse qui a causé un scandale au Salon d’Automne de 1905 où elle était placée dans la salle des Fauves. Un achat «　emblématique de l’audace de la collection Stein, placée sous le signe de l’avant-garde　».

Il «　réitère ce geste audacieux en faisant ensuite entrer rue de Fleurus, sa grande composition programmatique Le Bonheur de vivre exposée au Salon des Indépendants de 1906 et le Nu bleu (Souvenir de Biskra), toile décriée du Salon des Indépendants de 1907, réunissant ainsi quelques uns des tableaux les plus radicaux de l’époque　».

Pourtant Leo Stein se tourne progressivement vers Renoir et «　échange, dès 1908, ses oeuvres de Matisse et de Picasso contre des tableaux du vieux maître des Collettes, contribuant ainsi à la valorisation de sa production tardive　».

Quand il s’installe en Italie en 1914, Leo Stein amène avec lui essentiellement deux toiles de Cézanne et seize Renoir qu’il revendra en 1921 au collectionneur américain Albert Barnes.

Les « Samedis des Stein »

Michael et Sarah Stein habitent avec leur fils Allan au 58 de la rue Madame en 1904　; Gertrude et Leo Stein vivent au 27 rue de Fleurus.

Michael et Sarah Stein, ces premiers « matissiens » aménagent leur appartement avec des meubles néo-Renaissance, des tapis persans et leur collection d’objets et d’estampes japonais et chinois importée de San Francisco.

Ces deux lieux de la rive gauche deviennent des musées d’art contemporain et des «　salons prisés du Tout-Paris artistique : étrangers de passage, intellectuels et artistes parisiens s’y pressent afin de voir surtout les oeuvres des deux champions de la collection – Matisse et Picasso　».

Braque, Apollinaire, Picabia, Duchamp, Man Ray, Gris, Laurencin, Masson, mais aussi les écrivains américains, Hemingway, Sherwood Anderson, Fitzgerald… s’y croisent et y découvrent La Joie de vivre et le Nu bleu de Biskra de Matisse, Le Garçon au cheval et Les Trois Femmes de Picasso, Le Portrait de Madame Cézanne de Cézanne et les tableaux de Renoir ou de Gauguin.

Les « amis et connaissances des artistes et des Stein se pressent pour les voir, les samedis soirs – à partir de 18 heures, chez Michael et Sarah, de 21 heures, chez Leo et Gertrude. Salons très informels, les cercles d’expatriés, la bohème artistique – les amis peintres de Leo de l’académie Julian, la bande du Bateau-lavoir, les élèves de Matisse - et les étrangers de passage, s’y réunissent toujours plus nombreux, afin de voir la plus belle collection de tableaux de Cézanne de Paris, les dernières oeuvres de Picasso et surtout de Matisse, commentés par l’avisé Leo ou par l’inspirée Sarah　».

Lieux «　de confrontations et d’échanges, ces soirées ont contribué à l’émulation entre Picasso et Matisse dont le Nu bleu (souvenir de Biskra) trouvera écho dans le travail des Demoiselles d’Avignon. Nonobstant la reconstruction fictionnelle faite plus tard par Gertrude Stein, les soirées de la rue de Fleurus étaient, au tout début, de 1905 à 1909, animées surtout par les discours et les facéties de Leo　». Henri-Pierre Roché se souvient de « soirées singulières dont une avec Braque et Marie Laurencin où Leo dansa « la jeune fille et la mort » à la Isadora Duncan ». Alfred Stieglitz raconte sa première visite, ébloui : « Leo se mit à parler. J’ai rapidement compris que je n’avais jamais entendu plus bel anglais, ni quoi que ce soit de plus clair. Il discourait sans fin sur l’art. »

Quand « Leo Stein s’efface progressivement, marquant ses distances vis-à-vis du cubisme naissant, délaissant Matisse pour Renoir, sa soeur acquiert une place nouvelle, celle de l’écrivain - son premier livre Three Lives est publié en 1909 -, et de la protectrice indéfectible et complice de Picasso　». Dans les années 1920 et 1930, La rue de Fleurus devient un salon littéraire dont la figure centrale est Gertrude Stein.

Pour les visiteurs, la Rue Madame offre «　la plus complète et vivante des collections d’oeuvres de Matisse, jusqu’à ce que Sarah et Michael n’en perdent une grande partie à Berlin en 1914　».

En juillet 1914, les Stein prêtent 19 de leurs plus beaux tableaux pour une exposition dans la galerie de Fritz Gurlitt, à Berlin. Le déclenchement de la Première Guerre mondiale en août 1914 bloque leurs oeuvres en Allemagne. Des toiles qui ne seront jamais récupérées.

Après de nombreuses vissicitudes, les Stein sont contraints de les vendre en 1920-21, dispersant ainsi une collection exceptionnelle.

L’Académie Matisse (1908-1910)

Sarah et Michael Stein se lient à Matisse　: les Matisse et les Stein, parents et enfants, se rendent souvent visites. Le peintre sollicite régulièrement l’avis de Sarah sur ses oeuvres en cours, et lui donne son avis sur les œuvres peintes par Sarah.

En janvier 1908, Sarah Stein persuade ce peintre d’ouvrir une académie où, avec des artistes étrangers - les Allemands, Hans Purrmann, Oskar et Greta Moll, les Américains, Patrick-Henri Bruce, Max Weber et les Stein -, elle suit ses cours.

Au nombre d’une dizaine, les élèves de l’Académie Matisse est accueillie au Couvent des Oiseaux, rue de Sèvres, près de l’atelier de Matisse puis, au printemps 1908, au Couvent du Sacré-Coeur. Dès septembre, les rangs s’étoffent par de nouvelles recrues. Une centaine d’élèves semble avoir été inscrite à cette Académie.

Les notes prises par Sarah témoignent sur cet enseignement «　qui reprend les principes académiques classiques d’une pédagogie progressive et rigoureuse depuis les dessins d’après l’antique, puis d’après le modèle jusqu’aux peintures d’académies. Insistant sur l’appréhension des différentes parties d’un motif comme un tout, selon une vision synthétique et expressive, Matisse montre comme exemples à ses élèves ses collections de sculptures africaines, son tableau de Baigneuses de Cézanne et les initie aux théories sur la couleur, soulignant une équivalence musicale　».

Sarah Stein encourage Matisse à expliciter son art aussi par des écrits. Souhaitant que ses recherches plastiques soient comprises et prises au sérieux, Matisse trouve «　l’occasion d’énoncer principes et interrogations qui trouveront leur expression dans son premier texte publié le 25 décembre 1908, dans La Grande Revue, « Notes d’un peintre ».

Elle «　présente à Matisse l’érudit anglais, spécialiste d’art byzantin, Matthew Prichard, dont la réflexion sur le décoratif influence profondément sa peinture　».

Matisse. Une collection sensible et complète

«　Réceptive aux analyses formalistes et psychologiques de l’art de son beau-frère Leo, Sarah Stein développe une sensibilité particulière à la peinture et plus particulièrement à celle de Matisse, qui s’accompagne d’un penchant mystique et prosélyte　».

Premiers grands défenseurs de son art, le couple Stein réunit avant la Première Guerre mondiale une collection exceptionnelle d’œuvres de Matisse. Vers 1907, leur collection s’organise autour du seul Matisse, avec des oeuvres majeures achetées directement à l’artiste, comme Le Luxe I, Le Madras rouge ou, en janvier 1912, Intérieur aux aubergines.

Après 1909, le rythme des acquisitions se ralentit car les cimaises de l’appartement sont saturées, Sarah adhère à la Christian Science Church et la cote de Matisse augmente.

Le Corbusier : une villa pour les Stein (1928-1935)

Sarah et Michael Stein ont dû quitter en 1917 leur appartement de la rue Madame, logeant «　successivement dans des appartements parisiens peu spacieux　».

En 1926, ils décident de faire édifier une villa pour cohabiter avec leur amie Mme de Monzie, adepte avec Sarah de la Christian Science Church.

Ils s’adressent à Le Corbusier, choix moderniste, digne de collectionneurs de l’avant-garde, comme aime à le souligner le fondateur de l’Esprit Nouveau : « […] Puis la villa de Monzie, mise définitivement sur pied, ces jours-ci et qui sera un chef d’oeuvre de pureté, d’élégance et de science… Nos clients (Mr. et Mme Stein (Américains) et Mme de Monzie) sont ce que nous avons eu de mieux, ayant un programme bien établi, des exigences multiples, mais ceci étant satisfait, ayant un respect total de l’artiste, mieux, étant gens qui savent de quoi est faite la sensibilité d’un artiste et combien on peut en tirer beaucoup si l’on agit bien. Ce sont eux qui ont acheté les premiers Matisse, et ils ont l’air de considérer que leur prise de contact avec Corbu est aussi un moment particulier de leur vie. […] » (Lettre de Le Corbusier à sa mère, du 5 mars 1927).

Les Stein s’installent en 1928 dans cette villa à Garches.

Devant la montée des périls fascistes, les Stein rentrent définitivement aux Etats-Unis en 1935, amenant le reste de leur collection, dont un chef d’oeuvre acheté en août 1925, Le Thé dans le jardin et La Femme au chapeau racheté à Gertrude en 1915.

Sarah Stein correspondra avec Matisse jusqu’à la fin de sa vie.

Gertrude Stein et Picasso

Gertrude Stein, dont Picasso souhaite faire le portrait en 1906, se lie d’amitié avec le peintre.

Elle débute l’écriture de son ouvrage monumental The Making of Americans, profondément marquée par la peinture de Cézanne, notamment le Portrait de Femme acheté chez Vollard, et les échanges avec Picasso.

«　Préoccupés tous deux par la question du réalisme et de l’objet, chacun élabore une écriture relativement hermétique – l’une, littéraire, fondée sur la répétition, et l’autre, picturale, sur la décomposition des volumes　».

Gertrude et son frère accompagnent Picasso pendant l’aventure de la genèse des Demoiselles d’Avignon, acquérant un carnet d’études exceptionnel et le grand tableau, Nu à la serviette (1907).

Lorsque le frère et la soeur se séparent en 1913, Gertrude continue d’acheter des toiles cubistes de Picasso.

L’amitié de Gertrude Stein et de Picasso est scellée par le portrait qui fixe en 1906 et à jamais les traits de l’écrivain. Fasciné par Cézanne, «　le peintre s’inspire du Portrait de la Femme à l’éventail accroché rue de Fleurus ; Gertrude place la naissance de son écriture sous l’égide de ce tableau　». A ceux qui critiquent l’insuffisance ressemblance entre le portrait et Gertrude Stein, Picasso répond　: «　Elle finira par lui ressembler. »

Au fur et à mesure où grandit son amitié avec Picasso, Gertrude Stein «　joue un rôle grandissant dans les achats de tableaux　». Son frère et elle achètent vers 1907-08 quatorze études pour les Demoiselles d’Avignon et le Nu à la draperie, «　témoignant d’un réel engagement au côté du peintre au moment où il aborde la phase difficile et alors peu comprise de sa peinture pré-cubiste　». Apparaissent alors sur les murs de la rue de Fleurus des oeuvres significatives　: le Nu à la serviette et les Trois femmes.

«　Construisant son écriture sur la planéité d’un présent continu, une syntaxe dépliée, déconstruite, qui joue de l’oralité de la répétition, Gertrude Stein entreprend en 1910, sa grande fresque, The Making of Americans. Elle rédige des portraits, notamment ceux de Matisse et de Picasso, diptyque publié dans la revue de Stieglitz, Camera Work, en 1912, qui seront perçus comme des textes cubistes, à l’instar des oeuvres de Picasso qu’elle collectionne　».

«　L’arrivée d’Alice Toklas, sa compagne, rue de Fleurus, entraîne le partage de la collection, fin 1913. Leo emporte les oeuvres de Renoir et de Matisse, Gertrude garde les Picasso, un seul Matisse, la Femme au chapeau (qu’elle vendra peu après, en 1915, à son frère Michael), et les Cézanne　».

Années 1920 –1930 : le Post-Cubisme et les Néo-Romantiques

Après la Première Guerre mondiale, les artistes que les Stein ont soutenus sont devenus très célèbres, et leurs cotes, inaccessibles.

Proche du marchant d’art Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979), Gertrude Stein soutient cependant dans les années 1920 la production « post-cubiste » de Gris, Braque, Masson… Alors que Léo vit en Italie et que Michael et Sarah sont revenus à San Francisco, Gertrude réside à Paris et dans sa maison dans l’Ain, à Bilignin.

Elle défend un groupe de jeunes peintres, les Néo-humanistes, Francis Rose, Bérard, la production tardive de Picabia, les « Transparents » et les peintures hyperréalistes.

Dans les années 1930, Gertrude Stein «　découvre les Transparents de Picabia. Intriguée par les rapports qu’entretient sa peinture avec la photographie, elle renouvelle sa réflexion sur l’art accédant, grâce au peintre, aux prémices de l’abstraction gestuelle　».

Elle «　s’entiche vers 1925 de jeunes peintres qualifiés de « néo-romantiques » - Pavel Tchelitchew, Eugène Berman et son frère Léonide, Christian Bérard, Kristians Tonny – qui travaillent pour les Ballets russes ou les Ballets suédois　».

«　Les fleurs de l’amitié　», collaborations artistiques

Auréolée de son statut de protectrice des arts, amie de Picasso du temps des années héroïques, Gertrude Stein s’entoure depuis la guerre de jeunes Américains venus se former dans la capitale artistique française.

Elle baptise de « Génération perdue » les jeunes écrivains se pressent dans son appartement　: Ernest Hemingway, Scott Fitzgerald, Sherwood Anderson.

Alors que les prix des oeuvres de Picasso sont hors de sa portée, Gertrude Stein s’intéresse à Juan Gris et André Masson, deux artistes défendus par le galeriste Kahnweiler. Celui-ci, qui lit avec intérêt ses textes, devient avec Juan Gris un de ses proches amis et contribue à des collaborations artistiques recherchée par l’écrivain. Il publie deux livres d’elle illustrés par Juan Gris et par Lascaux.

Elle «　se rapproche des cénacles animés par Cocteau, entourés de poètes, René Crevel, Georges Hugnet, de musiciens, Allan Tanner, Virgil Thomson　». Celui-ci, le « Satie américain », écrit un opéra dont le livret-texte est signé par Gertrude Stein, Four Saints in Three Acts monté à New York en 1934 avec des chanteurs noirs de Harlem et les décors et costumes de Florine Stettheimer.

Gertrude Stein, portraits et Hommages

Engagée auprès de la Croix rouge américaine avec sa compagne Alice Toklas (1877-1967) pendant la Première Guerre mondiale, Gertrude Stein «　est devenue une figure populaire, célébrité qui ne fait que croître avec la publication en 1933 de L’Autobiographie d’Alice Toklas. Ses portraits (Vallotton, Cecil Beaton, Man Ray, Jo Davidson, Jacques Lipchitz, Dora Maar, Marcoussis, Picabia, Rose, Tchelitchew, Nadelman…) sont nombreux et contribuent à la construction d’un mythe　».

De célèbres photographes, dont Cecil Beaton, réalisent des portraits de Gertrude Stein et de sa compagne Alice Toklas à des dates clefs de leur vie. Ces clichés révèlent «　la complicité, les échanges intellectuels et les relations de confiance voir ludiques qui se passaient entre ces deux femmes et les photographes　». Ces photos «　explorent les fameux appartements de la rue de Fleurus puis de la rue Madame décrits par des écrivains et peintres. Elles montrent l’acuité de son regard, sa forte personnalité.

En 1933, L’autobiographie d’Alice B. Toklas, récit de Gertrude Stein sur sa vie de collectionneuse et d’écrivain, rencontre un grand succès. «　Enjolivant à son avantage l’histoire de la collection Stein, centrant le récit sur son amitié avec Picasso, l’auteur s’attire des inimitiés, notamment celles de Matisse, de Braque et bien-sûr de Leo, son frère. Pourtant, le mythe Gertrude Stein s’établit durablement　».

Gertrude Stein effectue en 1934 une tournée de conférences aux Etats-Unis – elle est reçue à la Maison Blanche - et préface préface des catalogues d’expositions.

Elle use de ses amitiés avec Marie Cuttoli, propriétaire de la galerie de Beaune, avec la présidente de l’Arts Club de Chicago, Mme Goodspeed, elle incite à des expositions d’artistes qu’elle soutient　: Picabia, Francis Rose, Tal Coat ou Balthus.

«　Invitée à siéger au comité d’action de l’exposition des Maîtres de l’Art Indépendant de 1937, pour laquelle elle prête ses Picasso et ses Gris, elle défend avec malice son ami Picabia : « Alors naturellement j’ai essayé de placer Picabia mais là il n’y a pas eu d’exception son oeuvre a été accueillie par un non unanime, pourquoi pas ai-je demandé, parce qu’il ne sait pas peindre ont-ils dit, mais tout le monde disait que Cézanne non plus ne savait pas peindre, ah ont-ils dit c’est différent. D’ailleurs il est trop cérébral ont-ils dit, ah oui dis-je la peinture abstraite c’est bien, oh oui ont-ils dit, mais être cérébral sans être abstrait c’est mal dis-je, oh oui ont-ils dit. » (Gertrude Stein, Autobiographie de tout le monde, 1937)　».

Gertrude Stein décède en 1946 «　non sans avoir assisté à l’émergence d’une nouvelle abstraction informelle, avec les toutes premières oeuvres d’Atlan　».

Du 1er février au 3 juin 2012
Au Metropolitan Museum of Art de New York

Jusqu'au 22 janvier 2012
Au Grand Palais, Galeries nationales
3 avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
Entrée : Square Jean Perrin
Tél : +33 (0)1 44 13 17 17 (serveur vocal)
Lundi, vendredi, samedi et dimanche de 9 h à 22 h, mardi de 9 h à 14 h, mercredi de 10 h à 22 h, jeudi de 10 h à 20 h

Visuels de haut en bas :

Affiche
Pablo Picasso
Nu à la serviette, 1907
Huile sur toile, 118x89 cm
Collection particulière
© Succession Picasso 2011

Leo Stein

Autoportrait, 1906
Huile sur toile, 79.5 x 44,5 cm
Collection Particulière
Photo © Rmn-Grand Palais / Droits réservés

Paul Cézanne

Les baigneurs, vers 1892
Huile sur toile, 22 x 33 cm
Lyon, Musée des Beaux Arts, dépôt du musée d’Orsay
© service presse Rmn-Grand Palais (Musée d’Orsay) /René-Gabriel Ojéda

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